(J-Drama / Pilote) Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi : une parodie de jeux de rôle toujours aussi percutante et drôle

[Would you like to start a quest?]
[Yes]   ->[No]
[What are you saying? Are you stupid?]
[If you don't select "YES", we can't start!]
[It will be "Majisuka Gakuen 3" again this week!]
[Don't tell me that's better!?]
[Well...]
[Really..]
[I'm not trying to intimidate you or anything]
[I'll ask you again okay?]

 

Parmi les attentes de l'automne au Japon, outre des nouveautés, figurait un retour qui, tout particulièrement, était placé en haut de mes priorités de dramas à suivre. Après avoir créé son petit buzz il y a un an, Yuusha Yoshihiko est en effet de retour pour une deuxième saison sur TV Tokyo depuis le 13 octobre 2012. Souvenez-vous, c'était cette savoureuse parodie se réappropriant pour mieux les détourner les codes des jeux de rôle dans un cadre de fantasy qui m'avait fait sacrément rire l'été dernier. Elle avait été une excellente surprise et un de mes coups de coeur comiques en provenance du Japon en 2011 (vous qui connaissez ma désaffection chronique pour tout ce qui se rapproche du genre comédie, vous mesurez l'exploit). Désormais nommée Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi, cette suite promet de s'inscrire dans la même veine que la première saison. Restait à savoir si l'inspiration des scénaristes serait au rendez-vous pour permettre à la série d'éviter l'écueil de la répétition. A voir ces débuts, on peut être optimiste !

Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi s'ouvre cent années après la quête suivie lors de la première saison, culminant avec l'affrontement contre Maou. Un siècle a passé, et l'oeuvre de nos héros devenus légendaires semble désormais n'être plus qu'un lointain souvenir. En effet les monstres sont de retour sur Terre, regagnant du terrain et menaçant les villages. A nouveau, les hommes se cherchent un héros, quelqu'un à qui confier cette quête de lutter contre eux et de les repousser. Et, à nouveau, les volontaires pour cette aventure téméraire ne se bousculent pas.

Ayant conservé quelques enseignements de Yuusha Yoshihiko, ceux de son village en appellent à la divinité qui avait guidé les pas de leur héros 100 ans auparavant, le fameux Hotoke. Ce dernier répond à leurs prières et accepte de ramener à la vie l'équipe qui avait autrefois vaincu Maou. Voilà donc Yoshihiko et ses trois compagnons de retour pour reprendre les armes contre les monstres. Il s'agit cette fois de partir en quête d'une clé qui repoussera ces derniers hors de cette réalité. Evidemment, Hotoke, fidèle à lui-même, a négligé quelques détails lorsqu'il a rappelé Yoshihiko...

Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi réussit l'exploit de conquérir le téléspectateur dès le dialogue introductif complètement décalé qui occupe ses premières secondes d'écran noir (cf. le passage reproduit en introduction de ce billet). La seconde saison est dès lors parfaitement posée, clamant haut et fort que les codes des RPG seront toujours omniprésents, pour toujours être mieux détournés. L'approche parodique décomplexée se révèle à nouveau particulièrement réjouissante. D'autant plus que rien ne se prête mieux aux chutes inattendues surréalistes et au développement allant à rebrousse-poil que la période précédant une quête, durant laquelle on s'efforce de dénicher le héros à qui l'on pourra faire porter la responsabilité du combat contre les monstres. La première saison s'était démarquée dès le départ grâce à cela, la seconde séduit pareillement en revisitant les scènes les plus classiques du genre pour mieux en changer le dénouement et offrir quelques réparties cinglantes qui provoqueront plus d'un franc éclat de rire. A ce petit jeu de la surenchère, il faut accorder une mention spéciale au descendant de Yoshihiko, un gamin plein aplomb dont les répliques à contre-courant offrent quelques-uns des meilleurs passages du premier épisode.

Plus généralement, Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi réussit parfaitement la réintroduction prétexte de nos quatre héros, ramenés à la vie cent ans après leur dernière aventure ensemble... Ce premier épisode s'avère être un véritable Hotoke-show. La divinité, passée maître dans l'art de s'emmêler les pinceaux, oublie bien des détails fondamentaux pour s'assurer de la mise en ordre de bataille de nos héros. Du retour en vieillard incapable de tenir une épée jusqu'à l'absence de sauvegarde de niveau - les forçant ainsi à reprendre tout au début de la quête, Hotoke ne leur épargne rien. Pour la plus grande exaspération de nos protagonistes, mais évidemment pour le plus grand enthousiasme d'un téléspectateur que ces contre-temps amusent grandement. Il faut noter que la première saison n'est pas oubliée : le drama renoue de manière inspirée avec certains de ses running-gags. Il recycle aussi des dynamiques réussies, capable de les revisiter en adoptant d'autres approches (comme le montre le deuxième épisode). Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi part donc sur de solides bases, détournant avec toujours autant d'enthousiasme les clichés et les règles si universelles de l'univers des jeux de rôles... il y a sans conteste matière à nourrir une nouvelle saison pleine.

 

Sur la forme, Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi reste un "Low Budget Action Adventure Story". C'est ce qui fait son charme. Le drama s'est toujours fait une spécialité de tirer profit de son absence de budget, pour mieux rivaliser d'imagination afin d'introduire des effets extrêmement cheap qui contribuent au côté décalé de l'ensemble. Rien de tel, pour provoquer un sourire, que d'introduire un terrible monstre en carton bleu de niveau 1, ou de faire garder un objet important par une terrible peluche sanguinaire... d'une hauteur d'une poignée de centimètres. L'environnement intègre pleinement, en l'assumant et en la cultivant, la dimension parodique de la série qui, en plus, ne coûte pas un sou. La réappropriation des codes du RPG reste cependant fondamental, jusque dans les effets sonores. Et l'excellent nouveau générique bien rythmé (cf. la vidéo ci-dessous) est aussi très riche en symbolique, introduisant parfaitement l'univers.

Enfin, on retrouve dans cette deuxième saison le même casting principal que pour la première pour la satisfaction d'un téléspectateur qui ne pouvait imaginer ne pas revoir la dynamique qui s'était installée entre eux. Yamada Takayuki (Churasan, Byakuyako) réendosse le costume du héros par excellence. S'il est toujours entouré de Kinami Haruka (Sunao Narenakute, BOSS 2), Takuma Shin (Komyo ga Tsuji) ou encore Muro Tsuyoshi (Tofu Shimai), le premier épisode laisse plus particulièrement libre expression à un Sato Jiro (Control~ Hanzai Shinri Sousa)  en forme dans un registre plein d'excès : il s'amuse manifestement beaucoup en divinité dérangée en pleine réunion familiale, toujours vaguement irresponsable, si loin de l'image de sage vénérable et omniscient attendue.

 
 

Bilan : Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi signe un retour dans la droite ligne de sa très drôle première saison. Parodie rythmée et dynamique nous immergeant dans les codes si bien réglés (et trop familiers) de l'univers des jeux de rôle, ce drama manie les chutes inattendues, les ruptures de tonalité et une dimension décalée revendiquée avec un aplomb et un enthousiasme communicatifs. Véritables invitations à s'amuser devant son petit écran, ces 25 minutes hebdomadaires seront certainement un de mes rendez-vous téléphagique préféré des semaines à venir. Et c'est tant mieux.

Si vous avez apprécié Yuusha Yoshihiko to Maou no Shiro, vous êtes sans doute déjà installés devant Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi. Si vous n'avez pas encore mis un pied dans ce drama à part, il n'est pas trop tard pour apprécier cette comédie joyeusement décomplexée.

NOTE : 7/10

Le générique de la saison :

 

(US) Babylon 5 : une puissance épique et mythologique intacte pour la fin des rêves

Tout a commencé il y a quelques semaines devant le pilote de Last Resort. Un officier militaire, commandant d'un appareil capable de donner une autonomie défensive à son équipage, qui rompt avec sa chaîne de commandement et fait sécession, en se plaçant sur les champs de la légalité, mais aussi d'un certain honneur, dans l'esprit d'un sériephile, cette situation évoquait instinctivement une autre déclaration d'indépendance, tellement marquante dans son registre. La frustration ressentie devant le pilote de Last Resort et ses manques d'ampleur et de force avaient éveillé en moi l'envie irrépressible de retrouver un vrai passage d'anthologie. Si vous ajoutez à cela le blues d'une rentrée sériephile relativement morose dans la télévision occidentale, vous comprenez comment, hier, mes DVD de Babylon 5 se sont soudain retrouvés dans le lecteur de mon salon. J'ai regardé plusieurs épisodes d'affilée, jusqu'à parvenir au fameux Severed Dreams (3.10). Et vous ne pouvez pas imaginer combien il peut être bon de retrouver certains fondamentaux.

Babylon 5 reste une des plus belles expériences sériephiles qu'il m'ait été donné de vivre. Tout a probablement déjà été écrit sur cette épopée de science-fiction mythique au sens premier du terme. Pour comprendre le souffle qui la parcourt, il faut commencer par rappeler cette construction narrative, allant crescendo : elle voit se développer de vastes intrigues, évoluant sur plusieurs niveaux, rassemblées dans un toutélié mythologique à l'ampleur et à la maîtrise grisantes. Cela fait sa force, même si c'est aussi une limite : la saison 1 sert plutôt d'exposition dont la légitimité se comprend avec le recul, tandis que les saisons 3 et 4 représentent un apogée dont nul ne ressort indemne. Car Babylon 5, ce sont des prophéties et des visions qui s'emboîtent, des enjeux qui se comprennent a posteriori, des réponses qui arrivent tardivement à des questions à peine formulées. C'est la mise en scène d'une lutte, mais c'est surtout l'histoire d'un avènement, d'un bouleversement qui dépasse l'entendement, celui de l'entrée dans un nouvel Âge.

Au fil des saisons, les destinées personnelles des personnages se confondent avec des enjeux d'une toute autre ampleur, touchant les réalités inaccessibles des secrets de l'univers, de sa création et de son Histoire. C'est un récit épique, avec ses vrais héros, ses actions d'éclat dont chacun murmure encore le déroulement aux quatre coins de la galaxie et ses sacrifices réalisés en conscience. L'écriture joue sur les ressorts les plus purs des épopées extraordinaires, avec leur grandeur et leur naïveté, mais ne vous y trompez pas : sa richesse dévoile une complexité dégagée de tout manichéisme qui exerce une fascination jamais démentie. C'est une série peuplée de figures magnifiques, sublimées par les évènements, évoluant aussi en fonction de leurs épreuves et puisant leur force dans une adversité insoupçonnée et inimaginable. Le soin apporté à la distribution des rôles, principaux et secondaires, où transparaît un équilibre très travaillé, qui s'affine et se nuance avec le temps, s'inscrit dans cette même lignée. 

Severed Dreams, l'épisode de la déclaration d'indépendance, se situe à mi-chemin dans la série, 10e épisode de la saison 3 dans une fiction comptant cinq saisons. Il reste un des plus marquants, incarnant parfaitement tout ce qui fait l'essence de Babylon 5. La capacité des scénaristes à construire leurs intrigues sur le moyen ou le long terme, suscitant peu à peu les attentes, conduisant vers des confrontations inévitables, demeure une constante que cet épisode illustre à merveille. Il est en effet un point de rupture, nécessaire, programmé par les dérives dictatoriales du régime du Président Clark. Il est l'aboutissement d'un engrenage, parfaitement identifié, qui a débuté bien avant, et que l'accélération récente des évènements n'a fait que précipiter. Cet effort de contextualisation, méticuleux et riche en détails, fait mesurer combien la déclaration d'indépendance marque une nouvelle étape dans l'escalade létale du conflit terrien. 

Le téléspectateur a assisté, tout aussi glacé que les protagonistes impuissants, à la mise en place de la loi martiale, aux responsabilités confiées aux troupes de NightWatch, aux bombardements de Mars, à la sécession de plusieurs colonies refusant les ordres du pouvoir exécutif terrien, et enfin, à l'arrivée du vaisseau du général incarnant la résistance et la possibilité du coup d'Etat. Tandis que la chaîne d'informations continues ISN cesse d'émettre, chacun a conscience devant Severed Dreams que tous les évènements des épisodes précédents ont conduit à ce moment où il ne reste à Sheridan qu'une seule issue : celle de prendre position, et de signifier son désaccord par la rupture. La scène du discours d'indépendance n'a rien perdu de sa puissance après toutes ces années parce qu'elle occupe une place pivôt dans la construction d'ensemble de la série alors que l'Alliance Terrienne voit se profiler le spectre d'une guerre civile.

Severed Dreams représente également Babylon 5 car, comme dans l'ensemble de la fiction, il y a plusieurs niveaux de lecture et d'enjeux dans les storylines qu'il met en scène. L'affrontement terrien et la déstabilisation du régime n'est qu'un conflit parmi d'autres dans une galaxie qui semble prête à s'embraser complètement. C'est une histoire bien plus vaste, celle de l'univers, qui se met en branle, et l'épisode le souligne bien. Les fameuses Ombres, ces ennemis craints, inatteignables, ont grandi dans les recoins. Delenn et certains Minbaris n'ont pas oublié la prophétie dont ils sont les gardiens. Ils ont poursuivi leur surveillance et leurs investigations, en dépit d'un haut conseil aveugle qui s'entête à nier les évidences d'un embrasement général à venir. Severed Dreams marque ainsi une nouvelle étape dans la mise en place de chaque camp, dans le rassemblement des forces qui vont devoir s'unir et dépasser leurs préoccupations égoïstes pour envisager... la survie.

La défense de la station Babylon 5, cet espoir de paix envolé devenu la voie possible vers la victoire, incarne ces enjeux et ces prises de position qui se situent à une toute autre échelle que la simple géopolitique terrienne. La série évolue ici sur un registre hautement symbolique, mettant en scène ces alliances entre les peuples qui s'esquissent et les sacrifices que chacun est prêt à accepter dans cette période qui s'annonce. Le visuel a peut-être vieilli dans cette bataille acharnée qui a lieu, mais son intensité demeure intacte, portée par une musique dans laquelle les accents épiques n'ont jamais été aussi perceptibles. Les Narns, emmenés par G'Kar, respectent leur parole et défendent la station avec l'abnégation qu'on leur connaît. L'arrivée de Delenn, au commandement d'une flotte Minbari, scelle les bases d'une nouvelle alliance, celle qui permet d'envisager à nouveau la possibilité d'un futur. Et il faut reconnaître que sa réplique cinglante se concluant par le fameux "be somewhere else" a conservé son caractère purement jubilatoire qui provoque autant de frissons qu'au premier visionnage.

Bilan : La puissance mythologique et la construction narrative soignée de Babylon 5 fonctionnent toujours comme au premier jour. Elles se savourent peut-être encore plus d'ailleurs face à un petit écran américain où trop d'immédiateté et de besoin d'instantanéité font que l'on ne retrouve plus l'ampleur et l'intensité qui font la force de ces grands récits. C'est pour ces derniers que le format télévisuel, et la durée longue qu'il permet, prend tout son sens et sa légitimité. Sa richesse intacte, qui mériterait un article bien plus détaillé que l'éloge que j'ai trop brièvement à peine esquissé ci-dessus, explique pourquoi Babylon 5 est une série qui se doit toujours d'être découverte, même presque vingt ans après sa création. Et, en son sein, Severed Dreams reste un de ces épisodes fondamentaux, marquant une progression importante dans les intrigues, et dans lequel on retrouve toute cette multitude d'ingrédients qui ont fait la série.

Vous me pardonnerez donc cette parenthèse et ce retour en arrière aujourd'hui pour ce billet dominical. Mais pour se débarrasser des frustrations accumulées après tous les pilotes de rentrée testés ces derniers temps, replonger dans Babylon 5 a un effet revivifiant et revigorant qui fait un bien fou. De quoi se rappeler ce qu'est notre passion et les raisons de la sériephilie.

NOTE : 9,5/10

Le générique de la saison 3 :

Une des répliques cinglantes de Delenn, "Be somewhere else" :

(UK) Hunted : une froide fiction d'espionnage

Orphelin de Spooks en cette rentrée télévisuelle, privé de la perspective de retrouver les missions tendues de ces agents du MI-5 qui lui ont fait perdre quelques cheveux au fil des ans, le téléspectateur se cherchait instinctivement des substituts. Il était facile d'en imaginer un dans Hunted, une série derrière laquelle on retrouve justement la boîte de production Kudos, et avec un développement confié à Frank Spotnitz dont le nom reste associé à X-Files. Diffusée sur BBC1 depuis le 4 octobre, Hunted a démarré hier soir aux Etats-Unis sur Cinemax. Malheureusement la série ne m'a toujours pas convaincu.

Il n'y a pourtant rien que j'aime tant qu'une solide fiction d'espionnage, aussi classiques soient les voies qu'elle emprunte. Vous vous souvenez peut-être de ce véritable coup de coeur  qu'a été The Sandbaggers au printemps dernier - elle reste sans doute une de mes révélations sériephiles de l'année 2012. Cette série m'a prouvé et rappelé qu'un genre connu par coeur peut toujours être aussi fascinant et excitant qu'au premier jour, sans besoin de se réinventer, à condition que l'écriture (et le casting) soit à la hauteur. Hunted s'est engouffrée sur bien des sentiers déjà battus, mais elle peine cependant à dépasser le stade de la caricature. Un léger mieux se perçoit au fil des trois épisodes, après un début poussif, mais est-ce suffisant ?

Après une mission conduite à Tanger, Sam Hunter, agent d'une compagnie de sécurité privée, est grièvement blessée dans un bar où elle avait rendez-vous. Elle échappe de peu à la mort, mais perd l'enfant qu'elle portait. Ignorant qui l'a trahie et qui a commandité cette tentative d'assassinat, elle fait le choix de disparaître pour se rétablir en Ecosse. Une année plus tard, de nouveau sur pied, elle recontacte son ancien employeur bien décidée à découvrir le fin mot de l'histoire. Se méfiant des membres de son ancien équipe, de son supérieur, mais aussi de tous ceux qu'elle a pu croiser à Tanger, elle entend découvrir qui et pourquoi elle a été prise pour cible. Elle obtient rapidement sa réintégration pour être incluse dans une mission d'infiltration dans la maison d'un riche et trouble homme d'affaires, qui doit prendre part à des enchères qui attisent bien des convoitises. Mais ceux qui voulaient sa mort ne semblent pas l'avoir oubliée...

Des histoires d'infiltration, de tentatives d'assassinat, de taupe, le tout dans un milieu où chacun garde jalousement ses secrets et ses atouts, et où la méfiance règne... Nul doute que Hunted entend se réapproprier bien des classiques du genre. Son approche même ne manque pas de potentiel. Fiction feuilletonnante, elle nous plonge dans les coulisses d'une compagnie de renseignements privée, ravivant un peu plus l'écho du fantôme d'Alias déjà présent dans l'inconscient du téléspectateur du seul fait de la présence de Melissa George. Conduire des missions pour d'obscurs clients, sans avoir même la perspective de se raccrocher à l'idée que ces sacrifices potentiels auront lieu "pour le bien commun du pays", voilà de quoi construire un univers particulièrement endurci. L'ensemble fonctionne par intermittence grâce à l'ambiance que ce cadre génère, par cette paranoïa excessivement froide dans laquelle la fiction se complaît. Mais le problème est que la série peine à dépasser l'enchaînement des poncifs. Son écriture, manquant trop de subtilité, a souvent du mal à maîtriser et à exposer les enjeux afin de capturer l'attention du téléspectateur. La progression des intrigues est hachée et inégale, fonctionnant par à-coup et parachutage d'informations sans réelle cohésion.

En trois épisodes, une amélioration se constate cependant, grâce à cette tension presque mécanique engendrée par moment par quelques coups d'éclat. Ou plutôt, devrais-je dire, par ces explosions de violence. La dure réalité de l'univers dans lequel évolue la série était un atout légitimement exploitable. Mais, comme pour le reste, ses scénaristes abusent de ces ressorts violents vite banalisés : leur gratuité finit par leur faire perdre tout impact. La fiction évolue dans un univers complètement désensibilisé, presque déshumanisé. Le problème est que la caractérisation des personnages en souffre : nulle émotion, encore moins d'empathie, chez des protagonistes trop unidimensionnels, peu aidés par des répliques souvent assez creuses et où manque de façon parfois criante cette dose de manipulation subtile, de non-dits, sur laquelle un vrai thriller paranoïaque doit être en mesure de jouer. La série ne s'attarde vraiment que sur l'héroïne, les autres peinant à exister par eux-mêmes et à susciter l'intérêt d'un téléspectateur qui ne trouve pas vraiment ces repères dans l'équipe dysfonctionnelle mise en scène. Et même Sam Hunter reste une figure à la psychologie à peine esquissée. On peut finir par se préoccuper de son enquête sur ses tueurs, mais on ne s'implique pas, ni ne s'attache à la jeune femme.

Sur la forme, Hunted présente une réalisation stylée, plutôt agréable de premier abord. Elle propose également quelques plans inspirés, notamment en extérieur - les scènes en Ecosse du pilote sont tout simplement magnifiques. Mais elle a aussi tendance à trop en faire (cette façon de prendre une idée pas mauvaise sur le papier, mais de tirer ensuite trop sur la corde se retrouve comme sur le fond). La photographie, avec ses teintes bleutées - ou jaunâtres suivant les lieux, apparaît dans certains scènes vraiment trop saturée. Cela contribue à donner à l'ensemble une impression d'artificialité, mais aussi de distance avec le récit, qui n'aide pas à l'investissement du téléspectateur.

Enfin, le casting, international, rassemblé pour l'occasion ne permet pas de redresser la barre. Melissa George peut parfois être très correcte dans certains rôles, comme dans The Slap l'an dernier. Mais dans Hunted, elle peine à s'exprimer, dépeignant un personnage trop froid, dont les quelques parenthèses d'humanité sonnent superficielles ou forcées. L'ensemble du casting souffre de l'écriture trop rigide et mal agencée, qui fait que beaucoup de scènes semblent fausses. J'ai beau vouer un culte à Stephen Dillane depuis John Adams, il faut que admettre que ses quelques scènes glacées et pseudo-cryptiques en patron de cette agence tombent le plus souvent à plat. Adam Rayner, Adewale Akinnuove-Agbaje, Morven Christie ou encore Lex Shrapnel n'échappent pas à ces mêmes limites.

Bilan : Ressassant les clichés du genre espionnage sans parvenir à se les réapproprier, Hunted est une série souvent frustrante en raison de ses difficultés à gérer le développement régulier de ses intrigues et du manque de subtilité de son écriture. Si on devine qu'elle ne souhaite pas être une simple fiction d'action, elle ne se prive pourtant pas d'explosions de violence assez gratuites. Evoluant dans un univers presque déshumanisé, dont même les personnages semblent cantonnés à une froideur peu engageante, Hunted se cherche, et sa seule réussite est de parvenir par intermittence à nous prendre au jeu de cette ambiance tendue et glacée. Le potentiel était là, je voulais vraiment l'aimer, mais la mécanique reste grippée...

NOTE : 5,5/10

La bande-annonce de la série :

(J-Drama / Pilote) Going My Home : un drama humain, sincère et décalé ne laissant pas indifférent

Quand je vous disais la semaine passée que la saison automnale au Japon s'annonçait autrement plus enthousiasmante que l'été qui s'achevait, je n'exagérais pas. En témoigne ce premier pilote visionné ce week-end. Going My Home était le drama attendu de cet automne, aussi bien par le public japonais que par moi. La raison ? Il s'agit du premier passage au petit écran, pour un renzoku, du cinéaste Koreeda Hirokazu. Ce nom ne vous est pas inconnu si vous vous intéressez un peu au cinéma japonais : Nobody knows, Still walkting, Air Doll ou encore I wish sont des films qui méritent leur visionnage. Pour couronner le tout, Going My Home présentait également un argument de casting convaincant, avec notamment la présence de Abe Hiroshi.

Autant de bonnes raisons de découvrir un drama qui a débuté sur Fuji TV le 9 octobre 2012, par un (long) pilote de rien moins qu'1h40. Qu'importe sa longueur, puisque ce premier épisode m'a conquise. S'il donne peu d'indication sur les orientations futures de cette histoire familiale parsemée d'étrange, il installe une ambiance caractéristique savoureuse. Une entrée en matière réussie, pleine de potentiel, qui ne demande qu'à être confirmée par la suite. Mais après un tel premier épisode, on ne peut être qu'optimiste !

Expliquer le synopsis de Going My Home est en soi presque un défi, tant, au cours de ce pilote, l'univers de la série s'installe par petites touches, sans qu'une trame narrative principale ne s'impose. Une chose est certaine, pour ceux qui s'interrogeaient sur les compromissions et aménagements à adopter pour le passage du grand au petit écran, le style caractéristique de Koreeda Hirokazu s'impose d'emblée, transposé tel qu'il nous est familier. Il sera d'ailleurs intéressant de voir comment il va se développer par la suite dans un format de renzoku.

Le drama s'intéresse au quotidien, familial et professionnel, de Tsuboi Ryota. Ce père de famille a souvent du mal à s'affirmer et à trouver son registre, confronté aux jugements incessants de ceux qui l'entourent et que son attitude et ses choix ne semblent jamais satisfaire. Au travail, sa carrière professionnelle ne suit pas l'ascension espérée. Evoluant dans le milieu souvent ingrat de la publicité, il doit gérer des clients compliqués et des collègues méfiants. A la maison, son épouse a en revanche trouvé son créneau et voit sa renommée grandir : elle est une cuisinière publiant des livres de recettes. Face à ces parents débordés, leur petite fille cherche aussi sa place. Isolée, elle s'invente tout un monde imaginaire, et attire l'attention à l'école par son comportement. Le quotidien de Ryota se complique un peu plus lorsque son père fait un malaise et se retrouve dans le coma dans un hôpital de province : il renoue avec sa soeur et sa mère, deux autres fortes personnalités qui, comme lui, ne savent trop comment gérer cette situation. Dépêché pour se renseigner sur ce père aux pans de vie parfois méconnus, Ryota attérit dans une petite ville où il découvre qu'il y animait d'étranges visites.

Going My Home est un drama d'ambiance à la saveur très particulière. Résolument intime, profondément humain, il se nourrit d'une écriture toute en subtilité et des petites intéractions qu'elle met en scène entre les personnages. La narration n'a pas son pareil pour capturer avec justesse des dynamiques familiales au sein desquelles le naturel semble être le maître-mot. Au cours de ce pilote, c'est tout particulièrement les relations entre Ryota, sa soeur et sa mère qui sont très bien mises en valeur. Le trio partage en effet quelques scènes, dépeintes avec une sincérité émotionnelle à fleur de peau, qui résonnent d'une authenticité assez unique. En effet, l'hospitalisation du père les rassemble bon gré mal gré, et, instantanément, revient la réalité de leurs rapports, avec toutes les nuances inhérentes aux sentiments humains : la tendresse comme les piques surgissent spontanément, tout comme les anecdotes du passé, au détour des conversations de ces personnes qui se connaissent par coeur.

Si les circonstances auraient pu conduire le drama sur une pente résolument dramatique, il n'en est pourtant rien : Going My Home garde résolument une tonalité légère. Cela explique en partie la chaleur humaine qui émane de l'ensemble et réchauffe le coeur du téléspectateur. De plus, le drama n'hésite pas non plus à distiller des petites touches d'humour introduites avec ce même naturel, sans jamais forcer les situations, à l'image du savoureux running gag sur la couleur des vêtements de Ryota à l'hôpital, tellement sombres que chacun lui demande s'il n'a pas pris une avance et ne s'est pas paré des couleurs du deuil alors que son père n'est pas encore mort.

De manière générale, le pilote de Going My Home prend résolument son temps, avec une approche presque contemplative. Sa construction narrative apparaît d'ailleurs originale pour la télévision, tant ces 1h40 pourraient s'apparenter à un long métrage. Le format du renzoku n'est exploité ici que de façon minimaliste : il faut attendre la toute fin de l'épisode pour voir infléchir ce récit d'instantanés et de tranches de vies, et permettre d'assister aux prémices d'une intrigue sur le plus long terme. Cette dernière ajoute d'ailleurs à l'étrangeté ambiante, avec l'introduction de créatures mythologiques, les kuna, qui vivraient dans la région du père de Ryota. S'apprêtant à osciller entre folklore fantastique et retranscriptions de relations humaines, l'univers ainsi posé, décalé à sa façon, est déjà un vrai délice, unique en son genre, dans lequel le téléspectateur s'immerge sans voir le temps passer. 

Faisant déjà preuve d'une vraie personnalité sur le fond, Going My Home est tout aussi abouti sur la forme. La réalisation est soignée, à la fois proche des personnages, mais aussi capable de prendre du recul pour capturer, avec des plans plus larges, les scènes d'intéractions entre chaque protagoniste. La photographie reflète une certaine authenticité de l'approche choisie. La bande-son est également très agréable, contribuant à l'ambiance, avec une chanson du générique qui se détache déjà et semble parfaitement correspondre à l'atmosphère caractéristique et unique développée.

Enfin, ultime raison de découvrir Going My Home - et non des moindres -, le drama bénéficie d'un casting, alléchant sur le papier, et parfaitement à la hauteur à l'écran. Abe Hiroshi, dans un registre de père de famille faillible, remis en cause à l'occasion, fait des merveilles. Ses scènes avec YOU, qui incarne sa soeur, sont un délice dans ce premier épisode, l'actrice - que j'aime beaucoup également - retranscrivant bien l'ambivalence de son personnage. Yamaguchi Tomoko interprète sa femme, et ses quelques scènes sont tout aussi prometteuses. C'est en résumé un vrai casting cinq étoiles qui n'aurait pas pu être mieux sélectionné pour transposer à l'écran une telle histoire. On retrouve également parmi eux Miyazaki Aoi, Yasuda Ken, Arai Hirofumi, Bakarhythm, Natsuyagi Isao, Abe Sadao, Yoshiyuki Kazuko ou encore Nishida Toshiyuki.

Bilan : Les séries trop attendues sont souvent source de déception. Il n'en est rien dans ce pilote où Going My Home réussit le tour de force de convaincre tout en permettant à son créateur de rester en tout point fidèle à sa réputation et à son univers. Pépite d'humanité et de subtilité, l'épisode propose 1h40 d'écriture fine et nuancée, rythmée par des instantanés de vie offrant des caractérisations à la sincérité bien réelle qui font toujours mouche. La pleine réappropriation du format télévisuel feuilletonnant reste à prouver sur la longueur, tout comme l'exploration d'un registre plus folklorique et fantastique. Mais il ne faut pas bouder son plaisir : le style est certes à part (et peut-être tout le monde n'y trouvera pas son compte), mais une telle immersion représente pour moi un délice qui se savoure.

Les amateurs de dramas japonais comme les familiers de l'oeuvre de Koreeda Hirokazu ne s'y tromperont pas. Tout comme tous les téléphages curieux qui voudront voir si cet univers trouve un écho en eux. Foncez.

NOTE : 8/10

Une bande-annonce (décalée) :

(Pilote CAN) Unité 9 : une immersion convaincante dans un milieu carcéral féminin

En cette mi-octobre où l'heure des premiers bilans de rentrée peuvent déjà s'esquisser, il faut bien avouer que les nouveautés ne m'ont guère emballé en Amérique du Nord. Quelques concepts s'affirmeront peut-être lorsque la série en aura pris la mesure, mais l'introduction en elle-même, le fameux pilote, ne m'a que trop rarement (disons plutôt jamais) conquise. Cependant, si on élargit au-delà du cercle anglophone à l'Amérique francophone, il existe une série qui a retenu mon attention ces derniers jours : Unité 9, testée après plusieurs semaines d'échos positifs dans ma time-line de twitter qui avaient aiguisé ma curiosité (à commencer par LadyTeruki au prosélytisme souvent bien ordonné).

Le week-end dernier, je me suis donc lancée dans la télévision québécoise. Cela faisait longtemps que je tournais autour, j'ai sauté le pas avec les nouveautés de cette rentrée, et ai donc testé des fictions aussi différentes que Les Bobos, Tu m'aimes-tu et donc Unité 9. Une fois passé l'ajustement à l'accent (et reconnaître que certaines phrases m'échapperont toujours par-ci, par-là), c'est cette dernière qui m'a vraiment happé dès son premier épisode (et depuis le rattrapage s'opère avec un enthousiasme qui ne se dément pas). Écrite par Danielle Trottier, avec Geneviève Baril et Louise Danis, Unité 9 est une fiction dramatique qui a débuté sur Radio-Canada le 11 septembre 2012. Prévue pour une durée de 25 épisodes, de 42 minutes chacun, elle est diffusée tous les mardi soirs, où elle a trouvé son public.

Unité 9 s'ouvre sur le jugement du personnage principal de la série, Marie Lamontagne, une mère de deux enfants désormais jeunes adultes, veuve et jusqu'alors sans antécédents judiciaires. Ayant avoué les faits, elle est reconnue coupable et condamnée, pour tentative de meurtre sur la personne de son père, à sept ans d'emprisonnement. En attendant son transfert, elle fait la connaissance d'une première co-détenue, Shandy, jeune femme exubérante qui connaît parfaitement les arcanes du système judiciaire, en parfait contraste avec le saut dans l'inconnu que tout cela représente pour celle qui était il y a peu une simple mère de famille sans histoires.

Marie va purger sa peine dans l'établissement carcéral pour femmes de Lietteville, où elle sera assignée à l'unité 9. On découvre, dès le premier épisode, les femmes, très différentes les unes des autres, qui vivent dans ce baraquement conçu pour six personnes. Face à des co-détenues pour certaines accueillantes, pour d'autres indifférentes, voire carrément hostiles, Marie va devoir trouver sa place et apprendre les codes de cette prison dont un nouveau responsable vient de prendre la direction. La gestion par ce dernier d'un vol anecdotique pose d'ailleurs d'emblée la rigueur qui semble devoir être sa ligne de conduite.

L'univers carcéral est un milieu au potentiel narratif certain (sans revenir sur Oz, il faudra que je vous parle prochainement de Capadocia dont la saison 1 m'attend depuis plusieurs semaines). La vie en collectivité forcée, placée sous la surveillance constante de gardiens, sert de révélateur. Les dynamiques qui s'installent entre les personnages, qu'il s'agisse de rapports de soutien comme de pouvoir, sont capables de faire ressortir les meilleurs (telle la solidarité) comme les pires aspects de la nature humaine. L'enjeu même de la prison constitue une problématique fascinante à traiter, puisque la sentence a une dualité qui lui est inhérente, bien difficile à concilier : il s'agit de solder les comptes avec les actes commis dans le passé en punissant l'individu, mais aussi de se tourner vers le futur en ouvrant la voie à un après, à une réhabilitation, avec une vie à reconstruire une fois la peine purgée.

Pour mettre en scène son cadre particulier, Unité 9 choisit une approche dramatique, très humaine, qui privilégie avant tout ses personnages. La série n'a pas les explosions de violence à l'intensité difficilement soutenable que d'autres fictions relatant un tel sujet ont déjà mis en avant, cherchant à marquer en montrant le pire versant de l'être humain. Ces baraquements (sans barreaux) donnent même parfois la brève illusion d'oublier la prison. La série ne s'en approprie pas moins avec force les grands thèmes carcéraux. Les conditions de détention ne semblent certes en apparence pas insupportables, mais cela n'en reste pas moins une prison, aussi cliniquement régulée qu'elle puisse paraître. La privation de liberté pèse. Les quelques éclats provoqués, les expressions de mal-être ou encore les brusques rappels des limites à toute action, témoignent du poids constant, tellement pesant, que représente toutes ces exigences quotidiennes auxquelles les détenues doivent se soumettre.


Les débuts de Unité 9 ont le grand mérite d'esquisser ses enjeux sans se précipiter. Son écriture a une sobriété naturelle qui permet de poser instantanément une proximité avec les personnages. Il y a aussi une densité émotionnelle bien présente qui frappe et suscite l'empathie. Par l'intermédiaire de Marie, qui est le repère du téléspectateur, il s'agit de suivre comment une femme ordinaire, étrangère à un milieu carcéral dans lequel elle n'avait jamais envisagé de pouvoir se retrouver, va s'adapter à ce qu'elle découvre. L'assimilation du choc de la sentence dans le pilote sonne extrêmement juste. Puis, dans le deuxième épisode, les premiers pas en prison s'inscrivent dans cette même lignée, capturant avec force le maelström d'émotions qui se forme en elle, oscillant entre la détresse d'une vie soudain privée de sens, comme suspendue, et le besoin de rationaliser ce qui lui arrive et de comprendre le fonctionnement de l'établissement. Une scène comme celle de la fouille à nue, pour le choc et l'atteinte à la dignité que cela représente pour Marie, résume bien l'intensité marquante de la série. Oui, Unité 9 saura traiter des problématiques carcérales avec authenticité et sans besoin de surenchère.

De manière générale, la grande réussite du pilote tient à sa capacité à créer des personnages auprès desquels on s'investit naturellement, sans nécessiter que l'on sache instantanément tout d'eux. De Marie, on apprend qu'elle a tenté de tuer son père, mais on ignore ses motifs. De même, ses futures co-détenues nous sont présentées par petites touches, à travers leurs relations au quotidien. Il n'y a pas d'exposition inutile, ni de surdose d'informations pour classer immédiatement chaque protagoniste dans des ses cases prédéfinies. Les quelques flashbacks de Marie, dans le pilote, servent au présent, puisqu'ils permettent de mesurer le brusque vertige qui la saisit quant la perspective de l'univers carcéral devient concret. Au final, l'écriture a cette assurance communicative qui met en confiance les téléspectateurs : il s'agit de nous donner juste ce dont nous avons besoin pour mesurer les enjeux. Cela n'empêchera pas d'accorder à la série le temps de pleinement se développer. Ce parti pris fonctionne d'autant plus que la sobriété d'ensemble pose une proximité immédiate.

Sur la forme, Unité 9 est une série dont la réalisation est globalement de bonne facture. Visuellement, ce sont des couleurs froides, carcérales pourrait-on dire, qui dominent une photographie un peu épurée, mais résolument claire. Elle bénéficie également d'une bande-son richement pourvue en accompagnement musicaux qui pourtant ne sonnent jamais intrusifs, rythmant efficacement la narration pour ne faire qu'un avec le récit. Le générique est sobre, presque minimaliste, tout en ayant le mérite de poser immédiatement la tonalité.

Enfin si Unité 9 peut sonner si juste, elle le doit aussi aux interprétations solides et inspirées, proposées par un casting homogène. Guylaine Tremblay est le pivôt central de cette introduction : elle incarne Marie Lamontagne, capturant avec force toutes les émotions par lesquelles passe la mère de famille réalisant progressivement ce qui lui arrive et où elle va passer les prochaines années de sa vie. Pour l'accompagner dans le pilote, elle trouve un soutien dans l'énergique Suzanne Clément, qui interprète une Shandy qui a souvent tendance à faire le show plus que de raison. Les actrices sont tout aussi bien choisies à l'intérieur de la prison, avec une mention particulière à l'intense Eve Landry notamment, mais Céline Bonnier, Micheline Lanctôt, Sarah-Jeanne Labrosse et Catherine Proulx-Lemay trouvent toutes immédiatement le ton juste pour capturer leur personnage respectif. Dans le personnel, le nouveau directeur est interprété par François Papineau, tandis que Salomé Corbo et Mariloup Wolfe sont les deux gardiennes que l'on suit au grès du quotidien carcéral.

Bilan : Unité 9 signe des débuts efficaces, posant les bases solides d'une fiction dramatique en milieu carcéral. Elle s'assure de la fidélité du téléspectateur grâce à une écriture dense, souvent juste, et plutôt habile dans sa manière d'introduire les différents personnages. L'approche est sobre, presque clinique dans la mise en scène de la prison, mais avec une intensité émotionnelle qui n'en est pas moins perceptible dans les scènes clés. Tout en entreprenant de traiter les grandes problématiques légitimement attendues du fait de son cadre, ce sont avant tout des destins de femmes que la série va nous relater. L'entrée en matière est réussie, le potentiel est là ; je serai donc au rendez-vous pour la suite de la série.

Mine de rien, Unité 9 est le premier pilote Nord-Américain de ces dernières semaines à m'avoir donné envie, sans réserves, d'enchaîner immédiatement avec l'épisode qui suit. C'est un soulagement de l'avoir trouvé. Tant mieux s'il permet de s'ouvrir à un autre petit écran, francophone cette fois.

NOTE : 7,75/10