(Pilote CAN) Orphan Black : des doubles, des secrets et des échanges d'identités

 

Week-end de Pâques riche en changements dans mes programmes sériephiles printaniers (il faut bien mettre à profit ce lundi férié). Non seulement plusieurs séries signent un retour remarqué, avec la reprise de la saison 7 de Doctor Who hier et le début de la saison 3 de Game of Thrones ce soir, mais une nouvelle série que j'attendais avec une certaine curiosité débutait également, ce samedi 30 mars 2013, en Amérique du Nord : Orphan Black.

Deuxième série originale de BBC America après Copper, co-produite avec la chaîne canadienne Space, on retrouve derrière cette fiction deux Canadiens, Graeme Manson et John Fawcett (qu'on a déjà croisé derrière la caméra pour certains épisodes de The Border, The Bridge ou encore Lost Girl). Orphan Black a pour l'instant été commandée pour une saison de 10 épisodes. Sur le papier, elle semble avoir le potentiel pour s'inscrire dans la lignée des divertissants high concept de science-fiction canadiens, à l'image de Continuum l'an passé. Une impression confirmée par un pilote qui m'a donné envie de revenir pour la suite.

Sarah est une jeune arnaqueuse débrouillarde qui n'a pas été épargnée par la vie. Orpheline, ne sachant rien de ses origines, elle a grandi en famille d'accueil, aux côtés d'un frère adoptif dont elle est toujours proche, Felix. Elle a aussi une petite fille, Kira, qu'elle n'a pas vue depuis 10 mois lorsque débute la série. La vie de Sarah est donc déjà passablement compliquée, avec un petit ami qu'elle vient de quitter violemment, en lui volant de la drogue qu'elle espère revendre pour recommencer ailleurs une nouvelle vie. Ses projets changent quand une jeune femme inconnue, mais lui ressemblant traits pour traits, se suicide sous ses yeux en se jetant sous un train. Elle va alors mettre le doigt dans un engrenage très dangereux.

En effet, perturbée par cette ressemblance frappante, mais aussi pragmatique, Sarah vole les affaires personnelles que son double a abandonnées sur le quai. Elle parvient ainsi à s'introduire chez Beth. Découvrant des relevés de comptes avec une forte somme, Sarah décide même d'aller plus loin dans l'arnarque en prenant pour un temps l'identité de la défunte afin d'accéder à l'argent. Mais Beth avait aussi son lot de problèmes : policière, elle était suspendue pour avoir abattu une civile. Sarah se retrouve prise malgré elle dans cette vie qui lui est étrangère. Puis, très vite, leur mystérieuse ressemblance acquiert une autre dimension lorsque Sarah rencontre encore une autre femme qui lui ressemble en tout point physiquement... et manque alors de se faire abattre. C'est dans le mystère de ses origines que doit se trouver la réponse à tous ces évènements.

Orphan Black signe un pilote efficace et divertissant. La série se réapproprie, avec une tonalité bien à elle et un style à la fois simple et direct, des thèmes familiers qui laissent entrevoir du potentiel. L'univers esquissé intrigue, entremêlant des histoires de doubles destinées à nous faire explorer et repousser les limites connues de la science (le clonage se profile en arrière-plan), des secrets des origines jalousement gardés dans lesquels perce une pointe conspirationniste et des échanges d'identités qui requièrent un jeu compliqué de poker-menteur pour faire illusion... Les enjeux et les mystères entourant Sarah sont donc bien introduits, avec de nombreuses questions soulevées. Surtout, l'épisode installe une ambiance des plus plaisantes à suivre : la tonalité y est versatile, ce qui dynamise un peu plus une narration déjà bien rythmée, avec une histoire qui progresse vite. Le pilote joue en plus sur des changements de tons globalement bien maîtrisés, se ménageant des moments sérieux versant dans le registre du thriller, et des passages autrement plus légers qui tendent vers la dramédie.

Si le téléspectateur se prend aisément au jeu de ce divertissement à suspense, c'est aussi parce que Orphan Black peut compter sur une héroïne convaincante qui, dotée d'un sens de la débrouillardise aiguisé, révèle différentes facettes d'une personnalité tout en ombres et lumières. Sarah est quelqu'un qui s'est endurci au contact d'une vie où elle n'a pas eu beaucoup d'opportunités. Mais elle a aussi fait des choix discutables, comme celui de laisser sa fille derrière elle pendant presque une année. Elle n'aspirait à rien d'autre qu'un possible nouveau départ : son objectif en devenant Beth était simple, vider le compte en banque de la défunte, sans vraiment penser aux conséquences d'un échange d'identité. Or la voilà entraînée malgré elle dans des enjeux autrement plus complexes, qui la dépassent. La série tient là une figure centrale sur laquelle elle peut se reposer. Le seul autre personnage sur lequel le pilote s'attarde un peu est son frère adoptif, Felix, qui apporte une autre perspective sur les évènements. La complicité, existant entre les deux en dépit des reproches, est l'occasion d'humaniser des relations humaines qui restent dans l'ensemble assez froides (Sarah devant donner l'illusion aux connaissances de Beth).  

Intriguante et efficace sur le fond, la série sait tirer le meilleur parti des moyens qu'elle a à disposition. Tournée dans les environs de Toronto, elle bénéficie d'une réalisation très correcte, s'adaptant aux contraintes matérielles. Sa photographie, avec des teintes à dominante froides, correspond bien à l'ambiance qu'elle essaie de construire. Le seul bémol à lui adresser sera sans doute du côté de la bande-son : les musiques, énergiques comme tout thriller qui se respecte, sont parfois assez envahissantes, avec des passages où tout paraît éclipsé derrière elles.

Enfin, Orphan Black dispose d'un dernier atout, son casting, ou plus précisément son actrice principale, Tatiana Maslany (World without end). Elle interprète l'héroïne, et toutes les différents doubles qui peut exister d'elle. Cela nécessite d'avoir les épaules suffisamment solides pour porter la série, et c'est un challenge qu'elle relève sans mal, apportant une vraie présence à l'écran, avec une vitalité appréciable. Du fait du format de la série, l'épisode tourne logiquement quelque peu au "Tatiana Maslany show", seul Jordan Gavaris (Unnatural History) tire son épingle du jeu dans ce premier épisode, en interprétant le frère adoptif de Sarah. On retrouve également Dylan Bruce (The Bay) qui incarne le petit ami de Beth), Maria Doyle Kennedy (The Tudors, Titanic), la mère adoptive de Sarah, ou encore Kevin Hanchard, le partenaire policier de Beth.

Bilan : Orphan Black signe des débuts intéressants. Divertissement prenant et efficace, le pilote est plaisant à suivre grâce à une narration rapide et fluide, dotée une tonalité versatile qui fait toute sa fraîcheur. Signe que la série a des ambitions, il est aussi plutôt dense, avec de nombreuses questions soulevées et des thématiques à explorer qui balaient un large champs : pour certaines très personnelles, pour d'autres autrement plus mystérieuses. A la fin de l'épisode, l'histoire est bel et bien lancée, même si le concept annoncé, celui du clonage, n'est pas encore formellement introduit. Il faudra voir si la suite parviendra à conserver le bon dosage de cette introduction, sans s'essouffler. Mais la saison ne doit compter que 10 épisodes, et le potentiel est là. A suivre.

NOTE : 6,75/10

La bande-annonce de la série :

Le générique de la série :

(Pilote CAN) Unité 9 : une immersion convaincante dans un milieu carcéral féminin

En cette mi-octobre où l'heure des premiers bilans de rentrée peuvent déjà s'esquisser, il faut bien avouer que les nouveautés ne m'ont guère emballé en Amérique du Nord. Quelques concepts s'affirmeront peut-être lorsque la série en aura pris la mesure, mais l'introduction en elle-même, le fameux pilote, ne m'a que trop rarement (disons plutôt jamais) conquise. Cependant, si on élargit au-delà du cercle anglophone à l'Amérique francophone, il existe une série qui a retenu mon attention ces derniers jours : Unité 9, testée après plusieurs semaines d'échos positifs dans ma time-line de twitter qui avaient aiguisé ma curiosité (à commencer par LadyTeruki au prosélytisme souvent bien ordonné).

Le week-end dernier, je me suis donc lancée dans la télévision québécoise. Cela faisait longtemps que je tournais autour, j'ai sauté le pas avec les nouveautés de cette rentrée, et ai donc testé des fictions aussi différentes que Les Bobos, Tu m'aimes-tu et donc Unité 9. Une fois passé l'ajustement à l'accent (et reconnaître que certaines phrases m'échapperont toujours par-ci, par-là), c'est cette dernière qui m'a vraiment happé dès son premier épisode (et depuis le rattrapage s'opère avec un enthousiasme qui ne se dément pas). Écrite par Danielle Trottier, avec Geneviève Baril et Louise Danis, Unité 9 est une fiction dramatique qui a débuté sur Radio-Canada le 11 septembre 2012. Prévue pour une durée de 25 épisodes, de 42 minutes chacun, elle est diffusée tous les mardi soirs, où elle a trouvé son public.

Unité 9 s'ouvre sur le jugement du personnage principal de la série, Marie Lamontagne, une mère de deux enfants désormais jeunes adultes, veuve et jusqu'alors sans antécédents judiciaires. Ayant avoué les faits, elle est reconnue coupable et condamnée, pour tentative de meurtre sur la personne de son père, à sept ans d'emprisonnement. En attendant son transfert, elle fait la connaissance d'une première co-détenue, Shandy, jeune femme exubérante qui connaît parfaitement les arcanes du système judiciaire, en parfait contraste avec le saut dans l'inconnu que tout cela représente pour celle qui était il y a peu une simple mère de famille sans histoires.

Marie va purger sa peine dans l'établissement carcéral pour femmes de Lietteville, où elle sera assignée à l'unité 9. On découvre, dès le premier épisode, les femmes, très différentes les unes des autres, qui vivent dans ce baraquement conçu pour six personnes. Face à des co-détenues pour certaines accueillantes, pour d'autres indifférentes, voire carrément hostiles, Marie va devoir trouver sa place et apprendre les codes de cette prison dont un nouveau responsable vient de prendre la direction. La gestion par ce dernier d'un vol anecdotique pose d'ailleurs d'emblée la rigueur qui semble devoir être sa ligne de conduite.

L'univers carcéral est un milieu au potentiel narratif certain (sans revenir sur Oz, il faudra que je vous parle prochainement de Capadocia dont la saison 1 m'attend depuis plusieurs semaines). La vie en collectivité forcée, placée sous la surveillance constante de gardiens, sert de révélateur. Les dynamiques qui s'installent entre les personnages, qu'il s'agisse de rapports de soutien comme de pouvoir, sont capables de faire ressortir les meilleurs (telle la solidarité) comme les pires aspects de la nature humaine. L'enjeu même de la prison constitue une problématique fascinante à traiter, puisque la sentence a une dualité qui lui est inhérente, bien difficile à concilier : il s'agit de solder les comptes avec les actes commis dans le passé en punissant l'individu, mais aussi de se tourner vers le futur en ouvrant la voie à un après, à une réhabilitation, avec une vie à reconstruire une fois la peine purgée.

Pour mettre en scène son cadre particulier, Unité 9 choisit une approche dramatique, très humaine, qui privilégie avant tout ses personnages. La série n'a pas les explosions de violence à l'intensité difficilement soutenable que d'autres fictions relatant un tel sujet ont déjà mis en avant, cherchant à marquer en montrant le pire versant de l'être humain. Ces baraquements (sans barreaux) donnent même parfois la brève illusion d'oublier la prison. La série ne s'en approprie pas moins avec force les grands thèmes carcéraux. Les conditions de détention ne semblent certes en apparence pas insupportables, mais cela n'en reste pas moins une prison, aussi cliniquement régulée qu'elle puisse paraître. La privation de liberté pèse. Les quelques éclats provoqués, les expressions de mal-être ou encore les brusques rappels des limites à toute action, témoignent du poids constant, tellement pesant, que représente toutes ces exigences quotidiennes auxquelles les détenues doivent se soumettre.


Les débuts de Unité 9 ont le grand mérite d'esquisser ses enjeux sans se précipiter. Son écriture a une sobriété naturelle qui permet de poser instantanément une proximité avec les personnages. Il y a aussi une densité émotionnelle bien présente qui frappe et suscite l'empathie. Par l'intermédiaire de Marie, qui est le repère du téléspectateur, il s'agit de suivre comment une femme ordinaire, étrangère à un milieu carcéral dans lequel elle n'avait jamais envisagé de pouvoir se retrouver, va s'adapter à ce qu'elle découvre. L'assimilation du choc de la sentence dans le pilote sonne extrêmement juste. Puis, dans le deuxième épisode, les premiers pas en prison s'inscrivent dans cette même lignée, capturant avec force le maelström d'émotions qui se forme en elle, oscillant entre la détresse d'une vie soudain privée de sens, comme suspendue, et le besoin de rationaliser ce qui lui arrive et de comprendre le fonctionnement de l'établissement. Une scène comme celle de la fouille à nue, pour le choc et l'atteinte à la dignité que cela représente pour Marie, résume bien l'intensité marquante de la série. Oui, Unité 9 saura traiter des problématiques carcérales avec authenticité et sans besoin de surenchère.

De manière générale, la grande réussite du pilote tient à sa capacité à créer des personnages auprès desquels on s'investit naturellement, sans nécessiter que l'on sache instantanément tout d'eux. De Marie, on apprend qu'elle a tenté de tuer son père, mais on ignore ses motifs. De même, ses futures co-détenues nous sont présentées par petites touches, à travers leurs relations au quotidien. Il n'y a pas d'exposition inutile, ni de surdose d'informations pour classer immédiatement chaque protagoniste dans des ses cases prédéfinies. Les quelques flashbacks de Marie, dans le pilote, servent au présent, puisqu'ils permettent de mesurer le brusque vertige qui la saisit quant la perspective de l'univers carcéral devient concret. Au final, l'écriture a cette assurance communicative qui met en confiance les téléspectateurs : il s'agit de nous donner juste ce dont nous avons besoin pour mesurer les enjeux. Cela n'empêchera pas d'accorder à la série le temps de pleinement se développer. Ce parti pris fonctionne d'autant plus que la sobriété d'ensemble pose une proximité immédiate.

Sur la forme, Unité 9 est une série dont la réalisation est globalement de bonne facture. Visuellement, ce sont des couleurs froides, carcérales pourrait-on dire, qui dominent une photographie un peu épurée, mais résolument claire. Elle bénéficie également d'une bande-son richement pourvue en accompagnement musicaux qui pourtant ne sonnent jamais intrusifs, rythmant efficacement la narration pour ne faire qu'un avec le récit. Le générique est sobre, presque minimaliste, tout en ayant le mérite de poser immédiatement la tonalité.

Enfin si Unité 9 peut sonner si juste, elle le doit aussi aux interprétations solides et inspirées, proposées par un casting homogène. Guylaine Tremblay est le pivôt central de cette introduction : elle incarne Marie Lamontagne, capturant avec force toutes les émotions par lesquelles passe la mère de famille réalisant progressivement ce qui lui arrive et où elle va passer les prochaines années de sa vie. Pour l'accompagner dans le pilote, elle trouve un soutien dans l'énergique Suzanne Clément, qui interprète une Shandy qui a souvent tendance à faire le show plus que de raison. Les actrices sont tout aussi bien choisies à l'intérieur de la prison, avec une mention particulière à l'intense Eve Landry notamment, mais Céline Bonnier, Micheline Lanctôt, Sarah-Jeanne Labrosse et Catherine Proulx-Lemay trouvent toutes immédiatement le ton juste pour capturer leur personnage respectif. Dans le personnel, le nouveau directeur est interprété par François Papineau, tandis que Salomé Corbo et Mariloup Wolfe sont les deux gardiennes que l'on suit au grès du quotidien carcéral.

Bilan : Unité 9 signe des débuts efficaces, posant les bases solides d'une fiction dramatique en milieu carcéral. Elle s'assure de la fidélité du téléspectateur grâce à une écriture dense, souvent juste, et plutôt habile dans sa manière d'introduire les différents personnages. L'approche est sobre, presque clinique dans la mise en scène de la prison, mais avec une intensité émotionnelle qui n'en est pas moins perceptible dans les scènes clés. Tout en entreprenant de traiter les grandes problématiques légitimement attendues du fait de son cadre, ce sont avant tout des destins de femmes que la série va nous relater. L'entrée en matière est réussie, le potentiel est là ; je serai donc au rendez-vous pour la suite de la série.

Mine de rien, Unité 9 est le premier pilote Nord-Américain de ces dernières semaines à m'avoir donné envie, sans réserves, d'enchaîner immédiatement avec l'épisode qui suit. C'est un soulagement de l'avoir trouvé. Tant mieux s'il permet de s'ouvrir à un autre petit écran, francophone cette fois.

NOTE : 7,75/10

(Pilote CAN) Continuum : le futur est entre ses mains... mais quel futur ?

Un peu de science-fiction pour ouvrir la saison estivale, ça vous tente ? En ce qui me concerne, vous le savez bien, je suis toujours partante. Ces thèmes de voyage dans le temps et de sauvetage du futur, aussi classiques soient-ils, s'ils sont bien mis en scène, restent des valeurs sûres pour m'intéresser. Côté websérie, Le Visiteur du Futur reste une des rares que je regarde avec enthousiasme. Et dans le registre des séries nord-américaines, je garde même encore une certaine tristesse en songeant à l'annulation de The Sarah Chronicles... Autant dire que je suis le public qui peut, potentiellement, apprécier Continuum.

Initialement, c'est pourtant avec plus d'appréhension et assez peu d'espoir que j'ai lancé le pilote, la faute à une bande-annonce guère convaincante et à un résumé qui, soyons franc, sonnait trop le déjà vu et revu. Mais c'est peut-être un mal pour un bien parce que, finalement, c'est un démarrage très honnête que s'est offerte cette nouvelle série canadienne qui a débuté sur la chaîne Showcase dimanche 27 mai 2012. Dix épisodes ont à ce jour été commandés. A voir si le potentiel entraperçu peut grandir  !

En 2077, les gouvernements ont failli. Les corporations s'y sont substituées, restaurant l'ordre et mettant fin aux anciennes formes ayant échoué. Le pays n'est plus une démocratie. Cependant, la situation ne fait pas l'unanimité. Un groupe terroriste veut faire prendre conscience de la situation. La scène d'ouverture nous fait ainsi vivre un attentat, avec un gigantesque gratte-ciel s'écroulant en arrière-plan. Plusieurs conspirateurs sont arrêtés par une équipe d'agents menés par Kiera Cameron. Ils sont par la suite condamnés à mort.

C'est le jour où leur exécution est programmée que tout va changer pour Kiera. Elle est chargée de surveiller le bon déroulement des opérations. Mais au dernier moment, leur chef brandit un objet qui fait disparaître tous ceux qui se trouvaient autour, la jeune femme comprise. Ils se retrouvent au même endroit, mais à une autre époque : en 2012. Tandis que les terroristes s'échappent dans ce nouveau monde, Kiera se retrouve prisonnière de ce passé, loin de sa famille. Assez naturellement, elle va prendre place aux côtés des autorités dès que les combattants venus du futur commencent à faire parler d'eux.

Voyage temporel impromptu, héroïne devant sauver le futur de l'action d'un groupuscule dangereux, technologie révolutionnaire seulement en voie de développement avec un concepteur encore adolescent, paradoxes temporels à venir et sans doute quelques secrets à découvrir sur le façonnement de son monde tel que Kiera le connaît... Nul doute que tous les ingrédients sonnent de manière familière au téléspectateur. Naviguant quelque part dans la filiation directe d'une franchise comme Terminator, Continuum assume ses influences. La reconstitution du futur et de ses techniques offre un visuel de science-fiction assez intéressant et bien exploité, avec des possibilités qui font de Kiera une véritable super-flic dans notre présent de 2012. Certes, l'écriture ne fait pas dans la subtilité et on n'échappe pas à certains poncifs : la jeune femme n'est pas seulement policière, c'est une mère de famille qui veut retrouver son fils. Les motivations personnelles sont là pour humaniser le personnage, mais elles tirent sur une fibre émotionnelle peut-être un peu trop facilement. De manière générale, le traitement des personnages n'est pas le point fort de ce pilote.

En revanche, son grand mérite est de savoir bien installer un univers qui a du potentiel, à commencer par la relative ambivalence qui en émane. L'idée de grandes entreprises régissant le monde, ayant remplacé le politique, trouve forcément un écho particulier. Et puis, surtout, ce futur que Kiera défend est un futur dictatorial. Dans le même temps, les prétendus combattants de la liberté sont, eux, présentés clairement comme des opposants, méchants par excellence : la scène d'ouverture de l'attentat et les fusillades du dernier quart d'heure sont sur ce point de vue univoques. Continuum propose donc d'un côté des partisans de la démocratie terroristes, de l'autre une héroïne pro-dictature, et en filigranne quelques interrogations sur la manière dont les corporations sont arrivées où elles sont (/seront). Voilà une base de départ qui n'est que promesse, mais qui aiguise la curiosité. Tout dépendra de l'orientation future de la série : Kiera va-t-elle rester dans une logique de chasse à l'homme et d'obéissance ; va-t-elle découvrir des éléments qui vont l'amener à nuancer ses vues ? Le manichéisme ambiant n'est-il qu'apparent ? Reste que le pilote remplit sa fonction : il intrigue et propose une intéressante introduction.

Sur la forme, il faut noter une reconstitution futuriste plutôt soignée qui est plutôt convaincante, après une scène d'ouverture "choc" à laquelle on assiste à l'attentat. Sinon, Continuum propose dans l'ensemble une réalisation classique, avec une priorité donné aux plans serrés. Les scènes d'action ne dépareillent pas non plus. Bref, un ensemble très honnête, qui ne se démarque pas particulièrement mais remplit efficacement son office.

Côté casting, les habitués de science-fiction nord-américaine ne seront pas dépaysés et croiseront dans Continuum bien des têtes familières. C'est Rachel Nichols (Alias, Esprits criminels) qui incarne l'héroïne du futur ; je l'ai assez aimée dans ces quelques moments où le masque tombe en prenant conscience de la situation inextricabe dans laquelle elle se trouve. A ses côtés, c'est Victor Webster (Mutant X) qui va l'assister au sein de la police locale. Erik Knudsen (Jericho) incarne quant à lui un adolescent à la grande destinée, puisqu'il sera le concepteur de la technologie dominante du futur et directeur d'une des plus puissantes corporations. Noter que dans le futur il est interprété par William B. Davis (qui restera éternellement l'homme à la cigarette de X-Files, ce qui a tendance à vous rendre instantanément tout personnage suspicieux). Enfin, on retrouve aussi à l'affiche Roger Cross (24, The Guard), Tony Amendola (Stargate SG1), Stephen Lobo (Artic Air, Painkiller Jane, Falcon Beach), Lexa Doig (Andromeda, Stargate SG1), Brian Markinson (The Killing, Caprica) ou encore Richard Harmon (The Killing).

Bilan : Se réappropriant la thématique du voyage temporel de manière plutôt efficace, Continuum propose un pilote honnête et intriguant qui vaut surtout pour le potentiel que son univers ainsi posé laisse entrevoir. Derrière la présentation manichéenne des protagonistes de chaque camp, en arrière-plan, le régime dictatorial du futur peut promettre des développements très intéressants si, par la suite, la série sait jouer sur l'ambivalence manifeste des causes et des moyens pour et par lesquels chacun se bat.

Au fond, il est bien trop tôt pour dire si Continuum saura exploiter véritablement les nuances de son cadre, mais pour le moment, la téléspectatrice amateur de science-fiction que je suis a envie de lui donner sa chance.

NOTE : 6,75/10

La bande-annonce de la série :

(Pilote CAN) The Yard : la cour de récré comme vous ne l'avez jamais vue

Contrairement aux idées reçues, l'été n'a rien d'une période creuse pour le sériephile. Au contraire. Peut-être est-ce d'ailleurs une des rares périodes où, sans risquer l'overdose, on peut prendre le temps de picorer de part et d'autre pour mieux apprécier toutes ces séries qui débutent ou redémarrent avec les beaux jours. C'est ainsi qu'en quête de détente, on se décide même à reprendre le chemin de l'école... ou plutôt de la récré, pour ce qui est incontestablement un de mes coups de coeur de ces dernières semaines.

Diffusée sur HBO Canada, depuis le 8 juillet 2011, The Yard est une série canadienne que j'ai découverte grâce au prosélytisme avisé et inspiré de  LadyTeruki (qu'il faut remercier très fort). Mockumentary proche de la dramédie, il s'agit sans aucun doute d'une des séries les plus originales, rafraîchissantes et authentiques qu'il m'ait été donné de voir cette année. Je suis d'ailleurs tombée suffisamment sous le charme pour enchaîner les trois premiers épisodes, de 25 minutes environ, en une seule soirée.

The Yard a pour cadre principal la cour de récréation d'une école primaire. Nous narrant le quotidien de ces instants de détente en extérieur à travers la caméra d'un documentariste, la série nous immerge dans un microcosme avec ses codes et règles de vie, dont les seuls protagonistes sont les élèves. Cette cour de récréation rassemble tous les archétypes que l'on peut penser y croiser : les populaires, les marginaux, les geeks, les mauvais garçons cherchant à terroriser les plus faibles... et la bande qui "règne" actuellement sur ce petit monde, les "good guys", comme le présente leur chef, Nick, sur lesquels la série s'attarde plus particulièrement.

Il faut en effet, comme dans tout milieu social, des régulateurs pour assurer la cohésion de la communauté. Ayant en  tête le bien commun de chacun, Nick prend ses responsabilités pour faire en sorte que la cour de récré reste un lieu de jeu où tout est pacifié. Il est entouré de ses deux frères, J.J., idéaliste croyant que tous les conflits peuvent se résoudre par la discussion, et Adam, gamin adorable, mais aussi de Johnny, meilleur ami persuadé d'avoir des pouvoirs magiques, et Suzi, qui règle tous les problèmes que les paroles ne peuvent solutionner. Chaque épisode les voit confrontés à une difficulté relative à une thématique particulière aux consonances plus adultes, qui met à mal le fragile équilibre de la cour de récré. Dans le premier épisode, l'enjeu est ainsi économique : les devises actuellement utilisées sont mises en danger par l'introduction d'une possible devise concurrente qui risque de bouleverser les rapports de force... Nick va-t-il réussir à empêcher l'effondrement du système économique en vigueur ?

Choisir de ne mettre en scène que des enfants, pour une série qui s'adresse à un public plus large, était en soi un pari osé. The Yard le relève brillamment. La série réussit en effet à parfaitement prendre la mesure du style mockumentary qu'elle adopte. Proposant une forme de métaphore de la société moderne qu'elle miniaturise à l'échelle de son école primaire, elle réduit ainsi, en les simplifiant, des problématiques sociales actuelles. Pour ce faire, elle trouve le juste équilibre entre une dose nécessaire de réalisme, crédibilisant les situations, et un soupçon de décalage dans leur mise en scène, propre à la comédie. Avec beaucoup d'assurance, de façon assez décomplexée, elle n'hésite pas à aborder des thèmes ayant une résonnance particulière, comme le système économique dans le premier épisode. Elle sait aussi dépasser son seul cadre pour recourir à des codes narratifs plus pesants, empruntés à d'autres genres ; la mise en scène de la "guerre" dans l'épisode 3 en étant une illustration. Le mélange est parfois assez audacieux et peut un temps déstabiliser, mais il fonctionne étonamment à l'écran.

C'est en conservant une ambivalence constante que la série va savoir s'affirmer. Car la magie de The Yard ne s'opère pas seulement au niveau des intrigues, ce sont les dialogues qu'elle permet qui forgent son identité. Le fait de retranscrire avec des mots d'enfants tous ces enjeux apporte non seulement une fraîcheur originale et inestimable à la mise en scène, mais il permet aussi une approche et des points de vue parfois inattendus. C'est dans ce décalage entre le sérieux de certains sujets et la manière dont ils sont exposés par les protagonistes que réside le principal ressort comique d'une série drôle - elle prête souvent à sourire franchement -, qui sait aussi se montrer extrêmement touchante à l'occasion. Car les personnages s'expriment avec l'aplomb et la franchise qui caractérisent les enfants de leur âge : certaines de ces scènes - notamment les face-à-faces avec le documentariste - capturent une authenticité aussi jubilatoire, que parfois troublante. Derrière une couche de cynisme moderne inévitable, transparaît un reste d'innocence à laquelle on ne peut rester insensible et que l'on va instinctivement chérir. C'est ainsi que le téléspectateur regarde The Yard avec beaucoup de tendresse, un attachement qui se renforce au fil des épisodes et un plaisir jamais démenti tant la série sait surprendre.

Pour accompagner la mise en scène de ce concept original, la réalisation respecte les codes du genre mockumentary : la caméra au poing, nerveuse, filme ces enfants, logiquement intenables, avec beaucoup de réactivité dans la cour de récré. Pour rythmer sa narration, The Yard a aussi la bonne idée d'insérer des parenthèses très réussies, sorte de "confessionnal", qui font office de passages explicatifs au cours desquels les personnages sont directement interrogés devant un tableau vert par le documentariste. Cela offre du recul, mais aussi une dynamique décalée aux évènements qui sont ainsi explicités. La bande-son suit le même esprit : rythmée, avec des thèmes récurrents qui collent  de la plus adéquate des façons à cette ambiance de cour de récré, elle est parfaitement maîtrisée.

Enfin, The Yard n'atteindrait pas l'équilibre et l'authenticité qu'elle acquiert sans son casting. Il faut absolument souligner et saluer tous ces jeunes acteurs, qui se révèlent d'une justesse confondante. Avec un jeu solide et sérieux qui correspond à l'aspect faux-documentaire, ils rendent en plus possible et pleinement exploitable tous les décalages comiques recherchés. On retrouve parmi eux, Quintin Colantoni (fils de Enrico, bien connu des sériephiles de Veronica Mars à Flashpoint), Keena Bastidas, Sarah Cranmer, Daniel Lupetina, Alex Cardillo (Durham County), Shemar Charles, Devan Cohen ou encore John Fleming (The Listener). A noter que la voix off du documentariste est celle de Paul Gross (Slings & Arrows, Un tandem de choc).

Bilan : A la fois drôle et touchante, The Yard est un mockumentary qui surprend par sa fraîcheur. Semi-réaliste, elle séduit par l'authenticité de ses protagonistes, tout en profitant de son cadre de cour de récré pour offrir une métaphore étonnante de la société moderne. Sachant parfaitement jouer sur les ambivalences inhérentes à son concept, la série capitalise tant sur la diffuse innocence de protagonistes encore enfants, que sur la pointe de cynisme et le pragmatisme que nécessitent aussi bien la survie que le maintien de la paix dans ce milieu social mis en scène. Au final, c'est un cocktail assurément surprenant que propose The Yard. A découvrir ! 

NOTE : 8,5/10

La bande-annonce de la série :

Quelques courts extraits :

Cory on lunch :

 

Suzi on income :

(CAN) Slings & Arrows : une dramédie vibrante, humaine et passionnée

Ce week-end, un peu par hasard, je suis retombée sur les deux premières saisons d'une des séries les plus injustement méconnues qui soit, Slings & Arrows. Composée de trois saisons et diffusée par une chaîne habituée des valeurs sûres, The Movie Network, de 2003 à 2006, cette production, co-créée par des comédiens aux multi-talents, Mark Mckinney (un ex du Saturday Night Live), Bob Martin et Susan Coyne, est une incontournable qui figure sans aucun doute parmi les meilleures séries canadiennes. Mais elle reste malheureusement à ce jour tristement - et inexplicablement -  inédite dans nos contrées.

Toute à mes souvenirs d'un visionnage qui remontait déjà à quelques années, je n'ai pas pu résister à lancer le pilote. Redécouvrir intact l'enthousiasme que l'on porte à une série est une agréable piqûre de rappel. Ce visionnage fut l'occasion de retrouver ce charme indéfinissable, jubilatoire mélange de drame et de comédie, qui caractérise une série au cadre théâtral résolument original.

Si bien que, bien consciente de la relative confidentialité de Slings & Arrows, je ne résiste pas à l'envie de consacrer une review à ce pilote, esquisse particulièrement réussie d'introduction à la première saison (qui compte six épisodes). 

"To be, or not to be: that is the question : Whether 'tis nobler in the mind to suffer the slings and arrows of outrageous fortune, or to take arms against a sea of troubles, and by opposing end them?" (Hamlet, Acte III, Scène I)

Slings & Arrows nous plonge dans les coulisses agitées et passionnées du monde du théâtre, et plus précisément dans la préparation chaotique d'un festival consacré à Shakespeare, celui de New Burbage qui reste une référence culturelle dans le pays. Le coeur de la série réside dans les relations complexes qu'ont nouées trois figures de ce milieu, qui ont su toucher la perfection en mettant en scène une interprétation de Hamlet qui est restée dans les mémoires. Sept ans plus tard, le souvenir toujours vivace de cette poignée de représentations s'explique non seulement par la grâce dont leur adaptation avait semblé avoir été touchée, mais aussi par la conclusion plus dramatique qui avait clôt l'ensemble, l'acteur principal, Geoffrey Tennant, ayant craqué nerveusement sur scène en pleine pièce et ayant ensuite du être interné dans une institution psychiatrique quelques temps.

Tout en faisant référence à ces évènements fondateurs, le pilote de Slings & Arrows s'ouvre plusieurs années après. Tandis que Geoffrey, qui n'a jamais repris sa carrière d'acteur, s'occupe d'une petite compagnie au nom très évocateur de "Théâtre sans argent", loin des paillettes des circuits culturels officiels, Oliver Welles est, lui, resté le directeur artistique de New Burbage, l'actrice Ellen Fanshaw participant toujours à ses pièces. Hamlet a consacré la réussite professionnelle d'Oliver tout en le condamnant à placer tout le reste de sa carrière dans l'ombre de ce moment de grâce. Passé maître dans l'art de la commercialisation de ses projets, devenu plus un gestionnaire administratif qu'un directeur artistique à plein temps, Oliver a peu à peu perdu ce lien avec sa passion originelle pour le théâtre.

Le soir de la première ouvrant une nouvelle saison du festival, Oliver, se sentant plus vide que jamais, ressent un contre-coup encore plus violent en découvrant Geoffrey au journal télévisé, enchaîné à la porte de son petit théâtre dont le propriétaire veut les expulser. Rappel vibrant de ce que peut être cette passion dévorante pour cet art unique. Plus saoûl qu'à l'accoutumée, Oliver essaiera, cette nuit-là, vainement de se rabibocher au téléphone avec son ancien ami. Mais c'est finalement sur une route d'où surgira un camion lancé à pleine vitesse qu'il finira par échouer, s'y allongeant inconscient et complètement ivre.

Le pilote se termine ainsi sur cette mort absurde d'Oliver, écho symbolique cruel à la perte d'identité théâtrale de son festival. Mais, ironie de l'histoire, après quelques péripéties, et parce que l'ombre de cet instant magique d'il y a 7 ans demeure inconsciemment dans tous les esprits, c'est à un Geoffrey Tennant hésistant que va échouer le poste d'Oliver, afin de mettre en scène ce qui constituera sans doute le plus grand de ses défis : ses retrouvailles avec Hamlet. Les cinq épisodes suivants que comporte cette première saison nous feront vivre les préparations de la pièce, auprès d'une galerie de personnages hauts en couleurs, des acteurs jusqu'aux financiers, parmi lesquels on retrouve une figure des plus délicieusement sarcastiques, peut-être le produit de l'esprit pas pleinement apaisé de Geoffrey : l'incontournable Oliver, jamais aussi inspiré et envahissant qu'en fantôme venant conseiller son ancien ami.

La première caractéristique marquante de la série est sa richesse. En effet, Slings & Arrows est un petit bijou téléphagique rare qui parvient à trouver un équilibre instinctif et naturel dans l'alternance de tonalités qu'il va proposer. Bénéficiant d'une écriture particulièrement dynamique et inspirée, proprement brillante à l'occasion, la série mêle avec brio un humour noir jubilatoire et des histoires humaines touchantes. Ses dialogues, finement ciselés, régulièrement ponctués de réparties cinglantes et de remarques plus décalées, se savourent sans modération ; ils portent assurément la marque de ces grandes séries qui ont bâti leur succès sur la qualité des échanges entre leurs protagonistes.

 Comédie noire ambivalente, à la fois profondément désillusionnée et naturellement portée par un enthousiasme inébranlable généré par la passion qu'elle met en scène, Slings & Arrows surprend par l'intensité et la diversité des émotions qu'elle suscite. D'autant qu'elle reste, plus sobrement, une invitation exaltante à accompagner une aventure humaine collective à laquelle le téléspectateur ne pourra pas rester insensible. Se basant sur une galerie de personnages hauts en couleurs, des acteurs dont il faut gérer l'égo jusqu'aux financiers ambitieux, la figure centrale de la série reste la personnalité fascinante de Geoffrey. Semblant constamment flirter avec toutes les limites, de la folie comme de sa passion dévorante pour le théâtre, c'est un visionnaire utopique qui doit soudain se muer en gestionnaire pragmatique. Entre envolées lyriques et ajustements nécessaires, le téléspectateur suivra avec un intérêt jamais démenti les répétitions assurément chaotiques que ce cocktail donnera, pour nous conduire sur un chemin de la conciliation d'où le théâtre devra triompher.

Au-delà de sa dimension humaine, ce qui fait l'originalité de Slings & Arrows reste son approche du thème particulier traité. En effet, la série constitue probablement le plus vibrant des hommages que le petit écran ait pu consacrer à cet autre art de la narration et de la mise en scène de récits, à l'ancienneté presque intemporelle, qu'est le théâtre. Rarement une fiction télévisée aura su si bien capter et retranscrire une passion artistique aussi dévorante, vécue de manière tellement intense qu'elle transportera les protagonistes - et le téléspectateur - aux portes de la rationnalité. C'est tout étonné que le téléspectateur découvre au coeur de la série une étincelle unique qui transmet cette ferveur théâtrale avec une intensité qu'il n'aurait pu soupçonner a priori.

Grâce à l'habileté de son écriture, portée par une simplicité narrative aux accents authentiques, Slings & Arrows fascine par l'empathie qu'elle réussit à créer. Tout en faisant redécouvrir d'un autre oeil les coulisses de cet art, la série apporte quelque chose d'inattendue : une forme de compréhension de ce que peut représenter, pour ces passionnés, un art dont elle parvient finalement à capter l'âme. Par ces quelques passages qui paraissent mettre à nu les ressorts artistiques de la nature humaine, Slings & Arrows est un modèle pour toutes ces fictions qui s'essaient avec plus ou moins de succès de nous plonger dans toute activité artistique.

Brillante sur le fond, Slings & Arrows reste très sobre sur la forme. La réalisation reste fidèle à l'esprit de la série, et la bande-son demeure minimale. Respectueux de l'unicité de la tonalité de cette oeuvre, c'est sans doute le générique qui résume l'atmosphère de Slings & Arrows. Attablés à un piano, dans un bar, deux des personnages secondaires y reprennent une chanson décalée, de purs passionnés, s'adressant à MacBeth. Original sur son format, mêlant simplicité et enthousiasme, on y retrouve finalement tous les ingrédients qui font de Slings & Arrows une série à part. (Pour jugez par vous-même, il s'agit de la première vidéo en bas de ce billet.)

Enfin, si la série parvient à si bien jouer sur cette impression de proximité et de naturel, elle le doit également à son casting, bénéficiant d'une galerie d'acteurs très solides. On retrouve en tête d'affiche une figure familière pour le téléphage, Paul Gross (Un tandem de choc, Eastwick), absolument brillant pour mettre en scène l'instabilité passionnée de Geoffrey. A ses côtés, Martha Burns incarne Ellen et Stephen Ouimette, Oliver. Ce trio se trouve épaulé par des acteurs très convaincants, comme Mark McKinney, Susan Coyne (également créateurs de la série), Rachel McAdams ou encore Don McKellar. Au fil des trois saisons, comportant en tout 18 épisodes, le casting sera en partie renouvelé, suivant les transformations de la troupe.

Bilan : Aussi vivante que profondément attachante, Slings & Arrows est une comédie noire savoureuse qui révèle une richesse inattendue fascinante. Tour à tour sarcastique, drôle, émouvante, voire cynique, elle mêle habilement les tons, tout en s'investissant dans une dimension humaine qui ne laissera pas indifférent. Vibrant hommage passionné à cet univers méconnu des coulisses du théâtre, au-delà du quotidien tumultueux, voire rocambolesque mis en scène, elle se révèlera également être une série plus touchante, qui saura parler avec justesse et beaucoup d'authenticité de la vie et de ses désillusions.

Chacune des trois saisons sera consacrée à la préparation de la représentation d'une pièce particulière de Shakespeare. La première sera ainsi dédiée à Hamlet, la deuxième à Macbeth et, enfin, la troisième au Roi Lear. Incontournable pour tout amoureux de théâtre comme pour tout téléphage qui retrouvera dans cette série ce qui fait l'essence de sa passion, Slings & Arrows est un de ces moments de télévision à part qui vous réconciliera avec tous les formats de narration. A consommer sans modération.

NOTE : 9/10

Le générique de la saison 1 de la série :

Une bande-annonce de la saison 1 :

(Pilote CAN) Lost Girl : succube & fae pour du fantastique cheap au rabais

Dans la lignée de la morosité de ces premières escarmouches de rentrée, les pays changent (remarquez que je fais des efforts en terme de nationalités traitées), mais la tonalité demeure invariable, et le Canada n'est pas en reste. Dimanche dernier, la chaîne Showcase y lançait une nouvelle série, Lost Girl, surfant sur cette vague fantastique qui fleurit actuellement un peu partout dans nos petits écrans. Une fiction qui promettait d'explorer toute la diversité des créatures de l'étrange, avec pour héroïne rien moins qu'une succube. Les rayonnages dérangés de ma bibliothèque trop bien garnie en bit-lit comprenant les deux premiers tomes des aventures de Georgina Kincaid, je mesurais ainsi à peu près le potentiel narratif du concept de départ.

C'est que j'ai une confession à vous faire : je cultive un penchant déraisonnable pour le fantastique cheap. Ce genre de série pas prétentieuse pour un sou, mais diablement divertissante - telle Blood Ties par exemple - a pu me faire passer d'excellents moments devant mon petit écran. Si bien que c'était avec un esprit ouvert, sans a priori, que j'étais prête à découvrir Lost Girl, même si la bande-annonce avait fait naître quelques craintes à son égard... Craintes malheureusement plus que confirmées par le pilote.

La Lost Girl intronisée héroïne par la série s'appelle Bo. La jeune femme mène une vie loin d'être sédentaire, devant régulièrement rassembler au plus vite ses affaires pour s'enfuir. Car Bo n'est pas une femme ordinaire. Derrière une assurance de façade, à l'évidence endurcie par les épreuves de la vie, son quotidien consiste à gérer des facultés dont elle ne comprend ni la nature, ni la manière dont elle pourrait les maîtriser. Si ses capacités lui simplifient la vie à l'occasion, puisqu'elle parvient à manipuler ses interlocuteurs par un simple contact, elles échappent parfois de manière fort dangereuse à tout contrôle : lorsqu'elle embrasse quelqu'un, elle aspire la vie de cette personne par la même occasion. Incapable de s'arrêter, c'est ainsi qu'elle laisse régulièrement des cadavres derrière elle.  

Au début de ce premier épisode, Bo travaille comme barmaid. Elle sauve une cliente, Kenzi, qu'un homme avait drogué, espérant ainsi pouvoir abuser d'elle en toute impunité. L'intervention de Bo ne s'opère pas sans dommage, puisqu'emportée dans le feu de l'action, son baiser létal tuera le criminel. Passée la frayeur des premiers instants, avec une Kenzi dépassée par ce à quoi elle a assisté, les deux jeunes femmes font plus amplement connaissance, nouant rapidement une certaine complicité.

Mais le meurtre commis par Bo la rattrape : elle est arrêtée par une bien étrange brigade... dont les membres n'appartiennent pas seulement à la police. Elle découvre alors un autre versant de ce monde dont elle n'avait jamais soupçonné l'existence : une société de fae (terme générique regroupant toutes les créatures surnaturelles), structurée et hiérarchisée, se cachant dans l'ombre. Une organisation mise en émoi par l'arrivée d'une inconnue qui attire de manière inconséquente l'attention sur eux. Plus que le mort, c'est la non affiliation de Bo à l'un des deux camps institués, "le bien vs. le mal" pour faire synthétique, qui perturbe le plus ces derniers. Qui est donc Bo ? Pourquoi son existence avait-elle été maintenue secrète jusqu'à présent ? Cet autre univers qui s'ouvre à la jeune succube va sans doute être source de plus d'interrogations que de réponses...

A partir de ces bases fantastiques qui ne demandaient donc qu'à s'affirmer, Lost Girl s'inscrit dans un créneau cheap à l'excès, parfaitement assumé, sur le fond comme sur la forme. Dans son contenu, la série fait preuve d'une relative et malhabile subtilité, dont je soupçonne fortement le caractère involontaire. En effet, si elle exploite des allures excessivement manichéennes, ces dernières semblent, paradoxalement, plus conduire la série dans une zone grise et floue, où il apparaît bien difficile de distinguer le mal ou le bien en dépit de supposés camps clairement délimités. Les deux souhaitent la mort de l'intruse, ce qui les confond d'emblée, surtout aux yeux du téléspectateur. Finalement seul le policier venant en aide à Bo est présenté sous une lumière un tant soit peu positive.

Mais ce flou moral est également entretenu par notre héroïne : elle admet ne pas contrôler ses pouvoirs, qu'elle n'hésite cependant pas à utiliser. Elle est incapable à l'occasion de résister à la faim ; et elle tue bel et bien un homme en début d'épisode... Cependant, le message subliminal de Lost Girl est clair : ce dernier était un criminel, avec des antécédents qui plus est, permettant de faire glisser Bo dans des habits de justicière. C'est à peine si cette mort fait ciller les protagonistes, chacun étant plus concentré sur la nature de succube de la jeune femme. Si bien que l'on a finalement l'impression que les scénaristes, avec une naïveté un peu grossière, jouent avec leur attrayant concept, sans oser pleinement le mettre en scène. Voulant présenter leur héroïne comme indépendante, ils tendent inconsciemment à la détacher des contingences morales. Mais, dans le même temps, c'est avec un traitement scénaristique réinvestissant le champ des codes des super-héros qu'ils l'introduisent, souhaitant à l'évidence cultiver une certaine sympathie à son égard. Une ambivalence de traitement qui laisse un arrière-goût d'inachevé, devant une construction tour à tour maladroite et excessivement timorée.

Au-delà du cadre binaire assez rigide qu'elle pose, Lost Girl s'avère être d'une prévisibilité vite lassante, dont les dialogues sonnent trop creux pour réveiller l'intérêt du téléspectateur. La faiblesse des moyens alloués à la réalisation, comme aux pseudos effets spéciaux, lui permet de soigner ce faux premier degré apparent pour se créer une ambiance au rabais, qui renvoie à un univers de série B, d'où percent d'importantes pointes comics. Tout au long de l'épisode, elle frôle constamment la trop fine frontière du ridicule, qu'elle finit par franchir allègrement à plusieurs reprises. Cela ne serait pas handicapant en soi si la série savait faire preuve d'une distance plus maîtrisée avec son contenu et n'oubliait pas le registre du divertissement. Malheureusement loin du cheap fun et versatile de certaines fictions, c'est plutôt dans un registre indigeste et assez pesant que Lost Girl va s'affirmer.

Si la série peine à trouver ses marques sur la forme, les acteurs ne semblent pas non plus particulièrement concernés, les lignes de dialogues ne motivant sans doute pas trop pour gagner en crédibilité. On retrouve pourtant quelques têtes familières au casting. Bo est incarnée par Anna Silk (croisée en guest dans Being Erica). A ses côtés, figurent  Zoie Palmer (The Guard), Kristen Holden-Reid (The Tudors) ou encore Ksenia Solo (quelques apparitions dans Life Unexpected la saison dernière).

Bilan : Du cheap divertissant au ridicule pesant, il n'y a souvent qu'un pas. Lost Girl bascule malheureusement trop aisément dans le second versant. Pour une série fantastique mettant en scène des fae, elle se ré-approprie paradoxalement beaucoup plus de codes scénaristiques propres aux fictions de super-héros que ceux du surnaturel plus traditionnel. Cela lui permet de soigner une atmosphère très série B, dans laquelle il manque l'ingrédient sans doute le plus important, le divertissement (les sourires générés involontairement par certaines lignes de dialogue ne pouvant être comptabilisés comme un second degré volontaire). A la fois excessivement manichéenne, tout en ayant l'irrésistible envie de brouiller un peu les cartes sans l'oser vraiment, Lost Girl n'assume pas pleinement le registre qu'elle a choisi d'investir en prenant une succube comme héroïne...

En somme, je ne suis pas certaine qu'il y ait grand chose à sauver dans cette série. Si je me laissais aller aux comparaisons, je la classerais sans doute dans la droite lignée d'un Demons, tant au niveau des moyens budgétaires que de l'univers mis en place. A oublier.

NOTE : 3,25/10

La bande-annonce :

(Pilote CAN) The Bridge : luttes d'influences et de pouvoirs au sein de la police

Comme souvent, le calendrier téléphagique n'est pas dépourvu d'ironie. Tenez, je passe des mois à me lamenter de l'absence de tout véritable "cop-show chroniqué du quotidien" à l'antenne ; et voilà que, la même semaine, le petit écran voyait affluer plusieurs séries de ce genre. En effet, en ce début du mois de mars, si les inédits de Southland revenaient sur TNT aux Etats-Unis, parallèlement, au Canada, débutait une nouvelle fiction, co-production entre CTV et l'américaine CBS : The Bridge.

L'occasion d'ouvrir une nouvelle rubrique sur ce blog (j'avoue que le Canada et moi avons eu une agréable lune de miel il y a quelques saisons, mais dernièrement, nous ne nous entendons plus trop sur un plan téléphagique - l'époque semble révolue, où je pouvais vénérer Slings & Arrows, tout en étant intriguée par Intelligence, et en gardant une place dans mon coeur pour ReGenesis), également de saluer le retour d'Aaron Douglas (certes, la fin de Battlestar Galactica, c'était il y a moins d'un an, même si cela me paraît une éternité - et je ne l'ai jamais trop aimé dedans, en plus), et de s'offrir toute une soirée-test devant ce long pilote d'1 heure 30 par lequel nous est introduite la série.

The Bridge nous plonge dans le quotidien désanchanté d'une force de police gangrénée par les ambitions personnelles de chacun, mais aussi par la corruption, à tous les niveaux de la hiérarchie. Chacun sert un statu quo précaire, jouant avec les médias et manipulant les apparences afin de parvenir à ses fins. Pour accentuer les contrastes, face à cette hiérarchie brouillée où les oppositions internes sont exacerbées, le titre de la série fait référence à l'image de ce pont, centrale, qui est tout aussi symbolique que très concrète : elle renvoie également au rapport que cet ouvrage fait ainsi exister entre deux extrêmes de la ville, reliant le quartier d'un ghetto populaire à des ensembles pavillonnaires aux superbes villas.

Au coeur de ce milieu trouble, la série suit le parcours de Frank Leo (Aaron Douglas), officier patrouilleur profondément intègre, avec un fort caractère et suffisamment de présence pour être en mesure de rallier ses collègues aux causes pour lesquelles il choisirait de se battre. Ce pilote pose le cadre et les enjeux de son action, l'amenant à être élu représentant syndical, suite à un ensemble d'évènements au cours desquels son tempérament de leader se sera affirmé par la force des choses et où il se sera imposé comme véritablement capable de défendre les intérêts des policiers, même ceux au grade peu élevé. L'histoire s'inspire d'un fait réel : le parcours d'un syndicaliste, Craig Bromell, et l'action qu'il mena au sein de la police de Toronto, dans les années 90 jusqu'au début des années 2000.

Construire un cop-show sur la croisade d'un syndicaliste qui souhaite nettoyer la police de sa ville de toutes les compromissions et dérives qu'elle connaît, s'érigeant dans le même temps en solide rempart pour protéger ses collègues contre les excès médiatiques dirigés contre eux, mais aussi contre les dérapages que ce dur métier peut déclencher, c'est choisir une approche en somme assez originale. Cela permet à The Bridge de ne pas se présenter comme un énième formula-show policier, mais, au contraire, d'essayer d'apporter quelque chose à l'édifice des séries de ce genre. De ce point de vue, cette fiction part donc d'une bonne idée et le téléspectateur perçoit rapidement son potentiel, à mesure que Frank Leo s'affirme et adopte des prises des positions pour lesquelles il lui faut aller à contre-courant d'une hiérarchie arc-boutée sur ses privilèges et ses ambitions.

En s'ouvrant sur un pilote surchargé en drames humains et en problèmes très divers à régler, les scénaristes laissent entre-apercevoir l'ampleur de la tâche qui attend le policier. Figure centrale de l'épisode, au cours duquel son personnage acquiert peu à peu toute sa dimension, Frank renvoie à l'image classique de ces héros droits et responsables, capable de galvaniser ceux qui les entourent, mais également de faire preuve d'un pragmatisme froid et détaché. Un leader manifeste qui, derrière ses accents de simplicité et d'honnêteté, va aisément être apprécié par le téléspectateur, pour qui il va constituer le point de repère à suivre dans ce tourbillon de luttes d'influence intestines et complexes.

S'il est bien un reproche que l'on ne peut pas adresser à ce pilote, c'est de ne pas essayer de nous plonger dans un décor ambigü. La série se place d'office dans un cadre plutôt désillusionné, où les accords sous le manteau et les arrangements en coulisses sont monnaie courante ; où la gestion de la sécurité et le maintien de l'ordre public donnent lieu à des arbitrages parfois un peu douteux, où l'intérêt général apparaît bien lointain. Très rapidement, The Bridge essaye de mettre en lumière des rapports de force tortueux et les manipulations qui ont cours au sein même de l'institution policière, actions qui feraient presque paraître la délinquance quotidienne extérieure comme un détail d'ajustementr en toile de fond. L'instrumentalisation des affaires, le recours aux écoutes, l'infiltration - ou la débauchage - d'informateurs au sein des services, théoriquement sensés travailler à un but commun, tous les moyens sont légitimes et les protagonistes ne reculent devant rien. Schématiquement, s'affrontent ainsi les partisans du statu quo et ceux qui aspirent à un vrai nettoyage et à une remise à plat de l'institution.

Pour autant, aussi louables soient-ils, ces efforts ne sont pas pleinement couronnés de succès. Mon regret majeur reste le caractère très propret, un brin aseptisé, dont souffre l'ensemble. Certes, The Bridge est destiné à un public large, de grand network. Mais, avec ce fascinant, et très prenant, jeu de surveillance et de paranoïa qui s'installe peu à peu, c'est presque un réflexe de dresser des parallèles avec la maîtresse canadienne du genre, Intelligence. Or, cette dernière, diffusée sur CBC, n'était pas non plus câblée. Cependant, cela ne l'a pas empêché d'afficher de réelles ambitions et de toujours essayer, avec ses moyens et à son niveau, d'instaurer une atmosphère très sombre, tendue, se nourrissant de l'ambiguïté de ses personnages comme de celle des situations créées. A mes yeux, cette ambiance plus noire aurait parfaitement collé au sujet de The Bridge, qui pêche par excès de classicisme et de prudence. Elle aurait conféré aux drames, qui s'enchaînent  à un tel rythme dans ce pilote, qu'ils laissent le téléspectateur un brin essouflé, un caractère vraiment marquant, et peut-être permis que la série fasse plus que juste essayer d'esquisser une ambivalence dans les rapports de force qu'elle installe.

L'autre élément sur lequel The Bridge est très perfectible, mais que le temps corrigera éventuellement, renvoie à l'aspect humain du show. En effet, pour une série centrée sur les relations, elle demeure très impersonnelle : le téléspectateur éprouve, tout au long de l'épisode, beaucoup de difficulté à éprouover la moindre empathie et à s'impliquer émotionnellement. Si le héros se complexifie au fil du pilote, sa présence s'imposant d'elle-même alors qu'il acquiert un véritable statut de leader d'hommes, en revanche, les autres personnages, utiles faire-valoirs assez vains, paraissent cantonnés dans des stéréotypes unidimensionnels déjà ennuyeux. Aucun n'attire l'attention, ni ne sort du lot : chacun renvoie à une figure préconstruite assez clichée, introduite sans subtilité. Trop tournée vers un protagoniste central, il faudra que The Bridge travaille plus cet arrière-plan manifestement laissé en friches, et essaye de conférer une certaine épaisseur psychologiques à des individus, pour le moment trop facilement catégorisables.

L'évolution est sans doute faisable, d'autant que le casting est globalement très correct. Outre Aaron Douglas (Battlestar Galactica), qui prend progressivement ses marques et se retrouve parfaitement imprégné du personnage dès la fin du pilote, le téléspectateur croise un certain nombre de têtes connues du petit écran nord-américain : Frank Cassini (qu'on a pu entre-voir dans Da Vinci's City Hall ou Intelligence), Inga Cadranel (The Eleventh Hour, Rent-a-Goalie), Michael Murphy (The Eleventh Hour), Ona Grauer (Intelligence) ou encore Paul Popowich (Angela's Eyes).

Bilan : The Bridge bénéfice d'un angle d'attaque intéressant, choisissant de nous dévoiler les rouages et mécaniques internes à la police. Ce ne sont pas tant les faits divers et les enquêtes, mais plutôt les luttes d'influence, stigmatisant les dérives et excès ayant cours au sein de l'institution, qui vont attirer notre attention. Pourtant, tout en laissant entrevoir un potentiel prometteur, ce pilote, paradoxalement peut-être trop timoré, souffre de défauts importants. Désireux d'accrocher le téléspectateur, les scénaristes n'ont pas hésité à verser dans la surenchère presque gratuite ; les mille et une péripéties qui déciment l'unité de Frank, comme autant d'épreuves et de drames qui se suivent, paraissent un peu trop forcées, en un si court laps de temps, donnant un effet très artificiel. Outre la difficulté à s'impliquer humainement auprès d'autres personnages que le héros, le côté extrêmement classique et calibré de la série se ressent aussi dans l'ambiance. Encore une fois, on perçoit les possibilités offertes, mais, pour le moment, la série ne parvient pas encore à imposer une identité propre, avec son décor passe-partout, sa réalisation conventionnelle et ses choix de bande-son quelque peu hasardeux.

En somme, si ce pilote dévoile des éléments intéressants, il souligne aussi de sérieuses limites conceptuelles, qu'il faudra que The Bridge puisse dépasser.

NOTE : 6/10

La bande-annonce de la série :

(Ma DVDthèque idéale) Cinq dramas canadiens des années 2000

Les séries canadiennes ont longtemps souffert en France d'une exposition relativement confidentielle. Si on a pu constater des progrès importants, notamment initiés avec la diffusion en prime-time de ReGenesis par Arte, il reste encore beaucoup à faire.

Si je ne connais malheureusement que de trop loin les productions de ce pays, voici cinq séries canadiennes de cette dernière décennie que j'accueillerais volontiers dans ma DVDthèque idéale.

Charlie Jade (co-production avec l'Afrique du Sud) (Space, 2005)

Cette série, qui ne comporte qu'une seule saison, est un petit OVNI télévisuel qui mérite vraiment le détour. S'inscrivant dans le genre fantastique, elle met en place un univers sombre, exploitant habilement la thématique des mondes parallèles. Le héros, Charlie Jade, est un détective privé, vivant dans une vaste mégalopole industrielle, Cape City. A la suite d'une rencontre avec une jeune femme perdue, il va découvrir l'existence d'un univers où coexistent trois réalités (l'Alphaverse, le Betaverse et le Gammaverse), dont l'équilibre est sur le point d'être rompu par les actions d'une puissante entreprise de son monde, Vexcor Technologies. Charle Jade est une série déroutante et intrigante à plus d'un titre. A partir d'un budget minimal, elle parvient à créer une atmosphère inhabituelle, impossible à catégoriser, sur la forme comme sur le fond. En effet, la réalisation verse déjà dans l'originalité, exploitant filtres de couleur et cadrages étranges pour créer une impression diffuse de mystère, laquelle est renforcée par un style de narration relâché, qui donne à l'ensemble un ton presque poétique.
Avec quelques effets de style et une histoire complexe, la série réussit la surprise de parvenir à exercer une véritable fascination sur le téléspectateur, qui suit ces aventures avec curiosité, très intrigué. En somme, un OVNI télévisuel très particulier, à découvrir.

Durham County (The Movie Network, 2007-..)

Durham County est une série policière atypique. Bien loin des formula show classiques, les enquêtes ne s'y succèdent pas au rythme saccadé d'une par épisode, mais, au contraire, les intrigues s'étalent, se complexifient et prennent progressivement toutes leurs dimensions. Dans l'atmosphère presque oppressante, voire étouffante, de Durham, sous ces poteaux électriques à perte de vue, nous suivons Mike Sweeney, un policier, qui emménage dans cette nouvelle ville au début de la série, accompagné d'une famille déjà très éprouvée par le cancer de sa femme, et avec l'espoir de repartir à zéro. A partir de cette base, Durham County va à merveille exploiter de solides scénarios, d'où ressort une ambiance pesante. Elle fascine également par l'esthétique de ses images, dominées par des couleurs froides, qui colle parfaitement au ton de la série.
La saison 3 de cette série trop méconnue est actuellement en préparation : une expérience téléphagique à tenter !

Intelligence (CBC, 2006-2007)

Série sombre, elle nous plonge dans les rouages du crime organisé de la région de Vancouver, en s'intéressant tout particulièrement aux rapports étroits et parfois flous qu'entretiennent les autorités et les mafieux. Au milieu de ce champ de bataille urbain, où manipulation et infiltration règnent au sein même de chacun des camps, où tout se monnaye et où la clé du pouvoir réside dans la détention de parcelles d'information, Jimmy Reardon occupe une position prééminente au sein du crime organisé de Vancouver. A la suite d'un concours de circonstances, il va être amené à collaborer avec celle qui dirige la lutte contre le grand banditisme. Intelligence parvient à générer un microcosme complexe, où domine une étrange consanguinité. A la croisée des genres, policier, gangster et espionnage, cette série constitue une des belles réussites canadiennes de ces dernières années. Parmi les nombreuses têtes connues du casting, figure notamment Ian Tracey (Coroner DaVinci).

ReGenesis (The Movie Network, 2004-2008)

"The future is here. Bioterrorism. Designer babies. Frankenfoods. Suddenly Humanity possesses the ability to play god. But is it progress-or madness? Will cutting-edge science be our salvation? Or our demise? The Pandora's box of biotech is wide open. Have we gone too far ?"

Cette série, qui se présente sous la forme d'un thriller scientifique, nous introduit au sein du Norbac, un organisme nord-américain créé pour étudier et faire face aux menaces biologiques et sanitaires que l'avancée des sciences, ou encore les attaques terroristes, font peser sur les sociétés occidentales. Tout en sensibilisant à divers enjeux actuels, la série amène à s'interroger sur les limites et l'utilisation des sciences. Son attrait réside dans le fait qu'elle parvient à conserver un équilibre entre les enquêtes scientifiques, menées par les membres d'une équipe bigarée et soudée, et leur vie personnelle. Progressivement, ReGenesis va d'ailleurs, au fil des saisons, de plus en plus s'intéresser à ses personnages, auxquels le téléspectateur s'est attaché. Tandis que la première saison avait constitué un vaste "toutélié" conspirationniste où tout s'emboîtait à la fin. Même si la qualité fluctue, l'intérêt du téléspectateur ne se dément pas pour cette série très intéressante, qui traite avec beaucoup de sérieux et de rigueur d'une thématique scientifique, insuffisamment exploitée à bon escient dans le petit écran.

Slings & Arrows (The Movie Network, 2003-2006)

"To be, or not to be: that is the question : Whether 'tis nobler in the mind to suffer the slings and arrows of outrageous fortune, or to take arms against a sea of troubles, and by opposing end them?" (Hamlet, Acte III, Scène I)

Ce petit bijou méconnu nous plonge dans un milieu peu exploré par les fictions télévisées : le théâtre. Elle se propose de nous faire vivre le quotidien tumultueux, souvent rocambolesque, mais toujours intense, d'une troupe de théâtre. Chacune des trois saisons qu'elle comporte va être consacrée à la mise en scène d'une pièce particulière de Shakespeare : Hamlet (dont elle tire son titre, en saison 1), Macbeth (saison 2) et enfin Le roi Lear (saison 3).
Slings & Arrows se révèle très vivante et attachante. Elle nous narre, sur un rythme dynamique, la vie de cette troupe, dirigée par une personnalité haute en couleur, Geoffrey Tennant (incarné par l'excellent Paul Gross (Un tandem de choc)), un acteur talentueux mais quelque peu instable mentalement, dont le caractère et les lubies créent souvent plus de soucis qu'il n'en résoud. Tour à tour sarcastique, drôle, émouvante, voire parfois cynique, cette dramédie alterne habilement les genres, pouvant passer avec subtilité du rire aux larmes en un clin d'oeil.
C'est une série originale qui rappelle encore une fois toute la richesse du petit écran : à découvrir sans hésitation !