(J-Drama / Pilote) Limit : de la tragédie à la lutte pour la survie

 

En ce mercredi asiatique, je vous propose de prendre la direction du Japon où la saison estivale bat son plein. Plusieurs dramas actuellement diffusés ont retenu mon attention, notamment Woman, déjà arrivée à mi-saison après ses trois premiers épisodes et sur laquelle je reviendrai une fois la série intégralement vue. Mais c'est un autre drama, d'un genre très différent, qui va retenir mon attention aujourd'hui : Limit.

Proposé par TV Tokyo, le vendredi soir (dans la même case horaire que Yuusha Yoshihiko to Maou no Shiro, par exemple), il s'agit de l'adaptation d'un manga de Keiko Suenobu. Ses épisodes ont une durée moyenne d'une demi-heure environ, pour une diffusion qui a débuté le 12 juillet 2013. Outre son affiche réussie, c'est son concept même, une histoire de survie en milieu hostile, qui avait aiguisé ma curiosité. Toujours est-il que le pilote signe une entrée en matière convaincante.

Limit est l'histoire d'une sortie de classe qui va se changer en drame, puis en cauchemar pour ses survivants. La série débute aux côtés de Konno, une jeune lycéenne ayant parfaitement intégré les codes sociaux de son établissement. Elle appartient à un des groupes de filles les plus populaires, et traverse ainsi sans souci les difficultés d'être adolescent sur les bancs d'une école. Mais son quotidien bien ordonnancé bascule le jour d'une sortie scolaire : le chauffeur du bus, qui les conduisait, elle et ses camarades, vers leur destination, perd connaissance au volant. Le car rempli de lycéens sort alors de la route et tombe dans un ravin.

Lorsque Konno reprend ses esprits, elle découvre que la plupart des occupants du véhicule n'ont pas survécu à la chute, y compris le personnel encadrant. Seules 5 jeunes filles s'extirpent vivantes de ces décombres métalisées. Coupées du monde, car leurs téléphones ne captent pas dans cette forêt dense, elles ne peuvent pas non plus espérer de secours immédiats : le chauffeur n'avait pas emprunté l'itinéraire prévu... Nul ne sait où elles sont. Pour survivre, elles vont devoir chercher des ressources jusqu'au plus profond d'elles-mêmes. Mais les choses s'annoncent d'autant plus difficiles que les adolescentes ayant survécu ont toutes des personnalités très différentes, voire antagonistes... et les tensions sont immédiates.

D'une durée de moins de 30 minutes, ce premier épisode adopte un rythme rapide, allant avec justesse à l'essentiel. Sa construction, classique, est efficace, commençant d'abord par introduire le téléspectateur dans la vie des lycéens. Il le fait par l'intermédiaire de Konno qui, a posteriori, s'improvise narratrice : logiquement, c'est donc avec un regard plein de distance qu'elle réveille ses souvenirs du quotidien d'avant la tragédie, consciente des futilités et des insouciances d'alors, mais aussi des codes qui régissaient ce microcosme, destinés à se perpétuer par-delà les portes de l'établissement. Pour dresser ce portrait de classe, Limit emprunte aux canons les plus traditionnels du high school drama : on y retrouve, pêle-mêle, les populaires, les marginaux, les souffre-douleurs ou encore les potentiels intérêts amoureux. Ces passages permettent de rendre très concrète pour le téléspectateur la tragédie qui est en marche - toutes ces vies qui s'apprêtent à être fauchées -, tout en esquissant les personnalités de celles qui vont survivre. On comprend les relations complexes qu'elles pourront avoir et leurs éventuelles oppositions, voire confrontations. Les deux premiers tiers de l'épisode sont ainsi utilisés pour poser les enjeux et cerner les dynamiques qui seront à l'oeuvre dans la série.

Puis, dans son dernier, Limit entre dans le vif du sujet. C'est là qu'elle conquiert pleinement l'attention : nous faisant vivre les évènements de la perspective de Konno, l'épisode met en scène une tragédie qui frappe au coeur. Depus le flashforward d'ouverture, le récit est construit sur un compte-à-rebours. La tension monte progressivement jusqu'au moment fatidique de l'accident, au cours duquel la série bascule, avec une efficacité redoutable et éprouvante, dans le drame véritablement glaçant. S'ensuivent plusieurs scènes marquantes, à l'intensité émotionnelle palpable, vécues à travers les yeux de Konno. Il y a par exemple le réveil de la lycéenne, avec sa main ensanglantée d'un sang dont elle ne sait à qui il appartient. Puis la prise de conscience de l'ampleur de ce qui s'est produit quand elle découvre, effarée, tous ces corps sans vie, désarticulés, ensanglantés, de camarades avec qui elle passait ses journées de classe. Autre vision d'horreur : celle de la rangée de cadavres écrasés, alignés sur un côté. Le bus s'est transformé en cercueil de fer, implacable et létal. Ce sont là des passages extrêmement forts. Et comme la série adopte le point de vue de Konno, le téléspectateur ressent vraiment le choc émotionnel. L'intensité atteinte dès ce pilote incite à l'optimisme pour la suite : à Limit de se baser sur ce démarrage pour reproduire la même approche prenante en relatant les épreuves à venir des survivantes.

Sur la forme, Limit est une série de TV Tokyo : son budget n'a donc rien de mirobolant. La réalisation s'en sort cependant de manière décente, notamment pour recréer l'accident. De manière générale, on se situe plutôt dans la moyenne de la télévision japonaise, avec les limites qui lui sont inhérentes. Côté bande-son, le drama ne fait pas dans la nuance, offrant une ambiance musicale assez sur-chargée. Si quelques-unes des premières scènes m'ont fait un peu peur par leur sur-utilisation de chansons, la suite se contente d'instrumentaux. L'ensemble est un peu à l'image du générique (cf. 1ère vidéo ci-dessous) : il y a un effort pour construire une ambiance, mais tout n'est pas toujours bien dosé. Le téléspectateur se laisse cependant facilement happer par l'ensemble.

Enfin, le casting est plutôt homogène. C'est Sakuraba Nanami (Last hope) qui interprète Konno, celle par laquelle le téléspectateur va vivre l'histoire. A ses côtés, pour lutter également pour leur survie, on retrouve Tsuchiya Tao (dans un tout autre registre par rapport à son rôle dans Suzuki Sensei où elle jouait l'adolescente qui troublait tant son enseignant), Kudo Ayano (HUNTER~Sono Onnatachi, Shoukin Kasegi~), Yamashita Rio (Kaitakushatachi) et Suzuki Katsuhiro (Shima Shima). Parmi les rôles secondaires, il faut noter notamment la présence de Watanabe Ikkei (Strawberry Night, Magma).

Bilan : Limit signe un premier épisode prenant, mené sans temps mort, et introduisant efficacement la situation et les enjeux particuliers du drama. Le potentiel du concept apparaît pour l'instant bien compris et exploité : l'épisode fait preuve d'une intensité marquante, éprouvante même, pour relater l'horreur que représente la tragédie qui frappe de plein fouet ces lycéens. Partant sur de telles bases, la suite semble prometteuse : il sera question de survie, au sein d'un groupe divisé et face à une forêt hostile, tout en continuant à en apprendre plus sur les survivantes, avec toutes les réactions diverses qu'elles pourront avoir dans cette situation exceptionnelle. A suivre.

NOTE : 7/10

Le générique du drama :

Une bande-annonce du drama :

(J-Drama / SP) Ri Kouran : une artiste entre Chine et Japon

En ce mercredi asiatique, poursuivons l'exploration du petit écran japonais avec un tanpatsu historique datant de quelques années. Ri Kouran a en effet été diffusé sur TV Tokyo en février 2007. C'est une mini-série en deux parties, de 2 heures chacune, qui nous entraîne dans la Chine des années 30 et 40, notamment dans la Mandchourie sous la tutelle du Japon impérial. Son thème, celui d'une personnalité s'efforçant d'être un pont entre les peuples chinois et japonais dans ce contexte très difficile, rappellera aux plus anciens lecteurs de ce blog un intéressant tanpatsu, datant de 2003, Ryuuten no Ouhi - Saigo no Koutei (Princess Hiro). Ce dernier relatait l'union d'un prince chinois de la dynastie Qing et d'une jeune noble japonaise.

Couvrant la même période, Ri Kouran propose lui d'aborder le sujet des rapports entre la Chine et le Japon sous un autre angle : celui du biopic d'une célèbre chanteuse et actrice japonaise qui se fit passer pour chinoise et fit d'abord carrière dans ce pays qui l'avait vue grandir. Le drama est d'ailleurs basé sur l'autobiographie de cette dernière, "Ri Kouran" wo Ikite: Watashi no Rirekish. Pour ceux qui ont vu Ryuuten no Ouhi - Saigo no Koutei, vous vous rappelerez peut-être que Ri Kouran y apparaissait brièvement : elle était alors interprétée par Amami Yuki [Vous pouvez revoir sa scène d'introduction par là]. Pour ce qui est de ce tanpatsu, le rôle a été confiée à Ueto Aya. Si Ri Kouran n'atteint pas la même ampleur que Ryuuten no Ouhi - Saigo no Koutei, il partage avec lui un sujet fort et une dimension culturelle et historique qui méritent un éclairage. 

Ce drama s'intéresse à la période que Ri Kouran, de son vrai nom Yamagushi Yoshiko, passa en Chine, donc à ses vingt-cinq premières années (elle est née en 1920). Ce n'est d'ailleurs qu'à l'âge adulte que la jeune femme découvrira pour la première fois le Japon. En effet, Yoshiko est née et a grandi dans la Mandchourie occupée, bientôt érigée en Etat pantin, Mandchoukouo. Depuis toujours, elle a été immergée dans la culture chinoise. Non seulement son père, professeur de langue enseignant le mandarin, s'est-il assuré qu'elle serait bilingue, mais elle devient aussi la fille adoptive de dignitaires chinois, amis de ses parents. Elle est même envoyée faire ses études à Pekin, alors que les tensions sino-japonaises sont au plus fort.

Initiée au chant par une professeure russe lorsqu'elle était adolescente pour raffermir des poumons maladifs, elle fait ses débuts en tant que chanteuse et actrice chinoise, sous le nom de Li Xianglan (Ri Kouran en japonais). Si elle pensait avec la naïveté de la jeunesse que l'art pouvait unir les peuples, elle se retrouve vite embrigadée dans des oeuvres de propagande japonaise en Mandchourie, apparaissant dans des films qui déclenchent plus d'une controverse. Son étoile et son statut n'en continuent pas moins de s'élever, son chant traversant les nationalités et les frontières, sa popularité atteignant même le Japon.

Mais cette carrière initiée à la fin des années 30 est rattrapée par la réalité des conflits et la guerre. Ri Kouran est prise entre deux peuples, et deux loyautés. Après la reddition du Japon en 1945, elle est arrêtée et menacée d'être exécutée comme traître à la Chine.

Si Ri Kouran est le récit d'une destinée personnelle, son intérêt tient d'abord au fait qu'il relate une vie menée malgré les tourbillons d'une Histoire difficile. Il offre un éclairage complet sur la période des décennies 30-40 en Asie. En effet, suivre les pas de Yoshiko à travers la Chine, de la Mandchourie jusqu'à Shangai en passant par Pekin, est l'occasion de proposer en filigrane une riche reconstitution historique. Dès son plus jeune âge, celle qui deviendra Ri Kouran est témoin des exactions japonaises - notamment une exécution qui la marquera profondément. La politique expansionniste du Japon impérial se poursuivant, Yoshiko assiste impuissante à la montée des tensions. 1937 signe un premier tournant, avec le début de la guerre sino-japonaise. Au gré de ses périples, la jeune femme croisera différentes figures historiques, comme Kawashima Yoshiko, princesse mandchoue qui restera dans la mémoire collective surnommée la "Mata Hari orientale".

Par ailleurs, la jeune actrice-chanteuse ne sera pas seulement touchée par le conflit avec la Chine, voyant des amis chinois embrasser la lutte contre le Japon, elle perdra aussi des êtres chers dans l'escalade qui se poursuit, cette fois, avec la Guerre du Pacifique. A travers ses yeux, le drama relate de façon synthétique et didactique tous les évènements qui, de Pearl Harbor aux bombes atomiques, en passant par la bataille des Philippines et Iwo Jima, vont conduire à la reddition japonaise de 1945. Se voulant rigoureuse, la narration manque parfois un peu de fluidité. Mais il faut y voir surtout le sérieux avec laquelle tout cela est rapporté, car il y a une volonté manifeste de fidélité pour transposer à l'écran les passages les plus marquants de l'autobiographie dont le drama est l'adaptation. Cela occasionne des déchirements jusqu'aux dernières minutes du drama, lorsque Yoshiko apprend que les parents de sa meilleure amie russe furent victimes de l'unité 731.

Cependant si Ri Kouran est une occasion intéressante pour évoquer tout un pan d'Histoire, le drama se démarque d'autres fictions du genre en raison de la particularité de sa figure principale : ce n'est pas seulement l'histoire d'une japonaise, c'est surtout le portrait d'une figure profondément liée à la Chine, et qui va donc se retrouver prise entre deux cultures, écartelée entre deux loyautés qui ne peuvent qu'être antagonistes dans le contexte d'alors. Les premières années de la carrière de Ri Kouran sont d'ailleurs placées sous le signe de cette ambivalence constante, le drama n'hésitant pas à mettre en exergue ses rapports ambigus avec le Japon. Sa carrière se construit et se nourrit du flou entretenu autour de sa nationalité : parfaitement bilingue du fait de son éducation, elle peut sans difficulté se prétendre chinoise, et c'est ce qui lui sera demandé.

Du haut de son adolescence et d'une jeunesse forcément empreinte de naïveté, elle pense qu'une artiste peut s'élever par-dessus les frontières et les peuples, pour constituer un pont, un point d'union par-delà les tensions. D'une certaine façon, elle va réussir à trouver un écho auprès de ses deux peuples qui lui sont chers, mais au prix d'une instrumentalisation par l'industrie japonaise du spectacle installée en Mandchourie. Ri Kouran découvre en effet un monde de la culture politisé, aussi marqué par les tensions que le reste de la société, au sein duquel les oeuvres deviennent des outils de propagande. Ce n'est que progressivement qu'elle prend conscience du poids des images et des responsabilités qu'elle doit porter lorsqu'elle accepte de tourner des scènes très mal accueillies par son public chinois. Entre l'idéal de communion de ces deux cultures qu'elle chérit et l'époque dans laquelle elle vit, il y a un gouffre qu'elle ne pourra combler. Mais à son niveau, avec ses moyens, elle gardera ses certitudes et ses convictions, jusqu'à la chute finale du drama où c'est désormais une Yoshiko âgée, qui tout en ayant conscience du lourd passif existant entre la Chine et le Japon, reste sur ses positions de conciliation, pour réunir ces deux cultures qui sont toujours chacune une part d'elle-même.

Sur la forme, Ri Kouran mérite surtout le détour pour l'ambiance musicale dans laquelle elle immerge le téléspectateur, retraçant ces premières années de la carrière de Ri Kouran en proposant quelques unes de ses oeuvres les plus emblématiques (pour des exemples, cf. les vidéos ci-dessous). Ces chansons chinoises confèrent au drama un charme certain. La narration trouve le juste équilibre entre ces quelques parenthèses musicales et le récit, évitant tout excès de chant. La réalisation est en revanche plus limitée : si la reconstitution historique est honnête, avec le recours opportun à des images d'archives pour apporter une dimension plus authentique, Ri Kouran ne parvient à recréer l'impression d'immersion dans une véritable fresque à laquelle parvenait Ryuuten no Ouhi - Saigo no Koutei. La caméra et les effets d'images restent en retrait, se limitant à quelques effets de teinte colorés.

Enfin, côté casting, du fait du sujet du drama, Ri Kouran repose en grande partie sur les épaules de Ueto Aya (Attention Please, Zettai Reido). L'actrice n'a sans doute pas une palette de jeu la plus étendue qui soit, mais elle trouve la plupart du temps le ton qui convient pour interpréter ce personnage de star malmenée par les évènements et des circonstances si difficiles, et qui tente dont de trouver sa voie et de s'affirmer. A ses côtés, ce sont respectivement Hashizume Isao et Natori Yuko qui jouent les parents de Ri Kouran. On retrouve également au fil du drama Kikuawa Rei, Nakamura Shido, Sawamura Ikki, Ozawa Yukiyoshi, Ono Takehiko, Nakamura Fukusuke, Kaneda Akio, Tsuruta Shinobu, Nishida Ken ou encore Nakayami Megumi. L'ensemble demeure correct, même si quelques-uns versent dans le sur-jeu.

 

Bilan : Ri Kouran est un tanpatsu intéressant qui repose sur un sujet fort, bénéficiant d'une figure centrale magnétique dont les rapports avec la Chine et le Japon sont chargés d'une ambivalence à part. Entremêlant la destinée personnelle de cette star et les violents soubresauts de la grande Histoire, le drama se fait souvent assez didactique, mais il reste capable d'impulser à l'ensemble une vitalité appréciable. Cependant certaines limites d'écriture et de mise en scène l'empêchent d'exploiter tout son potentiel. Sur ce dernier point, il est aussi possible que Ri Kouran souffre du fait que je l'ai visionné après Ryuuten no Ouhi - Saigo no Koutei (Princess Hiro). Les thèmes des deux tanpatsus sont proches, mais je retiens du premier une oeuvre plus aboutie capable de marquer émotionnellement. Reste que ce sont toutes deux des fictions qui méritent assurément un coup d'oeil pour leur éclairage sur cette période, et pour leur message, porteuses chacune à leur manière d'espoir et de conciliation entre la Chine et le Japon.

NOTE : 6,5/10

Un extrait (musical) du drama :

Une chanson de Ri Kouran (avec des photos de la chanteuse/actrice) :

(J-Drama / Pilote) Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi : une parodie de jeux de rôle toujours aussi percutante et drôle

[Would you like to start a quest?]
[Yes]   ->[No]
[What are you saying? Are you stupid?]
[If you don't select "YES", we can't start!]
[It will be "Majisuka Gakuen 3" again this week!]
[Don't tell me that's better!?]
[Well...]
[Really..]
[I'm not trying to intimidate you or anything]
[I'll ask you again okay?]

 

Parmi les attentes de l'automne au Japon, outre des nouveautés, figurait un retour qui, tout particulièrement, était placé en haut de mes priorités de dramas à suivre. Après avoir créé son petit buzz il y a un an, Yuusha Yoshihiko est en effet de retour pour une deuxième saison sur TV Tokyo depuis le 13 octobre 2012. Souvenez-vous, c'était cette savoureuse parodie se réappropriant pour mieux les détourner les codes des jeux de rôle dans un cadre de fantasy qui m'avait fait sacrément rire l'été dernier. Elle avait été une excellente surprise et un de mes coups de coeur comiques en provenance du Japon en 2011 (vous qui connaissez ma désaffection chronique pour tout ce qui se rapproche du genre comédie, vous mesurez l'exploit). Désormais nommée Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi, cette suite promet de s'inscrire dans la même veine que la première saison. Restait à savoir si l'inspiration des scénaristes serait au rendez-vous pour permettre à la série d'éviter l'écueil de la répétition. A voir ces débuts, on peut être optimiste !

Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi s'ouvre cent années après la quête suivie lors de la première saison, culminant avec l'affrontement contre Maou. Un siècle a passé, et l'oeuvre de nos héros devenus légendaires semble désormais n'être plus qu'un lointain souvenir. En effet les monstres sont de retour sur Terre, regagnant du terrain et menaçant les villages. A nouveau, les hommes se cherchent un héros, quelqu'un à qui confier cette quête de lutter contre eux et de les repousser. Et, à nouveau, les volontaires pour cette aventure téméraire ne se bousculent pas.

Ayant conservé quelques enseignements de Yuusha Yoshihiko, ceux de son village en appellent à la divinité qui avait guidé les pas de leur héros 100 ans auparavant, le fameux Hotoke. Ce dernier répond à leurs prières et accepte de ramener à la vie l'équipe qui avait autrefois vaincu Maou. Voilà donc Yoshihiko et ses trois compagnons de retour pour reprendre les armes contre les monstres. Il s'agit cette fois de partir en quête d'une clé qui repoussera ces derniers hors de cette réalité. Evidemment, Hotoke, fidèle à lui-même, a négligé quelques détails lorsqu'il a rappelé Yoshihiko...

Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi réussit l'exploit de conquérir le téléspectateur dès le dialogue introductif complètement décalé qui occupe ses premières secondes d'écran noir (cf. le passage reproduit en introduction de ce billet). La seconde saison est dès lors parfaitement posée, clamant haut et fort que les codes des RPG seront toujours omniprésents, pour toujours être mieux détournés. L'approche parodique décomplexée se révèle à nouveau particulièrement réjouissante. D'autant plus que rien ne se prête mieux aux chutes inattendues surréalistes et au développement allant à rebrousse-poil que la période précédant une quête, durant laquelle on s'efforce de dénicher le héros à qui l'on pourra faire porter la responsabilité du combat contre les monstres. La première saison s'était démarquée dès le départ grâce à cela, la seconde séduit pareillement en revisitant les scènes les plus classiques du genre pour mieux en changer le dénouement et offrir quelques réparties cinglantes qui provoqueront plus d'un franc éclat de rire. A ce petit jeu de la surenchère, il faut accorder une mention spéciale au descendant de Yoshihiko, un gamin plein aplomb dont les répliques à contre-courant offrent quelques-uns des meilleurs passages du premier épisode.

Plus généralement, Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi réussit parfaitement la réintroduction prétexte de nos quatre héros, ramenés à la vie cent ans après leur dernière aventure ensemble... Ce premier épisode s'avère être un véritable Hotoke-show. La divinité, passée maître dans l'art de s'emmêler les pinceaux, oublie bien des détails fondamentaux pour s'assurer de la mise en ordre de bataille de nos héros. Du retour en vieillard incapable de tenir une épée jusqu'à l'absence de sauvegarde de niveau - les forçant ainsi à reprendre tout au début de la quête, Hotoke ne leur épargne rien. Pour la plus grande exaspération de nos protagonistes, mais évidemment pour le plus grand enthousiasme d'un téléspectateur que ces contre-temps amusent grandement. Il faut noter que la première saison n'est pas oubliée : le drama renoue de manière inspirée avec certains de ses running-gags. Il recycle aussi des dynamiques réussies, capable de les revisiter en adoptant d'autres approches (comme le montre le deuxième épisode). Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi part donc sur de solides bases, détournant avec toujours autant d'enthousiasme les clichés et les règles si universelles de l'univers des jeux de rôles... il y a sans conteste matière à nourrir une nouvelle saison pleine.

 

Sur la forme, Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi reste un "Low Budget Action Adventure Story". C'est ce qui fait son charme. Le drama s'est toujours fait une spécialité de tirer profit de son absence de budget, pour mieux rivaliser d'imagination afin d'introduire des effets extrêmement cheap qui contribuent au côté décalé de l'ensemble. Rien de tel, pour provoquer un sourire, que d'introduire un terrible monstre en carton bleu de niveau 1, ou de faire garder un objet important par une terrible peluche sanguinaire... d'une hauteur d'une poignée de centimètres. L'environnement intègre pleinement, en l'assumant et en la cultivant, la dimension parodique de la série qui, en plus, ne coûte pas un sou. La réappropriation des codes du RPG reste cependant fondamental, jusque dans les effets sonores. Et l'excellent nouveau générique bien rythmé (cf. la vidéo ci-dessous) est aussi très riche en symbolique, introduisant parfaitement l'univers.

Enfin, on retrouve dans cette deuxième saison le même casting principal que pour la première pour la satisfaction d'un téléspectateur qui ne pouvait imaginer ne pas revoir la dynamique qui s'était installée entre eux. Yamada Takayuki (Churasan, Byakuyako) réendosse le costume du héros par excellence. S'il est toujours entouré de Kinami Haruka (Sunao Narenakute, BOSS 2), Takuma Shin (Komyo ga Tsuji) ou encore Muro Tsuyoshi (Tofu Shimai), le premier épisode laisse plus particulièrement libre expression à un Sato Jiro (Control~ Hanzai Shinri Sousa)  en forme dans un registre plein d'excès : il s'amuse manifestement beaucoup en divinité dérangée en pleine réunion familiale, toujours vaguement irresponsable, si loin de l'image de sage vénérable et omniscient attendue.

 
 

Bilan : Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi signe un retour dans la droite ligne de sa très drôle première saison. Parodie rythmée et dynamique nous immergeant dans les codes si bien réglés (et trop familiers) de l'univers des jeux de rôle, ce drama manie les chutes inattendues, les ruptures de tonalité et une dimension décalée revendiquée avec un aplomb et un enthousiasme communicatifs. Véritables invitations à s'amuser devant son petit écran, ces 25 minutes hebdomadaires seront certainement un de mes rendez-vous téléphagique préféré des semaines à venir. Et c'est tant mieux.

Si vous avez apprécié Yuusha Yoshihiko to Maou no Shiro, vous êtes sans doute déjà installés devant Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi. Si vous n'avez pas encore mis un pied dans ce drama à part, il n'est pas trop tard pour apprécier cette comédie joyeusement décomplexée.

NOTE : 7/10

Le générique de la saison :

 

(J-Drama) Suzuki Sensei : un high school drama consistant et attachant

 

Restons au Japon en ce mercredi asiatique ! Je voudrais revenir aujourd'hui sur un drama dont je vous ai déjà parlé à plusieurs reprises depuis l'automne dernier : Suzuki Sensei. Les sous-titres anglais avaient été placés en hiatus pendant un temps, mais ils ont finalement été complétés et j'ai donc pu reprendre mon visionnage (je tenais à avoir tout vu avant d'en rédiger une critique). Il faut dire que ce drama aura été une belle surprise, dans laquelle je me suis lancée initialement pour une raison qui vous fera sans doute sourire : son affiche bigarrée et colorée m'interpellait. Je suis habituellement peu versée dans les high school dramas, mais voilà bien l'exception qui confirme la règle.

Suzuki Sensei a été diffusé sur TV Tokyo du 25 avril au 27 juin 2011. Il s'agit de l'adaptation d'un manga éponyme de Taketomi Kenzi. D'une durée de dix épisodes de 45 minutes environ, il sera complété par un film qui a été depuis annoncé - en dépit d'audiences pour le moins assez faibles. Outre le fait d'avoir réussi à me passionner pour une série ayant pour cadre un lycée, Suzuki Sensei aura aussi marqué ma première rencontre - juste avant Kaseifu no Mita - avec son acteur principal, Hasegawa Hiroki (que, sans y prendre garde, je ne quitte plus depuis - il a même un rôle secondaire dans mon actuel second coup de coeur japonais de 2012 qu'est Unmei no Hito).

La lecture du synopsis de Suzuki Sensei ne laissait pas entrevoir la particularité de ce drama. En effet, il est présenté comme une série entendant s'intéresser tout particulièrement aux dynamiques parcourant une classe de lycéens, non seulement du point de vue des élèves, mais surtout en s'arrêtant sur leur professeur principal, Suzuki Akira. Ce dernier est un enseignant extrêmement dynamique, dont les méthodes atypiques et parfois provocantes ne font pas l'unanimité du corps professoral, mais lui permettent de jouir d'une solide popularité auprès de ses élèves.

En effet, il n'hésite pas à responsabiliser ces derniers, cherchant toujours à provoquer une réflexion chez ces adolescents en quête de repères. Loin de vouloir leur imposer une discipline rigide, il encourage au contraire les confrontations orales au sein de sa classe, orchestrant des échanges très animés permettant de crever les abcès de tension et de créer une dynamique de groupe agréable pour travailler. Essayant de développer leur sens critique, persuadé que c'est en faisant des erreurs que l'on apprend, il oblige ses élèves à se dévoiler et à se révéler, construisant peu à peu une vraie solidarité entre eux.

Les méthodes ne sont pas orthodoxes, mais le fil conducteur du drama dans lequel un professeur tente d'apporter des solutions aux problèmes d'adolescents reste familier. Outre la touche personnelle de l'enseignant, Suzuki Sensei aborde de front, sans tabou, des sujets qu'on a peu l'habitude de voir traiter aussi crûment et directement (notamment la question de l'éducation sexuelle), prenant parfois des positions loin de faire l'unanimité. Initiant le débat, c'est un drama qui retient l'attention.

La réussite de Suzuki Sensei, au-delà de sa qualité de l'écriture et du soin apporté à la mise en scène, tient en premier lieu à l'empathie que la série va être capable de susciter auprès du téléspectateur. En s'efforçant de prendre le pouls d'une classe, mais aussi du métier d'enseignant, elle développe un versant émotionnel fort qui ne laisse pas indifférent. Ayant tendance à surligner les états d'âme des élèves comme de leur professeur, le drama semble parfois excessif dans les réactions qu'il dépeint. Pourtant, il se montre toujours touchant et, surtout, vivant. Car son grand atout est le travail réalisé sur la personnalité de chaque personnage. Adolescents comme adultes, leur caractérisation est dense et aboutie. Aucun n'est unidimensionnel, ni ne sert de faire-valoir. Chacun gagne en complexité et en profondeur tout au long de la saison, avec quelques scènes - notamment de discussions collectives - qui sont de vrais bijoux en terme d'échanges spontanés.

Cette dimension humaine très affinée explique le fort attachement que j'ai pu éprouver devant ce drama : c'est une suite de portraits que Suzuki Sensei dresse et affine au fil de ses épisodes. Ses protagonistes, avec leurs contradictions, leurs doutes et leurs certitudes, apparaissent entiers et authentiques. Les lycéens, ayant encore tant à apprendre sur la vie, se brûlent souvent les ailes pour apprendre certaines réalités ; mais ils le font avec l'intransigeance et l'aplomb de l'adolescence. La force de la série est également de ne pas se contenter de s'intéresser à quelques individualités, mais de montrer un intérêt sincère pour la vie d'un collectif. J'ai rarement assisté à une telle mise en scène réussie d'une ambiance de groupe, amenée avec une construction narrative cohérente et un final habile qui conclut tous les arcs ouverts et tire les conclusions - parfois même les plus difficiles - du semestre écoulé.

Si Suzuki Sensei est capable d'interpeller le téléspectateur, il le doit aussi à son personnage principal. Suzuki Akira a a priori tous les traits classiques du professeur atypique si cher aux high school drama. S'exprimant avec une assurance communicative, il est charismatique et n'hésite pas à sortir des sentiers battus. Cependant il n'en demeure pas moins humain, avec les limites inhérentes à cette nature. En choisissant de nous faire partager certaines de ses pensées ou assister à ses rêves, la série éclaire toutes les facettes les plus ambivalentes du personnage. Certes il est sincèrement passionné par son métier, veut le bien pour ses élèves, mais il reste faillible. Non seulement, en se laissant emporter par ses convictions, il commet des erreurs relationnelles - vis-à-vis de collègues, mais aussi d'élèves - qui peuvent avoir des conséquences dramatiques. Mais de plus, il reste un homme, ne contrôlant pas ses réactions : ses fantasmes sur une de ses étudiantes et le trouble qu'il mettra longtemps à contenir face à elle éclairent un versant plus sombre, bien éloigné du professeur idéalisé par ses élèves.

C'est cette part d'ambiguïté qui est la caractéristique marquante et l'apport de Suzuki Sensei. Les méthodes d'enseignement particulières de Suzuki encouragent les confrontations de points de vue, et permettent d'esquisser des débats de fond. En laissant la parole aux élèves, elles aboutissent à de sacrées introspections. Ce parti pris d'une réflexion collective peut paraître utopique - et la matûrité dont font preuve certains élèves peut surprendre -, mais il confère au drama une légitimité pour parler sans détour de problèmes et de questionnements d'adolescence, avec une triple problématique centrale : l'amour, le sexe et la morale. Le drama n'hésite pas à investir des sujets sensibles et à donner des réponses controversées. On ne partage pas forcément les vues de l'enseignant, mais la dynamique tranche avec toute approche manichéenne et consensuelle (évitant justement certains jugements). Mon principal regret, ici, est de connaître insuffisamment le Japon et sa société pour pouvoir recontextualiser la série (la place de l'éducation sexuelle, les débats qui existent sur le sujet...). Cependant, avec ses moyens, Suzuki Sensei offre un instantané nourri de paradoxes et de prises de position sujettes à discussion. Il essaie d'initier des questionnements ; et même s'il n'ira pas au bout de sa réflexion, la démarche est intéressante.

Intrigante sur le fond, Suzuki Sensei m'a également agréablement surprise sur la forme. La réalisation est maîtrisée, bénéficiant de plans aboutis appréciables. Et, surtout, elle use habilement de filtres qui influent sur l'atmosphère de la série : l'image est en effet très travaillée, avec des couleurs saturées aux teintes sombres. C'est une identité visuelle que l'on n'aurait pas forcément associé à un high school drama, mais qui se justifie pleinement. Elle fonctionne d'autant mieux que la série bénéfice d'une excellente bande-son : la chanson rock du générique de début (cf. la vidéo en fin de billet) et celle plus dramatique qui vient conclure les épisodes sont extrêmement bien choisies ; et les instrumentaux qui accompagnent ont souvent quelque chose de déchirant, simples bruitages par moment, qui contribuent à construire la tonalité ambivalente du drama.

Enfin, Suzuki Sensei bénéficie d'un convaincant casting. Comme je l'ai déjà évoqué, le personnage principal est interprété par Hiroki Hasegawa (Second Virgin, Kaseifu no Mita, Seinaru Kaibutsutachi). Cela reste sans doute le meilleur rôle dans lequel j'ai pu voir l'acteur : énergique et charismatique, il parvient bien à capturer les ambiguïtés d'un professeur passionné qui n'en a pas moins d'importantes failles, et auquel on s'attache justement pour ces limites. Du côté des adultes, Usuda Asami (Kurumi no Heya) incarne sa petite amie, tandis que Tomita Yasuko joue une enseignante avec qui la concurrence va s'exacerber. Cependant, la grande réussite de ce drama vient tout particulièrement des jeunes acteurs (Tsuchiya Tao, Fujiwara Kaoru, Miki Honoka, Nishii Yukito...) interprétant les élèves : avec une spontanéité rafraîchissante, ils délivrent des performances sincères qui sonnent juste. L'homogénéité et l'authenticité qui émanent de cette galerie de lycéens renforcent la crédibilité et l'attachement que l'on peut porter à ce drama. 

Bilan : Bénéficiant d'une écriture solide, abordant sans détour les sujets difficiles qui agitent l'adolescence en ayant l'habileté de présenter de manière consistante tant les points de vue du professeur que des élèves, Suzuki Sensei est un drama qui interpelle et ne laisse pas indifférent. Le téléspectateur s'attache à cette galerie de protagonistes dont les états d'âme, exacerbés, sonnent terriblement humains. C'est une oeuvre qui recherche et assume une intensité émotionnelle assez fascinante. Au-delà des prises de position à débattre, la mise en scène des dialogues et des questionnements rend ce high school drama particulièrement vivant et authentique. Une intéressante surprise.

NOTE : 8/10

Le générique :

(J-Drama / Pilote) Yuusha Yoshihiko to Maou no Shiro : une parodie dédiée à tous les amateurs de jeux de rôles

 

Aujourd'hui, je vous propose un mercredi asiatique tout spécialement dédié aux amateurs de jeux de rôles (voire à tous ceux qui ne sont pas imperméables à des thématiques de fantasy). Pour perpétuer la tradition de ce blog qui veut que je vous parle d'au moins une série japonaise en cours de diffusion par saison, voici donc pour marquer cette fin d'été, un drama qui ne laisse pas indifférent : Yuusha Yoshihiko to Maou no Shiro, c'est-à-dire Yuusha Yoshihiko and Maou's Castle.

La série est diffusée sur la chaîne Tv Tokyo, depuis le 8 juillet 2011, dans sa case horaire du vendredi soir après minuit. Elle devrait comporter 12 épisodes, faisant environ 25 minutes chacun. Comme elle l'annonce elle-même dès son générique, Yuusha Yoshihiko to Maou no Shiro ne dispose d'aucun budget. Mais elle a su intégrer cet aspect à son histoire, pour mieux défier tout sérieux, en se réappropriant dans le même temps les codes classiques des RPGs', et plus précisément, ici, de Dragon Quest. Ce n'est pas toujours fin, mais c'est souvent drôle et rythmé. Un petit plaisir assez jubilatoire.

Yuusha Yoshihiko to Maou no Shiro se déroule il y a longtemps, à une époque médiévale où la nature prédominait et où les esprits côtoyaient des monstres plus inquiétants. Une mystérieuse épidémie se répand, causant de nombreuses morts d'un village à l'autre. Le père du personnage principal, Yoshihiko, est parti il y a déjà plus de six mois en quête d'une plante légendaire devant apporter un remède contre cette terrible maladie. Mais, sans nouvelle de lui, le village se résigne à mener une nouvelle cérémonie pour désigner un autre héros afin de reprendre cette quête vitale.

C'est Yoshihiko que désigne l'épreuve d'extraction de l'épée plantée dans la roche. Le nouvel héros du village part sans délai, laissant derrière lui une soeur inquiète. Sur le chemin, il croise rapidement trois compagnons, pas forcément très bien disposés à son égard initialement, mais qui vont entreprendre le voyage à ses côtés : un guerrier, une jeune femme souhaitant venger son père (elle est persuadée que Yoshihiko est celui qui l'a tué) et un magicien aux pouvoirs douteux. Si Yoshihiko retrouve, lui, rapidement son père (et les herbes voulues), une divinité va soudain apparaitre au petit groupe prêt à se séparer. Le grand Hotoke leur confie une nouvelle mission d'une toute autre ampleur : défaire Maou, puissance ancienne et malveillante qui s'est réveillée et menace désormais le monde.

Le premier atout de Yuusha Yoshihiko to Maou no Shiro va être de consciencieusement rassembler tous les ingrédients scénaristiques classiques - et légitimement attendus - que l'on croise dans les jeux de rôles. L'histoire suit ainsi une trame qui nous est familière, reprenant des recettes connues. Le héros, parti initialement sur les traces de son père, se voit confier une quête principale révélée à la fin du premier épisode, qui met en jeu le sort du monde et désigne son adversaire, personnifiant la lutte du Bien contre le Mal. Au fil des épisodes, la progression de la petite troupe est entravée par des missions secondaires dont il hérite au gré des rencontres, s'égarant à la découverte d'obscurs objets magiques et se lançant dans les sauvetages les plus téméraires d'innocents en détresse.

Tout en reprenant la mythologie et le cadre de fantasy propres aux jeux de rôles, la série cultive une tonalité volontairement décalée. Elle adopte en effet une approche parodique totalement décomplexée, normalisant les ressorts narratifs et la logique d'ensemble qui président au fonctionnement de cet univers. Le souci de fidélité des scénaristes à leur concept de départ doit être souligné : il faut saluer avec quel soin le récit, mais aussi la mise en scène, apparaissent codifiés comme dans un jeu vidéo. Les règles à suivre, les étapes à franchir, les combats à mener, jusqu'au niveau variable des méchants à affronter, tout est là... Et c'est sur cette base travaillée que la série va pouvoir construire et développer sa dimension humoristique.

Car Yuusha Yoshihiko to Maou no Shiro est avant tout une comédie dynamique réussie. Bénéficiant d'une écriture acérée et très vive, son rythme soutenu et ses dialogues ne manquant jamais de réparties sont un terrain propice pour créer et nourrir les décalages les plus invraisemblables. Jouant sur de brusques changements de tonalités, le drama multiplie les ruptures dans le récit, précipitant des chutes qui aiment prendre à contre-pied les attentes logiques du téléspectateur. En fait, le drama s'amuse à suivre la feuille de route traditionnelle de son genre, accentuant même à l'excès certains stéréotypes, pour mieux ensuite dévier et finir par les détourner. Ainsi, par exemple, une des premières scènes donnent immédiatement le ton : l'épée plantée dans le rocher (un classique) désigne bien Yoshihiko comme "le nouvel élu" (normal)... mais ce n'est pas lui qui la retire : elle tombe par terre avant même qu'il ait posé la main dessus (!).

Si tout se finit invariablement comme attendu, la série s'assure cependant toujours que rien ne se passe comme prévu pour parvenir à ce résultat. Du sauvetage d'une demoiselle en détresse prête à être sacrifiée à une divinité locale au combat contre un terrible monstre impliquant la maîtrise d'une puissante épée fusionnant avec une âme humaine, tout se présente a priori sous les formes prévisibles dans une fiction sur un tel sujet... Sauf que la série manie admirablement l'art de la variation parodique, empruntant des chemins détournés avec un aplomb et un enthousiasme communicatif. De plus, le drama ne recule pas non plus devant un certain nombre de running gags qui finissent par devenir les rendez-vous incontournables de l'épisode (par exemple, le fait que Yoshihiko soit le seul à ne pas voir à l'oeil nu la divinité censée le guider dans sa quête - et qu'il y parvienne finalement grâce à... des lunettes 3D).

Côté casting, on croise dans ce drama beaucoup de têtes familières du petit écran japonais. Le groupe est assez homogène et sait parfaitement jouer sur la fibre parodique, ni complètement sérieux, ni totalement à côté de la plaque : ils incarnent des stéréotypes, et leur jeu se prête parfaitement à ces personnages. C'est Yamada Takayuki (Churasan, Byakuyako) qui incarne le héros Yoshihiko que l'on va accompagner dans cette quête initiatique. A ses côtés, on retrouve également Kinami Haruka (Sunao ni Narenakute, BOSS 2), Muro Tsuyoshi (Tofu Shimai), Takuma Shin (Komyo ga Tsuji), Okamoto Azusa (Moyashimon) ou encore Sato Jiro (Control ~ Hanzai Shinri Sousa).

Enfin, c'est sur la forme que je vais exceptionnellement conclure car elle est d'une grande importance, voire même déterminante pour installer l'ambiance de la série, accentuant la dimension parodique de l'ensemble. Si Yuusha Yoshihiko to Maou no Shiro n'a pas de budget, elle va réussir à transformer ce manque en véritable atout. En effet, elle revendique pleinement son absence de moyens pour mieux jouer sur un côté extrêmement cheap entretenant des décalages visuels permanents. La forme est ici un élément humoristique à part entière. Comment résister et ne pas exploser de rire devant la seule vision de ces improbables monstres en plastique, face à ces bruitages électroniques façon jeux vidéos qui accompagnent les combats, mais aussi devant certaines "élipses" volontaires (le héros s'éloignant de son village sur un "cheval" dont la présence n'est que suggérée). Tous les effets spéciaux excessivement low cost qui parsèment la série entretiennent un second degré rafraîchissant, portés par une bande-son où retentit toujours une musique prompte à verser dans un épique de circonstance tout aussi en décalage.

S'il serait possible de multiplier les exemples pour montrer à quel point, tout autant que l'écriture des dialogues, la forme joue un rôle déterminant dans la série, je crois que les screencaptures ci-dessous seront sans doute plus parlantes que la plus imagée de mes descriptions.

Au moins, dès le générique, les choses sont claires pour le téléspectateur.

Le cadre de fantasy : des esprits de la forêt... (souvenez-vous, Mononoke !)

Monstres (méchants).

Combat (avec bruitage et effets spéciaux).

Et puis quand le manque de budget se fait trop sentir, le drama use d'une autre tactique : il bascule brièvement en... dessin animé.

Monstre (très très méchant). Trop effrayant pour être montré en "live".

Combat sanglant (trop violent pour être montré en "live").

Bilan : Comédie souvent jubilatoire, toujours divertissante, parfois surprenante, Yuusha Yoshihiko to Maou no Shiro investit un univers de fantasy qui, derrière son apparence fidèle aux jeux de rôles traditionnels, va cultiver avec un enthousiasme communicatif les décalages les plus improbables. Dotée d'une écriture très vive, la série excelle dans une dimension parodique où les brusques changements de tons et les chutes les plus inattendues se multiplient, rythmant des épisodes qui se déroulent sans le moindre temps mort. Yuusha Yoshihiko to Maou no Shiro va ainsi rapidement toucher et conquérir le coeur du public ciblé : ne boudons pas notre plaisir !

NOTE : 7/10

La bande-annonce de la série :

Le générique :

(source : Ladytelephagy)