(US) The Americans, saison 1 : jeux de miroirs faussés entre soviétiques et américains

 

Retour aux Etats-Unis en ce dimanche ! Il faut dire que cette première moitié d'année 2013 est assez positive dans le petit écran américain. Il y a les valeurs sûres pour me confirmer tout le bien que je pense d'elles, avec une saison 4 de Justified qui a été à la hauteur (et sur laquelle il faut vraiment que je prenne le temps de revenir prochainement). Côté nouveautés, j'ai été agréablement surprise par une nouvelle venue dans le monde des séries, Sundance Channel, qui m'a conquise avec Rectify. Et j'ai même replongé dans les grands networks US grâce à Hannibal (qui, au vu de ses audiences, risque de ne pas échapper à la malédiction frappant invariablement toute nouveauté de networks que j'aime...).

En attendant de revenir sur toutes ces fictions, le billet du jour est consacré à une série dont j'ai déjà parlé il y a plusieurs mois, et dont la première saison s'est achevée ce mercredi aux Etats-Unis : The Americans. Le pilote s'était révélé très convaincant, les 12 épisodes qui ont suivi ont-ils confirmé les promesses entrevues ? Si je me suis beaucoup attachée à cette série, que j'ai suivie sans jamais prendre le moindre retard (un signe qui ne trompe pas), il aura cependant manqué quelque chose à cette première saison pour faire d'elle une fiction incontournable. Elle n'en reste pas moins une bonne série, solide, enthousiasmante à l'occasion. Nul doute que je serai au rendez-vous pour la saison 2.

Rappelons brièvement l'histoire : se déroulant dans les années 80, The Americans met en scène un couple d'Américains en apparence ordinaires, Phillip et Elizabeth Jennings, qui derrière leur vie de famille bien rangée sont en réalité des agents soviétiques infiltrés aux Etats-Unis. Ils accomplissent pour leurs supérieurs diverses missions - de la collecte de renseignements à la capture ou à l'assassinat d'individus -, tout en tentant de préserver une façade de normalité qui leur permet de donner le change face au monde extérieur. Ce concept de départ a pour conséquence de fusionner vie privée et responsabilités professionnelles, chacune étant emboîtée dans l'autre, et la première servant à mener à bien les secondes. Cela permet un intéressant mélange : derrière le récit d'espionnage aux codes narratifs classiques pour ce genre, The Americans est une fiction relationnelle. User des sentiments pour parvenir professionnellement à ses fins se généralise d'ailleurs au fil de la saison, une relation prenant même un tournant inattendu au cours duquel les rapports de force s'inversent.

Cependant, c'est le couple Jennings qui demeure le sujet principal. Si la série échoue à exploiter de manière convaincante le parallèle potentiel entre ces derniers et leurs voisins, le couple de l'agent du FBI restant trop superficiel et plat pour intéresser, la caractérisation des deux agents soviétiques est en revanche autrement plus soignée et inspirée. Il faut dire que les divergences existant entre Elizabeth et Phillip avaient clairement été établies dès le pilote : ils abordent différemment aussi bien leur mariage, que leur mission en général. A partir de là, cette première saison joue sur ces deux ressorts pour rendre leur relation très mouvante, chacun semblant s'accrocher à ses certitudes ou chercher des repères par trop vacillants. Ce qui explique que The Americans renvoie parfois l'impression d'avancer d'un pas, pour ensuite reculer de deux, et enfin en sauter trois. Cependant sa grande réussite est de parvenir à capturer les dilemmes et les dualités de ce couple atypique. Bénéficiant d'une écriture engageante, assez fine psychologiquement, la série surprend ainsi tout particulièrement par sa faculté à nous impliquer dans les retombées personnelles de ces jeux d'espions qui n'en demeurent pas moins létaux.

The Americans aborde certes le thème du couple - avec une base de départ assez unique -, mais elle reste une série d'espionnage. Elle gère d'ailleurs plutôt bien le dosage entre ces deux éléments. Les missions mises en scène ont ce côté besogneux, parfois anecdotique ou inutile, des fictions d'espionnage qui refusent de glamouriser cette profession. Le spectaculaire n'est pas le quotidien des protagonistes, et c'est tant mieux. Ce qui est au coeur de The Americans, c'est l'idée de l'infiltration : opérer en sol étranger et s'y fondre. Il s'ensuit un véritable jeu de miroirs faussé entre russes et américains. Cet aspect est un des éléments les plus intéressants de la série - même si elle ne l'exploite pas toujours pleinement. Autour d'une trame commune, elle nous fait vivre en parallèle plusieurs visions subjectives distinctes, des divergences se faisant jour au sein même de chaque camp.

Un des épisodes les plus intéressants de la saison est le quatrième, In Control. Il traite de la manière dont les soviétiques reçoivent et analysent un fait historique bien réel, la tentative d'assassinat sur le président Reagan. L'épisode montre combien chacun extrapole alors sur le futur des Etats-Unis, à partir d'informations parcellaires, avec des outils d'analyse personnels biaisés par une culture et par une compréhension des fondations du pays qui lui est propre. Ce thème des différences de mentalités revient également dans la relation qui se noue entre l'agent du FBI, Stan, et sa taupe à la rezidentura, Nina : il est perceptible dans leurs échanges, mais aussi dans l'évolution que connaît leur rapport. Le concept choisi par la série l'oblige à éviter tout manichéisme dans la mise en scène des deux camps. Par ses incursions dans les différences de perception de chacun - mais aussi en montrant leurs similitudes (l'écho que trouvent les différentes morts auprès des protagonistes), The Americans tient un sujet fascinant d'ambivalence, qui mériterait vraiment d'être exploré jusqu'au bout.

Si ce ne sont ni les bonnes idées, ni le potentiel d'ensemble, qui font défaut à The Americans, il manque quelque chose à la série pour faire d'elle une grande. En premier lieu, c'est l'intensité qui pose problème dans certains épisodes. La série suit des intrigues souvent bien construites et exécutées de façon fluide, mais tout y semble toujours très calibrée, avec une relative prévisibilité qui empêche la tension de monter. De plus, on a l'impression que la fiction, du fait de son concept, se voit contrainte de préserver un statu quo qu'elle n'ose remettre en cause : il ne peut être envisagé que les protagonistes principaux (les Jennings et Stan) soient en danger, du moins pour le moment. Peut-être rejoint-on aussi ici une limite de l'historique : faire revivre la Guerre froide est intéressant, mais tout ne peut pas arriver. Si la série a démontré sa capacité à intégrer grande et petites histoires, il lui reste à montrer qu'elle saura quand il le faudra redistribuer les cartes. L'épisode final est assez révélateur des forces et limites de The Americans : il amène remarquablement le danger sur le couple - avec deux premiers tiers assez magistraux -, pour ensuite déjouer le tout par une simple course poursuite, avec des conséquences limitées sur la situation de chacun.

Le choix d'une retenue qui peut s'interpréter comme de la sobriété se retrouve dans le visuel de la série : pour nous plonger dans une ambiance 80s', outre une bande sonore marquée par cette époque (mais dont les chansons emblématiques restent utilisées avec une parcimonie bienvenue), The Americans fait le choix d'un esthétique un peu terne qui, visuellement, se rattache à cette période, loin de toute reconstitution flamboyante. Enfin, la série a le mérite de pouvoir s'appuyer sur un casting convaincant. Keri Russell (Felicity) et Matthew Rhys (Brothers & Sisters, The Mystery of Edwin Drood, The Scapegoat) n'y sont pas pour rien dans l'attachement et l'implication que leurs personnages peuvent susciter. En soutien, Margo Martindale délivre une prestation comme toujours admirable de maîtrise dans un rôle très ambigu qui, jusqu'au bout, prendra le contre-pied de bien des attentes et saura révéler de nouvelles facettes. Face à eux, Noah Emmerich dispose d'un personnage moins attrayant qui, cependant, forme un pendant assez naturel aux agents du KGB qu'il traque.

Bilan : The Americans signe une première saison très solide et intéressante. La série a réussi son premier objectif : celui d'impliquer le téléspectateur auprès de son couple central, agents du KGB qu'elle est parvenue à humaniser, entremêlant habilement problématiques relationnelles et jeux d'espions. Elle laisse cependant l'impression de ne pas avoir toujours su exploiter pleinement le potentiel extrêmement riche de son concept et de toutes les thématiques qu'il permet d'aborder. C'est une bonne série à laquelle je me suis beaucoup attachée, mais elle demeure certainement perfectible. J'attendrai la saison 2 avec impatience, en espérant que les scénaristes auront appris de leurs limites au cours de cette première saison pour que The Americans acquiert toute l'intensité et l'ampleur qu'elle mérite, et qui est certainement à sa portée.

NOTE : 7,75/10

Le générique de la série :

BONUS - La chanson sur laquelle cette saison se conclut (Games without frontiers) :

(US) Babylon 5 : une puissance épique et mythologique intacte pour la fin des rêves

Tout a commencé il y a quelques semaines devant le pilote de Last Resort. Un officier militaire, commandant d'un appareil capable de donner une autonomie défensive à son équipage, qui rompt avec sa chaîne de commandement et fait sécession, en se plaçant sur les champs de la légalité, mais aussi d'un certain honneur, dans l'esprit d'un sériephile, cette situation évoquait instinctivement une autre déclaration d'indépendance, tellement marquante dans son registre. La frustration ressentie devant le pilote de Last Resort et ses manques d'ampleur et de force avaient éveillé en moi l'envie irrépressible de retrouver un vrai passage d'anthologie. Si vous ajoutez à cela le blues d'une rentrée sériephile relativement morose dans la télévision occidentale, vous comprenez comment, hier, mes DVD de Babylon 5 se sont soudain retrouvés dans le lecteur de mon salon. J'ai regardé plusieurs épisodes d'affilée, jusqu'à parvenir au fameux Severed Dreams (3.10). Et vous ne pouvez pas imaginer combien il peut être bon de retrouver certains fondamentaux.

Babylon 5 reste une des plus belles expériences sériephiles qu'il m'ait été donné de vivre. Tout a probablement déjà été écrit sur cette épopée de science-fiction mythique au sens premier du terme. Pour comprendre le souffle qui la parcourt, il faut commencer par rappeler cette construction narrative, allant crescendo : elle voit se développer de vastes intrigues, évoluant sur plusieurs niveaux, rassemblées dans un toutélié mythologique à l'ampleur et à la maîtrise grisantes. Cela fait sa force, même si c'est aussi une limite : la saison 1 sert plutôt d'exposition dont la légitimité se comprend avec le recul, tandis que les saisons 3 et 4 représentent un apogée dont nul ne ressort indemne. Car Babylon 5, ce sont des prophéties et des visions qui s'emboîtent, des enjeux qui se comprennent a posteriori, des réponses qui arrivent tardivement à des questions à peine formulées. C'est la mise en scène d'une lutte, mais c'est surtout l'histoire d'un avènement, d'un bouleversement qui dépasse l'entendement, celui de l'entrée dans un nouvel Âge.

Au fil des saisons, les destinées personnelles des personnages se confondent avec des enjeux d'une toute autre ampleur, touchant les réalités inaccessibles des secrets de l'univers, de sa création et de son Histoire. C'est un récit épique, avec ses vrais héros, ses actions d'éclat dont chacun murmure encore le déroulement aux quatre coins de la galaxie et ses sacrifices réalisés en conscience. L'écriture joue sur les ressorts les plus purs des épopées extraordinaires, avec leur grandeur et leur naïveté, mais ne vous y trompez pas : sa richesse dévoile une complexité dégagée de tout manichéisme qui exerce une fascination jamais démentie. C'est une série peuplée de figures magnifiques, sublimées par les évènements, évoluant aussi en fonction de leurs épreuves et puisant leur force dans une adversité insoupçonnée et inimaginable. Le soin apporté à la distribution des rôles, principaux et secondaires, où transparaît un équilibre très travaillé, qui s'affine et se nuance avec le temps, s'inscrit dans cette même lignée. 

Severed Dreams, l'épisode de la déclaration d'indépendance, se situe à mi-chemin dans la série, 10e épisode de la saison 3 dans une fiction comptant cinq saisons. Il reste un des plus marquants, incarnant parfaitement tout ce qui fait l'essence de Babylon 5. La capacité des scénaristes à construire leurs intrigues sur le moyen ou le long terme, suscitant peu à peu les attentes, conduisant vers des confrontations inévitables, demeure une constante que cet épisode illustre à merveille. Il est en effet un point de rupture, nécessaire, programmé par les dérives dictatoriales du régime du Président Clark. Il est l'aboutissement d'un engrenage, parfaitement identifié, qui a débuté bien avant, et que l'accélération récente des évènements n'a fait que précipiter. Cet effort de contextualisation, méticuleux et riche en détails, fait mesurer combien la déclaration d'indépendance marque une nouvelle étape dans l'escalade létale du conflit terrien. 

Le téléspectateur a assisté, tout aussi glacé que les protagonistes impuissants, à la mise en place de la loi martiale, aux responsabilités confiées aux troupes de NightWatch, aux bombardements de Mars, à la sécession de plusieurs colonies refusant les ordres du pouvoir exécutif terrien, et enfin, à l'arrivée du vaisseau du général incarnant la résistance et la possibilité du coup d'Etat. Tandis que la chaîne d'informations continues ISN cesse d'émettre, chacun a conscience devant Severed Dreams que tous les évènements des épisodes précédents ont conduit à ce moment où il ne reste à Sheridan qu'une seule issue : celle de prendre position, et de signifier son désaccord par la rupture. La scène du discours d'indépendance n'a rien perdu de sa puissance après toutes ces années parce qu'elle occupe une place pivôt dans la construction d'ensemble de la série alors que l'Alliance Terrienne voit se profiler le spectre d'une guerre civile.

Severed Dreams représente également Babylon 5 car, comme dans l'ensemble de la fiction, il y a plusieurs niveaux de lecture et d'enjeux dans les storylines qu'il met en scène. L'affrontement terrien et la déstabilisation du régime n'est qu'un conflit parmi d'autres dans une galaxie qui semble prête à s'embraser complètement. C'est une histoire bien plus vaste, celle de l'univers, qui se met en branle, et l'épisode le souligne bien. Les fameuses Ombres, ces ennemis craints, inatteignables, ont grandi dans les recoins. Delenn et certains Minbaris n'ont pas oublié la prophétie dont ils sont les gardiens. Ils ont poursuivi leur surveillance et leurs investigations, en dépit d'un haut conseil aveugle qui s'entête à nier les évidences d'un embrasement général à venir. Severed Dreams marque ainsi une nouvelle étape dans la mise en place de chaque camp, dans le rassemblement des forces qui vont devoir s'unir et dépasser leurs préoccupations égoïstes pour envisager... la survie.

La défense de la station Babylon 5, cet espoir de paix envolé devenu la voie possible vers la victoire, incarne ces enjeux et ces prises de position qui se situent à une toute autre échelle que la simple géopolitique terrienne. La série évolue ici sur un registre hautement symbolique, mettant en scène ces alliances entre les peuples qui s'esquissent et les sacrifices que chacun est prêt à accepter dans cette période qui s'annonce. Le visuel a peut-être vieilli dans cette bataille acharnée qui a lieu, mais son intensité demeure intacte, portée par une musique dans laquelle les accents épiques n'ont jamais été aussi perceptibles. Les Narns, emmenés par G'Kar, respectent leur parole et défendent la station avec l'abnégation qu'on leur connaît. L'arrivée de Delenn, au commandement d'une flotte Minbari, scelle les bases d'une nouvelle alliance, celle qui permet d'envisager à nouveau la possibilité d'un futur. Et il faut reconnaître que sa réplique cinglante se concluant par le fameux "be somewhere else" a conservé son caractère purement jubilatoire qui provoque autant de frissons qu'au premier visionnage.

Bilan : La puissance mythologique et la construction narrative soignée de Babylon 5 fonctionnent toujours comme au premier jour. Elles se savourent peut-être encore plus d'ailleurs face à un petit écran américain où trop d'immédiateté et de besoin d'instantanéité font que l'on ne retrouve plus l'ampleur et l'intensité qui font la force de ces grands récits. C'est pour ces derniers que le format télévisuel, et la durée longue qu'il permet, prend tout son sens et sa légitimité. Sa richesse intacte, qui mériterait un article bien plus détaillé que l'éloge que j'ai trop brièvement à peine esquissé ci-dessus, explique pourquoi Babylon 5 est une série qui se doit toujours d'être découverte, même presque vingt ans après sa création. Et, en son sein, Severed Dreams reste un de ces épisodes fondamentaux, marquant une progression importante dans les intrigues, et dans lequel on retrouve toute cette multitude d'ingrédients qui ont fait la série.

Vous me pardonnerez donc cette parenthèse et ce retour en arrière aujourd'hui pour ce billet dominical. Mais pour se débarrasser des frustrations accumulées après tous les pilotes de rentrée testés ces derniers temps, replonger dans Babylon 5 a un effet revivifiant et revigorant qui fait un bien fou. De quoi se rappeler ce qu'est notre passion et les raisons de la sériephilie.

NOTE : 9,5/10

Le générique de la saison 3 :

Une des répliques cinglantes de Delenn, "Be somewhere else" :

(US) Revenge, saison 1 : le retour du prime time soap

Tout a commencé dans le courant de la semaine dernière par une panne de DSLAM de mon fournisseur d'accès internet. Privée de connexion, je me suis retrouvée prise au dépourvue face au dilemme de l'interminable soirée se profilant à l'horizon. C'était l'occasion ou jamais de ressortir mes dossiers de séries "à rattraper" qui prennent la poussière en attendant une impulsion subite de ma part (très aléatoire) ou l'instauration des journées de 48h (probablement utopique). Comme je n'avais pas la possibilité de récupérer des sous-titres, il me fallait une fiction anglophone, d'accès pas trop "argo-tique", et je me suis donc dit que c'était le moment d'essayer de me replonger dans une série américaine d'un grand network.

Sur cette liste des productions auxquelles (re)donner une chance figurait Revenge après les échos que j'avais pu lire ces derniers mois. Le pilote ne m'avait certes pas marqué - notamment, comme je l'avais expliqué, parce qu'il sonnait surtout comme un mauvais k-drama. Mais, dans le même temps, j'étais curieuse de voir ce que pouvait donner le développement d'un vrai prime time soap qui s'assume. Cela faisait une éternité que je n'avais pas vu de série de ce genre, alors que je garde de mon adolescence des souvenirs nostalgiques de la grande époque de Melrose Place. Vous vous en doutez, si, seulement quelques jours après, je vous propose (déjà) le bilan de la saison 1 de Revenge, c'est que je me suis prise au jeu d'une série qui n'a certes rien d'une grande, mais qui investit efficacement son genre et un registre de divertissement plaisant à suivre.

[La review qui suit contient des spoilers concernant des évènements de la saison.]

La jeune Amanda Clarke a vu sa vie brisée le jour où les fédéraux ont débarqué dans la maison familiale pour arrêter son père, accusé d'avoir blanchi de l'argent pour une organisation terroriste ayant revendiqué la responsabilité du terrible attentat fomenté contre un avion de ligne américain qui venait de coûter la vie à plusieurs centaines de personnes. Arrachée à son père, qui est condamné à la prison à vie, elle va alors d'institutions en institutions, nourrie de récits sur les horreurs commises par cette figure paternelle qui était la seule famille qui lui restait. Tandis que son père est tué en prison, à 18 ans, elle est libérée du centre de détention pour mineurs où elle a passé la fin de son adolescence. Elle est attendue à sa sortie par une connaissance de son père qui a bien des révélations à lui faire.

Quelques années plus tard, alors que la région des Hamptons s'apprête à accueillir pour un nouvel été la haute société américaine au bord de l'océan, une nouvelle venue se présente : Emily Thorne. Après avoir appris la vérité sur le drame qui a mis fin à son enfance, Amanda Clarke a changé de nom et lentement façonné ses plans pour se venger de la destruction de sa famille. Se présentant comme une riche héritière sans histoire, elle loue l'ancienne maison que son père et elle occupaient et entreprend de se glisser dans ce microcosme luxueux où derrière les apparences lissées, chacun suit son propre agenda, ne reculant souvent devant rien pour parvenir à ses fins. Emily est déterminée à jouer avec les mêmes armes que ses cibles pour exécuter sa vengeance.

Une fois dépassé mon agacement initial face aux parallèles purement marketing dressés durant la promo avec le Comte de Monte-Cristo (il y a des oeuvres auxquelles je tiens trop pour accepter de les voir citées à tort et à travers), j'attendais de Revenge d'être capable de faire revivre du vrai prime time soap qui s'assume avec aplomb et va au bout de ses idées, délivrant ainsi du pur divertissement. Sur ce point, j'ai été servie car la série use de toutes les ficelles légitimement associées à ce genre, enchaînant séductions et alliances de circonstances, espionnage et chantage en tout genre, mensonges et manipulations, complots et meurtres, le tout dans l'environnement feutré de la haute société. Son écriture fait rarement dans la subtilité ou la nuance, mais elle a le mérite de ne pas tergiverser et d'aller à l'essentiel. Son grand point fort, pour mener à bien toutes ces storylines, est justement son rythme. Sans temps mort, elle ne fait jamais traîner en longueur une situation et mise sur des rebondissements constants pour retenir l'attention du téléspectateur. Cette permanente redistribution des cartes permet en plus de vite dépasser les ratés, les laissant derrière elle tout aussi rapidement qu'ils ont été commis. Cependant, cette vitesse d'exécution est rendue possible l'emprunt sans remord de raccourcis narratifs, le plus artficiel étant sans aucun doute le débarquement du sensei japonais ayant éduqué Emily à l'art de la revanche.

Néanmoins il faut reconnaître que Revenge sait jouer sur les codes du soap que les scénaristes se réapproprient pleinement. Pour consolider la fidélité du public, elle assure même son propre teasing, abusant des flashforward au début de ses épisodes comme autant de promesses de confrontations et de drames à venir. La construction de la saison illustre la progressive affirmation de la série. Dans ses premiers épsodes, elle apparaît semi-procédurale, suivant le rythme d'une vengeance par épisode. Cela permet d'introduire les enjeux et de trouver sa tonalité, indiquant au téléspectateur sa finalité tout en étant consciente que ce schéma n'est que temporaire (ou bien Emily aurait décimé tous les résidents des Hamptons avant la fin de la saison 2). La série glisse ensuite vers l'arc majeur de la saison, introduit dans le flashforward ouvrant le pilote, celui du meurtre sur la plage. Elle n'exploitera cependant que partiellement (et insuffisamment) ce drame trop vite refermé, se focalisant sur Daniel alors qu'elle aurait pu jouer une partition plus large avec tous les protagonistes. Ensuite, le dernier quart de la saison est l'occasion d'entreprendre un renouvellement des dynamiques et déjà de poser les bases de la seconde.

Revenge repose sur ses intrigues entremêlées rythmées par des rebondissements, et sur les fonctions qu'elles confèrent aux différents personnages, mais parfois au détriment ces derniers. Car il faut bien l'avouer, dans la galerie des protagonistes, la majeure partie est fade et est limitée à une exploitation purement utilitariste. Seul un trio principal se dégage vraiment. Emily et Victoria tout d'abord, qui sont celles qui se démarquent en se trouvant au centre et souvent à l'initiative des confrontations. La façon dont chacune joue face à l'autre, usant finalement d'armes très semblables, offre quelques unes des meilleures scènes de la série - ou du moins des plus jubilatoires en dehors des exécutions des vengeances. L'autre personnage à s'imposer est Nolan. Je craignais initialement que son compte en banque infini et son étiquette de génie de l'informatique ne le réduisent à être le prétexte parfait à tous les raccourcis narratifs des scénaristes afin de mener à bien les vengeances. C'est le cas, mais pas seulement : car dans le même temps, étant le seul à connaître la vérité, sa présence est nécessaire pour humaniser le personnage d'Emily dont le point fort n'est certainement pas l'empathie qu'elle est capable de susciter (c'était un des problèmes principaux du pilote, et cela ne s'est pas amélioré). Et comme le personnage sait conserver au fil de la saison un certain recul et une relative ambivalence, il devient le pendant indispendable pour la dynamique des intrigues.

A côté de ce trio, les autres personnages laissent entrevoir moins de potentiel, voire sont complètement transparents. Charlotte suit le développement classique d'une adolescente en crise, le secret de sa naissance justifiant finalement son existence. Les frères Porter nourrissent l'équation clichée : "pauvres = simples = innocents". Si la présence de Jack se justifie pour ce qu'il représente pour Emily, en 22 épisodes, je n'ai toujours pas compris l'utilité de Declan. Daniel commence lui à prendre un semblant d'intérêt dans les derniers épisodes, désormais au courant de certains secrets. Dans le sillage de son père, il peut sans doute continuer sur cette voie, la duplicité étant le seul moyen d'étoffer le personnage. Seulement, sur ce point, il faut se méfier des inconsistances des scénaristes, lesquels ont tendance à lancer certaines idées sans les mener à bout. C'est le cas pour Ashley, inutile assistante/amie à laquelle ils esquissent par intermittence une personnalité et une ambition, notamment au contact de Tyler. Ce dernier, aussi extrême qu'ait pu tourner sa storyline, aura malgré tout apporté de la fraîcheur et une bonne dose de machiavélisme à ses épisodes, prouvant aussi que la série a besoin de bousculer ses lignes pour rester à flot.

Sur la forme, Revenge est une série bien calibrée. La photographie est claire, avec une réalisation qui prend le temps de mettre à l'honneur le beau cadre maritime des Hamptons et ses plages, ce qui lui confère une tonalité estivale plaisante dans la première partie et met en exergue la froideur et l'isolation dans le dernier quart de la série. Les choix des chansons agrémentant sa bande-son sont souvent assez judicieux, sans que ce recours musical ne devienne excessif. Une série qui se conclut sur un cliffhanger au cours duquel retentit un morceau de Florence and The Machines ne peut être mauvaise musicalement parlant, non ?

Enfin, Revenge bénéficie d'un casting où les performances oscillent entre le correct et le médiocre. Je ne peux pas être totalement objective face à Emily VanCamp (Brothers & Sisters) en raison des souvenirs d'Everwood qu'elle réveille en moi. Elle a ses limites en terme de présence, mais sait s'adapter et faire une très correcte Emily Thorne. Face à elle, Madeleine Stowe (Raines) n'a pas son pareil pour mettre mal à l'aise en arborant le large sourire hypocrite récurrent de son personnage. Gabriel Mann s'est sort plutôt bien, appréhendant le rôle de Nolan avec la distance nécessaire. Les deux autres hommes de la vie d'Emily, Josh Bowman (Make it or Break it) et Nick Wechsler (Roswell), se situent en revanche dans un registre beaucoup plus limité. Henry Czerny (The Tudors) fait le job tout en glissant dans la caricature vers la fin de la saison. Et Connor Paolo et Christa B. Allen jouent ces rôles d'adolescents trop prévisibles pour ne pas être dispensables, tandis qu'Ashley Madekwe (Teachers, Secret Diary of a call girl, Bedlam) ne peut pas faire grand chose dans le rôle dans lequel elle est enfermée.

Bilan : Parce qu'elle repose presque entièrement sur un rythme de narration enlevé, où la redistribution des cartes est fréquente et les révélations constantes, Revenge est par nature une série très fragile, souvent sur le fil du rasoir, mais justement capable de retomber sur ses pieds parce qu'elle ne s'éternise et ne tergiverse jamais. Cela durera le temps que cela durera, mais cette première saison remplit son office en délivrant avec beaucoup d'aplomb un prime time soap qui a du répondant et se montre efficace pour happer l'attention du téléspectateur. Plus que l'écriture et les intrigues, où le over the top est attendu (le cliffhanger final en étant la parfaite illustration), le point le plus problématique reste le manque de consistance de nombre de personnages secondaires, fades et unidimensionnels, qui plombent vraiment certains épisodes.

Revenge se passant en majeure partie l'été, dans le cadre maritime et aisé des Hamptons, si vous cherchez une série pour les vacances, divertissante sans être exigeante, elle peut être un programme aoûtien adéquat. Sa saison 2 débutera à la rentrée sur ABC.

NOTE : 6,25/10

Une bande-annonce de la série :

(US) Sports Night, saison 1 : une comédie dynamique dans les coulisses d'une émission sportive

Poursuivons ce week-end à thème olympique ! Après Twenty Twelve et la préparation de l'évènement, intéressons-nous aujourd'hui aux Jeux en eux-mêmes. Il faut dire que pour les vivre, la plupart d'entre nous n'allons pas avoir la chance d'aller jusqu'à Londres afin d'assister aux épreuves. Ce sera installés sur notre canapé, derrière l'écran d'un télévision, que l'on vibrera pour quelques exploits sous la dictée de commentateurs sportifs. Or le monde des séries a déjà eu l'occasion d'explorer les coulisses d'une émission sportive... C'était à la fin du siècle dernier, cela s'appelait Sports Night, et, ça tombe bien, je viens justement d'achever le revisionnage de la première saison en ce mois de juillet.

Lancée à la rentrée 1998, sur ABC, Sports Night est la première série créée par Aaron Sorkin, un an avant que The West Wing ne débarque sur NBC. Cette comédie, adoptant le format d'une sitcom avec des épisodes d'une durée de 20 minutes environ, n'a duré que 2 saisons (jusqu'en 2000), pour un total de 45 épisodes. En France, elle n'a été diffusée que sur Série Club ; et les coffrets DVD n'ont été édités qu'aux Etats-Unis (donc en zone 1). Portée par un dynamisme communicatif, c'est une série très intéressante et plaisante à suivre, servie par un sacré casting. On y retrouve aussi, déjà au point ou encore en gestation, plus d'un Sorkinism.

Sports Night nous plonge dans les coulisses d'une émission télévisée d'informations sportives, diffusée sur la chaîne fictive CSC (Continental Sports Channel). Imaginée sur le modèle de l'émission SportsCenter de ESPN, elle met en scène un duo de présentateurs, Casey McCall et Dan Rydell, qui animent le show, lançant les reportages et donnant les dernières news en passant en revue tous les sports. Se déroulant quasi uniquement dans les locaux de la chaîne, la série s'intéresse à l'ensemble des dynamiques à l'oeuvre dans la conception de l'émission.

Il faut dire que c'est une équipe de passionnés, très soudée, qui officie devant la caméra, mais aussi en régie, vivant intensément un quotidien rythmé par les directs et les programmations d'évènements sportifs. La série saisit l'occasion d'explorer leurs difficultés, de la gestion des imprévus et des aléas du live aux pressions éditoriales de la direction, en passant par les dilemmes moraux parfois posés. Si chacun mène une vie professionnelle très prenante, leur vie personnelle n'est pas pour autant oubliée : la solidarité d'ensemble, l'amitié et parfois l'amour qui se nouent dans les couloirs ont aussi leur importance pour la réussite du show.

Sports Night est une comédie dont le charme repose en premier lieu sur l'extrême dynamisme de ses dialogues. L'écriture y est enlevée et fluide, sacrément réjouissante, retenant instantanément l'attention du téléspectateur. Signe qui ne trompe pas, on y retrouve parfaitement utilisée la fameuse technique du "walk and talk" : elle n'a pas son pareil pour insuffler du rythme dans des épisodes qui laisse la part belle aux répliques stimulantes et à l'art de la répartie des personnages. L'humour s'insère dans ces échanges sans jamais paraître forcé ou artificiel, misant opportunément sur le rafraîchissant sens de l'auto-dérision des protagonistes, tout en jouant aussi sur l'absurdité ou l'improbabilité des situations rencontrées en plateau.

Conséquence de cette approche, Sports Night est une comédie qui dispose d'une large palette de tonalités et de nuances qu'elle va savoir pleinement exploiter. Cela fait sa richesse. Elle est en effet tout aussi capable de jouer sur le burlesque de certains développements (des incidents lors du direct, ou encore la fuite puis la chute d'une dinde congelée sur le plateau), que d'aborder de manière posée et avec beaucoup de justesse des thèmes sérieux - la saison 1 offrant quelques fulgurances, notamment quand la série s'aventure dans le domaine politique, où la plume d'Aaron Sorkin s'emballe de façon caractéristique (l'affaire du drapeau confédéré, par exemple).

La versatilité et l'éclectisme dont fait preuve Sports Night s'imposent ainsi très vite comme un de ses grands atouts. Ils trouvent leur origine dans le concept de départ de la série : raconter les coulisses d'une émission d'informations reste un prétexte permettant de capturer tout ce qui gravite autour, donnant l'opportunité de traiter d'une multitude de problématiques très différentes liées au journalisme. La fiction met alors en lumière le fragile équilibre existant derrière le show, entre la passion sincère qu'éprouvent tous ces intervenants, non seulement pour leur émission mais plus généralement pour l'information et l'exploit sportif en lui-même, et les contraintes commerciales et d'audience d'une chaîne de télévision, avec toutes les questions d'éthique qui peuvent se rencontrer.

Outre ce versant professionnel, le téléspectateur s'attache également à la série grâce à sa dimension humaine. Les personnages sont très sympathiques, toujours solidaires entre eux quand il faut. Ils sont bien caractérisés, conservant leurs principes, leur talent, mais aussi leurs failles et leurs insécurités. Sports Night laisse en plus une large place au relationnel : la vie amoureuse des protagonistes empiète dans leur quotidien en studio. Il ne faut en effet jamais sous-estimer les coups de foudre ayant lieu au travail (comme Jeremy et Natalie le prouvent). Mais plus généralement, nous sommes projetés dans un petit microcosme où la vie privée n'a pas vraiment vocation à rester "privée" et où chacun finit par avoir une opinion sur la manière dont les autres devraient mener leur vie sentimentale. Sur ce point, la série en fait parfois un peu trop, mais ces quelques déséquilibres restent anecdotiques et les triangles/rectangles amoureux qui s'esquissent permettent un fil rouge progressant au fil de la saison.

Sur la forme, Aaron Sorkin s'était notamment adjoint des collaborateurs dont les noms vous sont forcément familiers si vous connaissez ses séries ultérieures : la réalisation d'un certain nombre d'épisodes est confiée à Thomas Schlamme (l'art de prendre les tournants d'un couloir pour suivre un "walk & talk" animé est parfaitement maîtrisé par la caméra), tandis que W. G. Snuffy Walden se charge de la bande-son. De manière générale, l'évolution la plus notable de la série est la disparition progressive des rires enregistrés qui, initialement, en raison de la construction de la série reposant sur la dynamique des dialogues avaient du mal à s'insérer comme dans une sitcom plus traditionnelle.

Enfin, Sports Night rassemble un casting impressionnant. Les deux présentateurs sont interprétés respectivement par Josh Charles (The Good Wife) et Peter Krause (Six Feet Under, Parenthood), tandis que Felicity Huffman (Desperate Housewives) joue la productrice de l'émission. Sabrina Lloyd (Sliders) est son assistante, avec à ses côtés Joshua Malina (The West Wing, Scandal). Enfin, Robert Guillaume incarne leur supérieur. A noter que les fans de The West Wing ont aussi le plaisir de croiser quelques visages familiers au gré des guest de cette première saison, comme Janel Moloney, Lisa Edelstein (House MD) ou encore Nina Siemaszko.

Bilan : Portée par des dialogues parfaitement ciselés et une écriture extrêmement dynamique, Sports Night est une comédie réjouissante et stimulante. Son concept lui permet une richesse dans les sujets abordés, mais aussi dans les tonalités, qu'elle sait très bien exploiter. Les épisodes, qui ne durent qu'une vingtaine de minutes, se regardent ainsi avec beaucoup de plaisir et s'enchaînent très facilement. Et j'ai pu constater qu'elle a conservé une saveur intacte au revisionnage.

Une série recommandée pour tous les amateurs du style d'Aaron Sorkin, pour les curieux s'intéressant aux coulisses des médias et plus globalement pour tout sériephile qui souhaite découvrir une attrayante comédie !

NOTE : 8/10

Une bande-annonce de la série :

(US) The Borgias, saison 2 : le temps des querelles fratricides

Bon gré, mal gré, je suis arrivée au bout de la saison 2 de The Borgias qui s'est achevée dimanche dernier au terme de 10 épisodes. Il est donc temps d'en dresser un bilan. Il faut dire qu'une fois encore, peut-être de manière plus criante que lors de la première saison, la série se sera montrée particulièrement inégale au sein de ses intrigues, ses défauts ressurgissant avec plus de force dans un premier tiers vraiment faible qui m'aura d'ailleurs conduit à laisser la série de côté pendant quelques semaines avant de finalement la rattraper et l'achever en même temps que la diffusion de Showtime.

A mes yeux, le seul réel intérêt qu'elle conserve, elle le doit à certaines des dynamiques relationnelles mises en scène, plus particulièrement aux rapports fraternels ou plutôt fratricides qui auront déterminé la saison. Carte postale colorée de la Renaissance, The Borgias a cependant sans doute atteint sa vitesse de croisière et les limites du parti pris des scénaristes pour exploiter le destin de cette famille particulière.

Cette saison 2 s'est construite sur la transformation des rapports de force au sein d'une famille Borgia qui tente par tous les moyens de maintenir son pouvoir et son influence. Elle doit pour cela lutter contre des ennemis extérieurs mais aussi intérieurs, dans la péninsule italienne et au sein de l'Eglise. Si la mise en scène du combat contre les Français reste, sur le plan des affrontements, sans doute la plus réussie, la saison démarre pourtant de façon très poussive. L'impression de tourner à vide et de chercher à gagner du temps au cours de longues parenthèses privées pèse. Les amours des uns et des autres fournissent plus d'une fois le prétexte à des scènes de sexe à l'utilité narrative souvent nulle (surtout dans le premier tiers). Avec sa fâcheuse habitude de greffer aux grandes intrigues de petites storylines à l'intérêt aléatoire, la série s'égare dès que ces dernières prennent le pas sur les premières. Dans la deuxième moitié de la saison, l'équilibre se rétablit peu à peu : se recentrant sur l'essentiel, la série nous entraîne au pas de course vers une confrontation inévitable au sein même de la famille, et son but apparaît alors enfin clair.

En fait, The Borgias souffre d'un défaut paradoxal pour une série historique. Elle réussit à générer d'intéressantes oppositions de personnes, avec un triangle de thématiques au ressort tragique universel - amour, jalousie, honneur. Mais dans le même temps, elle ne parvient jamais à donner une épaisseur aux enjeux politiques, ni à capter le souffle de l'Histoire. C'est par nature une série en costumes, aux jolis décors Renaissance. Seulement sa reconstitution ne parle au téléspectateur que par son caractère folklorique, comme si le sous-titre "the original crime family" avait fait basculer l'ensemble dans une modernité qui la prive de toute dimension épique. On pourrait lui pardonner de s'arranger avec l'Histoire sans réel souci d'authenticité, romançant à l'extrême la réalité (Showtime suit ici la voie ouverte par The Tudors), si elle retranscrivait au moins l'envergure des jeux de pouvoir mis en scène. Mais elle échoue invariablement aux limites de cette sphère privée.

Si le versant historique manque de force, c'est toujours sur les personnages que repose l'intérêt de la série. Plus précisément, ce sont les trois enfants de Rodrigo qui se détachent nettement cette saison. Certes, Lucrezia n'aura comme principale histoire qu'à supporter un bal des soupirants fade, aux ressorts répétitifs, mais le drame du début de saison achève d'endurcir l'ancien ange innocent. Sa tentative de meurtre, vengeance impulsive, sur Juan est une des scènes de tension les plus réussies de la saison. Son frère aîné, justement, prend enfin de l'épaisseur : figure pathétique dans l'échec, n'ayant pas les épaules pour assumer les ambitions de son père, sa descente aux enfers lui confère une dimension tragique et destructrice qui lui permet de s'imposer à l'écran. Face à lui, le personnage de Cesare demeure le pivôt central : la saison lui offre l'occasion de prouver son efficacité et son pragmatisme. Ses aspirations à une vie militaire restent entravées par un frère, préféré par son père, qu'il jalouse encore plus en assistant à ses échecs. La tension ne cesse de monter au fil de la saison, l'opposition étant bien retranscrite par deux acteurs convaincants, François Arnaud et David Oakes. On en devine vite l'issue, qui interviendra finalement avant même le season finale.

La conséquence de la mort de Juan est d'officiellement consacrer un nouveau rôle pour Cesare : est venu le temps d'assumer les responsabilités familiales. Le dernier épisode laisse entrevoir d'intéressants développements pour la saison prochaine : le jeune homme reste un Borgia avec tous ces excès qui s'accentuent à mesure qu'il gagne en pouvoir. Délier de ses voeux, il peut désormais envisager ses ambitions dans toute leur ampleur. L'ascension de Cesare au fil de la saison s'inscrit en contraste avec l'évolution subie par son père sur laquelle pèse les lourdes maladresses des scénaristes. En effet, Rodrigo (et le jeu de Jeremy Irons par la même occasion) s'enferme dans une caricature poussive, de plus en plus privée de toute cohérence. Tout ne semble qu'extrêmité dans les réactions disproportionnées dépeintes, et au final, tout y sonne faux : de sa parenthèse pénitente (mais The Borgias échoue plus généralement à donner un semblant de crédibilité à son versant religieux) jusqu'à la manière dont il traite ses enfants, où la répétition invariable des mêmes ressorts (favoriser Juan, marier Lucrezia, décevoir les attentes de Cesare) devient lassante. Se transformant presque en élément comique involontaire, on en viendrait à souhaiter la résolution du cliffhanger final dans un certain sens.

Bilan : Si elle se rattrape quelque peu sur la fin, The Borgias aura proposé une saison 2 inégale. La série a confirmé et même accentué les défauts perceptibles dans sa première saison, incapable de prendre la mesure du potentiel offert par son cadre historique. Ses atouts restent des dynamiques finalement très modernes : des relations familiales ambigües, dont les enfants de Rodrigo sont les principaux protagonistes. Les grands thèmes ainsi abordés, la jalousie et la concurrence entre Juan et Cesare d'une part, les sentiments entre Lucrezia et Cesare d'autre part, restent les aspects les plus intéressants. Cela n'occulte pas le manque de subtilité de l'écriture, ou encore le caractère parfois très artificiel des intrigues, mais cela permet de conserver un certain public. Dont je fais encore partie pour l'instant.

NOTE : 6/10

La bande-annonce :

Le générique :

(US) Suits, saison 1 : un sympathique legal drama énergique et attachant

Tout vient à point à qui sait attendre, à commencer par la rédaction des bilans de saison ! C'est qu'il flirte un air d'été de plus en plus prononcé à mesure que ce mois de juin progresse. Et ce n'est pas le retour programmé de toutes les fictions de USA Network qui nous contredira. Ce jeudi 14 juin, démarrera ainsi la saison 2 de Suits. Or ces dernières semaines, après être restée bloquée au deuxième épisode de Common Law sans motivation pour lancer la suite, je me suis replongée dans la première saison de celle qui avait été la meilleure nouveauté de la chaîne l'an passé - et une de ses plus enthousiasmantes séries.

Après m'être rafraîchie la mémoire devant les trois derniers épisodes (que j'avais laissés de côté par manque de temps en septembre dernier), j'en profite donc pour rédiger une review sur cette saison 1 et rappeler la série au bon souvenir de chacun. Histoire de vous faire inscrire la date du 14 dans vos agendas ; ou bien, comme nous sommes encore début juin, signaler qu'il n'est pas trop tard pour ajouter quelques devoirs de vacances au programme américain (assez chargé) qui nous attend cet été. Parce que Suits est un legal drama énergique et fun qui aura tenu les promesses - et même plus - que son pilote laissait entrevoir : ne boudons donc pas notre plaisir !

Suits met en scène l'association détonante de deux juristes très différents. Harvey Specter, un des meilleurs avocats d'affaires New Yorkais, prend sous son aile un jeune homme, Mike Ross, qui ne sait plus vraiment où il en est dans sa vie. Particulièrement doué pour maîtriser les rouages du droit, ce dernier n'a cependant aucun diplôme d'avocat, et certainement pas de Harvard où le cabinet de Harvey recrute tous ses collaborateurs. Qu'importe, Harvey perçoit du potentiel en Mike, loin du formatage universitaire, et décide donc de l'embaucher. Tout en s'inscrivant dans la lignée des bromances chères à USA Network, la série dispose grâce à son concept de départ de versants relationnels multiples à exploiter. En effet, si elle met en scène une collaboration professionnelle productive et une amitié en construction, les deux personnages ne sont pas placés sur un pied d'égalité dans cette carrière d'avocat vers laquelle ils convergent. Mike a beau être astucieux, il n'en demeure pas moins jeune et inexpérimenté ; Harvey s'impose donc dans un rôle de mentor, qui apporte une dimension supplémentaire à leurs rapports.

Dans l'ensemble, la première saison de Suits est homogène et bien équilibrée. Construite comme un procedural show (1 épisode = 1 affaire), elle suit cependant une trame qui va permettre aux personnages de se dévoiler dans les difficultés, mais aussi d'apprendre - particulièrement pour Mike qui doit s'ajuster à l'environnement ultra-concurrentiel formé par tous ces jeunes loups ambitieux/collaborateurs du cabinet, déjà parfaitement intégrés dans le moule de ce milieu professionnel. Dans le même temps, Harvey fait le show à l'écran : fin stratège, calculant, contrôlant et maîtrisant tous les facteurs, il est le personnage génial par excellence. Il ne s'en humanise pas moins peu à peu, se dévoilant également à mesure que la saison progresse, certaines affaires révélant de nouveaux pans du personnage. La dynamique entre les deux est très intéressante par sa versatilité et l'évolution qu'elle connaît : si Harvey fait souvent la leçon à Mike, ce dernier doit parfois aussi remettre les choses au point. Au fil de la saison, le duo parvient à une forme de respect et de compréhension réciproques, des forces et faiblesses de chacun.

La réussite de la première saison de Suits tient au juste équilibre qu'elle trouve : savoir se montrer attachante et sympathique grâce à son duo principal, tout en jouant sur la fibre du legal drama pour dépeindre sans concession ce milieu juridique. Les affaires - parfois plusieurs en parallèle dans un épisode - y sont rondement menées. C'est surtout au droit des affaires que l'on touche, avec une série au final très procédurale qui laisse une large place aux négociations et à toute la préparation en amont, nos héros se retrouvant rarement devant un tribunal. La fiction ne cherche pas à s'interroger pas sur l'opportunité de la législation. En revanche, elle présente une mise en scène enthousiasmante et énergique des gymnastiques intellectuelles de ces praticiens du droit, rôdés dans l'art de tourner les textes et d'identifier la petite clause ou l'expertise perdue dans un dossier de trois kilomètres qui sera favorable à leur cause/client. Cela donne un legal drama dynamique qui exploite efficacement son parti pris de départ, sans pour autant tomber dans la caricature de l'avocat-sophiste.

A ce jeu des rapports de force, où chacun rivalise d'égo, d'astuce et de ruse, Suits est très plaisante à suivre. C'est un solide divertissement qui tient la route, même si, certes, tout n'est pas exempt de reproche. Certaines résolutions d'affaires seront un peu expédiées. Mais l'important étant finalement tout ce qu'elle a pu générer pour arriver au résultat, cela reste très anecdotique. De même, le relationnel amoureux de Mike, fil rouge hésitant lié au risque de découverte des mensonges que contient son CV, est vite un peu répétitif, sans avoir véritablement de marge de manoeuvre pour évoluer. Bon gré, mal gré, à partir du triangle subliminal introduit dans le pilote, la saison nous conduit vers un ultime cliffhanger très prévisible, suivant un enchaînement de choix que l'on pouvait voir venir dès le début. Cependant, la série restant honnête avec elle-même, sans trop s'apesantir sur cette dimension personnelle, le téléspectateur ne lui en tient pas rigueur.

Attachante sur le fond, Suits l'est tout autant côté casting. Gabriel Macht (Les médiums) fait le show avec un aplomb jubilatoire, avocat jusqu'au bout de la cravate et de sa coiffure bien ordonnée. Face à lui, Patrick J. Adams parvient bien à retranscrire un personnage à multiples facettes, intelligent, mais aussi peut-être pas assez tueur pour devenir un très bon avocat. Dans le cabinet, Gina Torres (Firefly, Huge) et Rick Hoffman (The Street, Samantha Who) sont aussi à la hauteur, pour occasionner quelques numéros de duettistes savoureux.

Enfin, le dernier grand atout, une autre bonne raison de jeter un oeil à Suits, tient au cadre dans lequel elle se déroule. En effet, cette série respire New York - version carte postale (qui reste sans doute la seule grande ville américaine que j'aime retrouver). Et pour qui apprécie cette ville, à la manière d'un White Collar (la filiation avec la première, en terme d'identité visuelle, est manifeste), Suits sait indéniablement très bien mettre en valeur ce décor, notamment en offrant quelques magnifiques vues. Les yeux du téléspectateur peuvent donc briller devant leur petit écran :

Bilan : Legal drama dynamique et sympathique, bénéficiant de personnages attachants qui fidélisent sans difficulté un public vite séduit, Suits est la digne représentante d'une combinaison réussie dans la recette classique de USA Network. Série divertissante et plaisante à suivre, elle conserve toujours un rythme rapide, avec des épisodes bien exécutés, où les stratégies élaborées et les différents twists retiennent jusqu'au bout l'attention du téléspectateur. On ne s'ennuie pas et on passe un bon moment : amateurs de fictions judiciaires agréables à suivre, à vos petits écrans !

NOTE : 7,5/10

La bande-annonce de la saison 2 (Début 14 juin 2012, USA Network) :

(US) The West Wing (A la Maison Blanche) - Election Night (4.07) & Process Stories (4.08)

Aujourd'hui, j'ai eu envie de marquer la conclusion du cycle "politique" avec une review plus précise qu'à l'accoutumée - pour rester dans l'air du temps. De tous les épisodes de séries mettant en scène une journée électorale, les premiers qui me viennent à l'esprit quand je m'intéresse à ce thème sont ceux de la saison 4 de The West Wing (A la Maison Blanche). Diffusés en novembre 2002, Election Night (4.07) et Process Stories (4.08) figurent toujours parmi mes préférés. Non seulement parce qu'ils sont les représentants parfaits du style premier de la série, celui de l'ère Sorkin, mais aussi car ils sont empreints d'un profond souffle d'idéalisme et d'une tonalité résolument légère qui revigorent le téléspectateur, en laissant flotter dans l'air un optimisme résolument combatif.

Hier soir, en ressortant mes DVD, j'ai sans surprise ri et vibré comme au premier jour devant mon petit écran. Peut-être avec encore plus d'attachement, ou du moins une certaine nostalgie. Dix ans après, ces épisodes ont une dimension particulière. Avec le recul, on sait désormais que nous assistons là à la dernière ligne droite de The West Wing "1.0". Non seulement le style d'écriture changera, mais la saison 4 n'est pas uniquement celle du départ d'Aaron Sorkin, elle est aussi celle de Rob Lowe, c'est-à-dire de Sam Seaborn. Et s'il y a bien une chose que ce double épisode met en exergue, c'est cette fameuse complicité, cette solidarité inaltérable au sein du staff présidentiel. Certes d'autres dynamiques seront introduites par la suite, mais c'est une des dernières fois que l'on a à l'écran cette osmose particulière qu'est l'équilibre d'origine.

Plus précisément, ces deux épisodes relatent la journée électorale en mettant en parallèle deux élections, la nationale - présidentielle - jouée d'avance, et le facteur d'incertitude qui va venir troubler les prévisions : l'élection locale d'un représentant de Californie (à Orange county). Dès la scène introductive, le ton du récit est immédiatement donné : Toby s'amuse à jouer avec les nerfs déjà à vif de Josh en le faisant accoster à son bureau de vote par des citoyens pro-Bartlet dont les bulletins sont tous nuls ou erronés. Car, s'il semble certain que le président sera réélu (même s'il ne faut pas le dire trop fort), tous les personnages n'en sont pas moins dans un état électoral où l'adrénaline monte, les rendant encore plus survoltés qu'à l'accoutumée. Par-delà les grands enjeux pour le pays, l'épisode s'intéresse avant tout aux intéractions de ces figures familières, leurs échanges venant rythmer cette trop longue journée de travail.

Election Night ne sera ainsi qu'une suite d'anecdotes aussi savoureuses les unes que les autres, couvrant toute la palette des tonalités de la série. Il y aura des moments franchement drôles, comme Sam tentant la chance en criant trop tôt victoire et se retrouvant à devoir exorciser le mauvais sort sous les menaces de Toby, ou encore Josh confronté à la nouvelle secrétaire du président et aux règles qu'elle entend poser pour le briefing quotidien (avec Sam passant au travers du contrôle, car il était juste très en retard à la réunion précédente). Il y aura aussi des passages totalement improbables, Donna découvrant qu'elle a voté malencontreusement pour le candidat républicain et entreprenant de chercher un électeur de Ritchie pour échanger leur vote. Et puis il y aura des scènes plus pédagogiques, propres également à la série, comme Charlie qui s'occupe de l'éducation civique accélérée d'un jeune homme qu'il va conduire jusqu'au bureau de vote.

Mais en plus, Election Night a l'habilité de contrebalancer ces instantanés de l'aile ouest avec une autre dynamique électorale où le suspense est bien réel, celle qui se déroule en Californie. C'est d'elle que va venir la surprise et ce frisson particulier que suscitent les aléas et l'imprévisibilité de la démocratie en action. Will Bailey se démène pour son candidat pré-décédé, fort de la promesse faite un peu légèrement par Sam de prêter son nom en cas de victoire. Tout en nous offrant une leçon synthétique des pratiques des électeurs et de leurs horaires de vote selon leurs opinions, Will ira jusqu'à conjurer les éléments météorologiques pour précipiter la tempête providentielle, dans cette scène marquante où la pluie se met à tomber lorsqu'il lève les yeux au ciel, parachevant ainsi de créer les circonstances favorables à la victoire inattendue du démocrate. Une touche de folie, idéaliste et touchante, traverse alors l'écran, ne laissant pas indifférente le téléspectateur.

L'annonce des résultats s'opère en deux temps, avec un timing parfaitement géré. Election Night se conclut sur le discours triomphant du président, au son d'une chanson hautement symbolique, The Times Are A-Changing, tandis que Process Stories démarre sur l'annonce des résultats de Californie avec - surtout - le nom de Sam révélé comme potentiel candidat pour le scrutin exceptionnel qui suivra. De cette nuit de festivités démocrates que raconte le second épisode, se dégage une douce euphorie communicative. Tout apparaît à nouveau possible. L'équipe se persuade que Sam doit relever le challenge, de la même manière qu'Andrea entend revendiquer sa grossesse, hors mariage, peu importe ce qu'en dira Toby. Pour autant, le subtil équilibre vers le réel et le dramatique propre à la série se rappelle à notre souvenir avec un coup d'Etat en cours en Amérique du Sud qui nécessite une réunion de crise de l'Etat Major, champagne et petits fours circulant toujours dans les salles de réception.

Bilan : Election Night & Process Stories sont deux épisodes magistraux. Ils représentent parfaitement les atouts du style Sorkin, cette dimension grisante, ses répliques et personnages virevoltant allégrement dans un habile mélange d'humour et de sérieux. Mais ils sont aussi parcourus par un souffle particulier, celui d'un idéalisme triomphant, communicatif, avec une nuit de victoire où tout semble - un instant - possible. C'est aussi un épisode où de multiples storylines, plus personnelles, sont en cours, alors que s'esquisse le départ de Sam. Toutes ne seront pas gérées parfaitement jusqu'au bout ; cependant, le temps d'un double épisode, tout s'emboîte, se justifie, jusqu'aux paris d'Amy sur les plus résultats d'élections les plus improbables.

Ce début de second mandat était la fin d'une époque, on ne le savait pas encore, mais le revoir fait toujours particulièrement chaud au coeur. Unique.

NOTE : 9/10

La scène d'ouverture d'Election Night (4.07) :

(US) Justified, saison 3 : une saison de continuité et d'épreuves

 

La saison 3 de Justified s'est achevée ce mardi soir aux Etats-Unis. Cette série, je l'ai d'abord beaucoup aimée, avant de véritablement l'admirer. Après la forte impression laissée par une deuxième saison qui avait été celle de la maturité, de hautes attentes pesaient sur elle. De divertissante et extrêmement plaisante à suivre, elle s'était peu à peu imposée comme un de ces rendez-vous incontournables dans la semaine du sériephile. A la lisière du feuilletonnant et de l'épisodique, elle avait su se construire un arc narratif maîtrisé, faisant honneur tant à ses personnages qu'à son cadre.

Dans cette nouvelle saison, il faut saluer le fait que Justified ait su en partie se renouveler, exploitant plus avant les diverses facettes de son univers, tout en restant fidèle à elle-même, consciente de ses forces et de ses atouts. Sans retrouver complètement l'équilibre aussi rare que précieux qu'avait établi sa seconde saison, elle n'en a pas moins constitué la soirée sériephile que j'ai attendu, chaque semaine, avec le plus d'impatience. Non seulement parce que son écriture - caractéristique - reste fascinante, mais parce qu'elle demeure aussi une des séries les plus jubilatoires - si ce n'est la série la plus jubilatoire - du petit écran actuel. Beaucoup de bonheur donc pour le téléspectateur installé devant sa télévision.

Le premier élément qui frappe face à cette saison 3, c'est tout d'abord l'évidente assurance prise par les scénaristes. Justified a en effet longtemps tergiversé entre divers partis pris narratifs. Désormais, ses auteurs n'hésitent plus à prendre leur temps pour construire de grands arcs, introduire chaque enjeu et capturer une ambiance. La série a fait ses preuves, ils n'ont plus à prouver leur capacité à bâtir un fil rouge solide : ils donnent au contraire l'impression de compter sur la confiance du public, de la même manière que ce dernier saura apprécier, sans s'impatienter, les débuts lents de la saison, sachant ce qui lui est promis pour la suite. Il faut reconnaître que, par-delà de la lente mise en place des intrigues, la qualité d'écriture de la série demeure d'une constance rare : le soin particulier apporté aux dialogues, invariablement traînants, au phrasé aussi caractéristique que savoureux, n'a d'égal que cette dose de théâtralisme avec laquelle la série sait jouer pour mettre en scène les multiples confrontations qui la rythment.

En cultivant son ambiance à part de western contemporain et/ou anachronique, Justified reste une des séries au style le plus abouti et immédiatement identifiable du petit écran américain actuel. Cette saison 3 aura su asseoir cette identité, tout en embrassant cette fois pleinement une dimension feuilletonnante encore plus marquée, au risque d'oublier parfois que les storylines d'un épisode sont toutes aussi importantes pour l'équilibre d'ensemble de la série. En effet, ce sont elles qui renvoient l'impression de normalité dans la routine d'un héros qui n'en reste pas moins un US marshall. La conséquence sera d'être parfois amené à étirer plus que de raison les storylines de certains, suivant un schéma narratif pouvant être à l'occasion un peu répétitif sur la fin de saison. Pour autant, à défaut d'avoir su retrouver complètement l'équilibre quasi-parfait du tableau agencé dans la saison précédente, les scénaristes n'en auront pas moins réussi à proposer une saison d'une densité et d'une intensité remarquable, donnant toujours l'impression de savoir où ils allaient en maîtrisant parfaitement tous les facteurs de leur histoire.

Plus que jamais, Harlan aura été au coeur de la saison. Non seulement le lieu, ses moeurs, mais également l'idée particulière qu'il peut renvoyer, celle d'une maison, d'une famille, d'une solidarité... Des liens qui s'y nouent, mais aussi s'y brisent. En effet, tout en continuant à explorer toutes les voies qui rattachent invariablement Raylan à ses origines, Justified entreprend d'exploiter d'autres facettes et potentiel de ce cadre particulier. La saison 2 avait proposé une dynamique classique, celle d'une matriarche et de sa famille, la saison 3 va, elle, prendre plus de risque en faisant intervenir un autre type d'adversaires. Ce sont rien moins que deux opposants de taille qu'elle introduit face à Raylan. S'il restera toujours plus en retrait, moins développé, c'est que Limehouse reste, lui, le représentant d'une certaine continuité, avec une gestion patriarcale guidée par la volonté de protéger et de maintenir ses acquis. Il est un acteur déterminant, qui complexifie les enjeux et complète le tableau d'ensemble des rapports de force, mais n'est jamais le "méchant" central. Ce dernier rôle repose sur les épaules de Quarles, lequel témoigne de la volonté des scénaristes d'introduire de nouvelles dynamiques dans la série.

La particularité de Quarles ne se réduit pas au simple fait qu'il vienne de Detroit - donc qu'il soit un étranger ambitionnant de mettre la main sur les trafics de Harlan. Quarles est un psychopathe dont les actes révèlent progressivement l'ampleur de sa dangerosité. Parce que l'on peut tout attendre de lui - le pire surtout -, mais aussi parce qu'il s'agit d'un esprit brillant et amoral, il est un adversaire qui sort des sentiers battus : ce n'est pas pour rien que Raylan, très vite, va faire de sa mise hors d'état de nuire une croisade personnelle. Quarles est par définition un personnage de fiction, un de ces méchants génialement glaçants qui s'affranchit de toutes limites pour embrasser une flamboyance autodestructrice scellant, dès le départ, le sort tragique qu'il connaîtra. Quarles est en réalité une expérimentation narrative pour des scénaristes qui introduisent ainsi à Harlan une figure qui n'a rien de commun avec les précédents adversaires de Raylan. Le contraste sera d'ailleurs habilement exploité jusqu'au bout : initialement effrayant, d'un aplomb jamais pris en défaut, Quarles connaîtra également la chute, une déchéance qui le laissera encore plus aux abois, pour se conclure par une fin parfaite, excessive comme a pu l'être le personnage. 

La caractérisation soignée de chacun de ses protagonistes demeure une des marques de fabrique les plus appréciables de Justified. C'est d'ailleurs assez logiquement que, durant les premiers épisodes, la série met particulièrement l'accent sur toutes ces figures éparses dont les rôles, même minimes, ont leur importance dans les divers rapports de force à l'oeuvre ou à venir. Cependant, elle va aussi se rappeler à temps que le coeur du récit reste le personnage de Raylan Givens. L'assurance qu'il dégage, l'aplomb qu'il met en scène, mais aussi le flegme plus diffus derrière lequel il se protège, assorti d'un sang froid à toute épreuve, contribuent à la fascination que la série exerce sur la téléspectateur. Sur ce point, la réussite de la saison est d'avoir respecté l'essence du personnage, tout en traitant des suites du final précédent. C'est en effet un Raylan blessé et fatigué que l'on retrouve initialement. Jamais il n'aura dégagé une telle impression de lassitude - et en un sens, de vulnérabilité, tout en restant obstinément fidèle à lui-même et au cadre de vie qu'il s'est fixé. Il va donc lutter pour retrouver un équilibre, la perspective d'une paternité prochaine avec Winona lui offrant une voie inespérée à laquelle se raccrocher.

Mais c'est une issue illusoire : en dépit de ses efforts, c'est toujours vers Harlan que ses pas le ramènent, cette bourgade apparaissant semblable à une toile de laquelle il n'y aurait pas d'échappatoire. C'est une obsession dont Winona n'a que trop conscience. Si la série n'a pas toujours été pleinement consistante dans l'évolution de ce couple, la séparation apparaît cependant comme ce vers quoi ces deux caractères trop différents finissent toujours vers tendre. Plus généralement, la force de cette saison 3 sera de refuser à Raylan le confort de toute routine, remettant en cause ses repères,  non seulement dans sa vie personnelle, mais aussi professionnelle. Opportunément, la série explore en effet de nouvelles voies, comme la manière dont les rapports de Raylan avec Harlan peuvent être perçus par un observateur extérieur. Le marshall a toujours agi avec une relative impunité dans ce comté. Se retrouver soudain soupçonné de corruption et d'être à la botte de Boyd donnera lieu à l'un des épisodes les plus enthousiasmants de la saison. C'est ainsi que Justified saura une nouvelle fois offrir à Raylan ces scènes de confrontation - qu'il s'agisse d'échange de coups de feu ou de simples répliques - caractéristiques de la série, tout en ne se contentant pas d'un statu quo prudent pour explorer l'équilibre de son héros.

A ce titre, c'est un autre thème qui s'impose en filigrane et dont l'évolution va être particulièrement révélatrice : celui de la famille, ou plus précisément celui de la place des différentes figures paternelles de la série. Depuis le début de Justified, le rôle de Art, patron compréhensif, a toujours été celui qui s'est le plus rapproché d'un père pour Raylan, essuyant les plâtres, contrôlant les dommages-collatéraux et plus généralement protégeant son subordonné, plus de lui-même que d'ennemis extérieurs que le marshall sait toujours parfaitement accueillir. Seulement, au cours de cette saison, c'est bien avant Raylan que le téléspectateur prend conscience d'une progressive redistribution des cartes. En effet les liens du sang achèvent de se brouiller. Certes, Arlo et Raylan ont toujours été des étrangers l'un pour l'autre, mais la mort d'Helen semble avoir achevé le seul point commun qui pouvait encore les lier. Parallèlement, Arlo trouve une vraie place aux côtés de Boyd et d'Ava. A partir de là, c'est avec une maîtrise et une logique implacables que les scénaristes vont nous conduire jusqu'au dernier épisode de la saison, qui, aussi logique qu'il soit au vu de tout ce qui s'est passé, n'en a pas moins une résonnance marquante.

Qu'Arlo soit prêt à tuer pour ceux qu'il aime, nul n'en a jamais douté. Par ailleurs, le seul fait de savoir qu'Arlo ait pu tuer un homme - voire qu'il soit prêt à prendre les responsabilités pour un autre meurtre qu'il n'a pas commis - ne saurait en soi affecter un Raylan sans illusion sur son père. Mais l'instant où Raylan comprend que, pour protéger celui qu'il considère comme sa vraie famille - même sans lien du sang pour les unir -, c'est-à-dire Boyd, Arlo ait été prêt à abattre sans sourciller son propre fils, n'en demeure pas moins particulièrement fort. Quelque part, quelque chose rompt lorsque le marshall comprend le geste d'Arlo, et le fait qu'il ait tué un représentant de la loi en étant conscient de la possibilité qu'il ait pu s'agir de Raylan. En quelques scènes, sans en faire trop, Justified s'offre ainsi une conclusion troublante, refermant sur une note plus intime et douloureuse la saison.

Enfin, pour conclure cette longue review, je voudrais rendre un bref hommage à un casting homogène qui aura été une nouvelle fois impeccable. Timothy Olyphant tient ici un rôle qu'il habite comme rarement et dans lequel il s'épanouit pleinement. Non seulement il fait preuve de beaucoup de présence pour incarner Raylan dans ces scènes de confrontation du quotidien, mais il va au cours de cette saison 3 démontrer toute sa capacité à laisser transparaître lassitude et fatigue, le masque d'assurance se fissurant quelque peu. A ses côtés, Walton Goggins ou encore Joelle Carter sont tout aussi parfaits dans leurs rôles ambivalents. Quant aux autres représentants de la loi, Nick Searcy, Jacob Pitts et Erica Tazel se sont vraiment mis au diapason de l'ambiance de la série.

Du côté des guest-stars de la saison, c'est évidemment la prestation de Neal McDonough qu'il convient de retenir. L'acteur délivre une interprétation énergique et charismatique qui ne saurait laisser indifférent, s'en donnant véritablement à coeur joie dans un rôle qui se prête à bien des excès. Capable de retranscrire avec intensité toutes les émotions par lesquelles passe son personnage, sa performance légitimise les choix faits pour caractériser Quarles. Parallèlement, moins sollicité, mais répondant présent dans les quelques scènes qui nécessiteront de marquer le téléspectateur, Mykelti Williamson se sera également montré convaincant.

Bilan : S'inscrivant à la fois dans une continuité bienvenue et nécessaire, tout en sachant se renouveler et introduire de nouvelles dynamiques, la saison 3 de Justified aura été celle de la confirmation. Les scénaristes ont désormais acquis une assurance communicative et maîtrisent pleinement toutes les facettes de leur univers. Si la saison 3 n'a pas retrouvé l'exact équilibre, entre épisodique et feuilletonnant, auquel était parvenu la deuxième, elle aura délivré treize épisodes de grande qualité. Par son style anachronique très particulier, la qualité de ses dialogues ou encore le soin apporté à la caractérisation de ses personnages, la série confirme qu'elle est bien une des meilleures fictions américaines actuellement en production. Et une des plus savoureuses.

NOTE : 8,75/10

La bande-annonce de la saison 3 :