(UK) Doctor Who, season 6, episode 7 : A good man goes to war

"Demons run
when a good man goes to war.
Night will fall and drown the sun
when a good man goes to war.
Friendship dies and true love lies.
Night will fall and the dark will rise
when a good man goes to war."

Nous voilà arrivés au septième épisode et déjà se referme la première partie de cette saison 6. Une demi-saison qui aura eu ses hauts et ses bas, avec ses instants réussis prompts à susciter jubilation et enthousiasme, mais aussi sa part de frustrations. C'est un euphémisme que d'écrire que cet épisode de clôture printanière était "attendu" ; je l'ai lancé avec une excitation mal contenue, mêlant espoirs et craintes. Et j'en suis ressortie sacrément soulagée : s'il n'est pas parfait, notamment dans sa construction narrative, j'y ai retrouvé une étincelle particulière, cette pointe de magie et de fantastique à laquelle j'associe la série. En résumé, il s'agit d'un épisode mythologique, divertissant, rempli d'émotions et de révélations proposant un cocktail qui fonctionne.

Sous le choc de la découverte de la substitution d'un ganger à Amy, à la fin de l'épisode précédent, nous avions abandonné la jeune femme en plein accouchement. Elle donne naissance à une petite fille, prénommée Melody Pond, qui représente tout l'enjeu du kidnapping d'Amy. En effet, sa conception, à bord d'un Tardis voyageant dans le vortex espace-temps, aura laissé des conséquences sur l'ADN de ce bébé, que les militaires conçoivent comme une arme potentielle contre le grand guerrier tant craint qu'est le Docteur. En attendant de pouvoir remplir leurs objectifs à plus long terme, conscients que le Time Lord a découvert la supercherie du ganger, les Marines l'attendent de pied ferme, alliés pour l'occasion aux glaçants Seigneurs Sith Moines Sans Tête.

Ils ont d'ailleurs bien raison de craindre l'arrivée prochaine du Docteur, car ce dernier s'active. Rory et lui parcourent la galaxie en rassemblant une véritable armée, sollicitant les faveurs de tous ceux qui ont une dette envers le Time Lord. Mais lorsque Rory vient logiquement chercher l'aide de River Song pour l'organisation du sauvetage, cette dernière se doit de décliner, gravement, l'invitation à se joindre à la bataille à venir. Elle pose l'enjeu de l'épisode tout en révélant de manière sibylline les évènements qui s'annoncent : "The Doctor's darkest hour. He'll rise higher than ever before and then fall so much further. And...I can't be with him till the very end."

Si le caractère marquant de l'épisode tient surtout à sa dimension mythologique, la pointe de magie mêlée d'épique dans laquelle on se laisse entraîner réside bien dans l'orchestration de cette opération de sauvetage pourtant vouée à l'échec dès le départ. Il faut dire que c'est toujours un plaisir, jamais démenti, que de voir se réunir sous nos yeux tout cet univers bigarré et éparpillé, au doux parfum de pure science-fiction, qui fait l'identité de la série. A mon sens, le premier quart d'heure est un vrai modèle du genre, et peut-être le passage le mieux maîtrisé de l'épisode. En effet, parvenant à jouer pleinement dans un registre plus suggestif (la bataille qu'il annonce), il se concentre sur les préparatifs des deux camps, permettant de bien souligner l'importance du tournant qui s'annonce.

Ce début est d'autant plus déterminant que d'affrontement au sens propre du terme il n'y aura pas, du moins dans un premier temps. En effet, c'est de manière expéditive, et sans verser une seule goutte de sang, que le Docteur et ses alliés prennent le contrôle de la base militaire, suivant un plan millimétré où l'effet de surprise fonctionne. L'ensemble est non seulement agrémenté de quelques face-à-face et autres réparties jubilatoires, mais il n'hésite pas non plus à verser dans un émotionnel de circonstances : Rory découvrant sa fille restera une de ces images qui va droit au coeur. Il y a une vraie empathie qui émane de ces scènes, et le téléspectateur ne saurait y rester insensible.

Cependant, aussi enthousiasmant que soit la dynamique globale, sacrément galvanisante, qui transcende l'épisode, il convient cependant de nuancer quelque peu ce ressenti. En effet, l'épisode suit un schéma de narration cher à Doctor Who, conséquence de ces time lines qui s'entremêlent : l'annonce prophétique de River, au tout début, nous renseigne sur ce qu'il va se jouer à Demons' run. Seulement si le recours à ce procédé d'un narrateur extérieur, quasi-omniscient par certains côtés, est très fréquent dans la série, il confère ici une trop grande prévisibilité à l'intrigue. Le Docteur va s'élever, pour ensuite descendre plus bas qu'il n'est jamais descendu. La victoire rapide à laquelle on assiste un temps n'est qu'illusoire, le téléspectateur n'en est que trop conscient.

Si bien qu'on ne peut partager ces quelques moments d'insousciance du milieu de l'épisode, se contentant d'attendre patiemment le retour de bâton qui va être si destructeur. Et quand, par un ultime rebondissement, on découvre enfin la réelle étendue de la manipulation, la révélation en tomberait presque à plat, même si ses conséquences nous touchent sur un plan plus émotionnel. Melody n'est pas Melody, mais un ganger. Si la scène où Amy découvre la vérité est absolument déchirante - Karen Gillan est parfaite -, la raison du téléspectateur rechigne malgré tout à admettre l'utilisation de l'exact même procédé que celui qui avait permis d'enlever Amy si longtemps. L'impression qu'il y a une forme de facilité scénaristique à ainsi laisser abuser deux fois le Docteur a un petit arrière-goût un peu frustrant.

Reste que, plus que l'aventure elle-même, c'est par son apport mythologique que l'épisode s'impose comme un incontournable. Dans cette optique, il s'inscrit dans la directe continuité de la demi-saison, concrétisant ce que l'on percevait ou spéculait.

Tout d'abord, il a le mérite d'initier une réflexion fascinante sur le Docteur. La signification de son nom prend soudain une dimension supplémentaire : le fait que son action influe sur le sens même du mot dans notre langue a quelque chose de vertigineux, absolument fascinant, donnant l'impression de venir véritablement boucler la boucle des rapports entre le Docteur et les Humains. Si l'anecdote retiendra que Steven Moffat y songeait déjà en... 1995 (mémoire du web quand tu nous tiens), le discours de River apportant une lumière toute autre que l'approche traditionnelle de son action intervient à point nommé. En effet, le glissement du Docteur vers un côté plus sombre, plus guerrier, a été perceptible durant toute la saison. Et soudain, le voilà confronté à la portée de ses actes, face à des conséquences qu'il n'avait jamais envisagées. Un grand moment !

Cette fin d'épisode est doublement marquante car elle apporte aussi l'autre "révélation" attendue à cette question qui nous hante depuis sa première apparition durant la saison 4 : qui est River Song ? Si on avait sans doute eu dernièrement plus que des soupçons sur son identité, il restait le plus difficile à mettre en scène : la dernière étape, celle de la révélation. La gestion en deux temps est très opportune. Commencer par une confrontation avec le Docteur se justifie parce que c'est en arrière-plan toute leur relation particulière, avec laquelle nous sommes devenus familiers, qui défile. La façon dont il passe d'une expression extrêmement sombre et menaçante à cette joie presque émerveillée fait vraiment plaisir à voir. Puis, c'est l'autre relation qui va être traitée : celle qui n'avait jusqu'à présent pas été établie, celle avec ses parents. Car River Song est Melody Pond. On retient presque son souffle en espérant que tout sonne juste dans ce face-à-face. Et c'est le cas : River voit sa place consacrée dans la mythologie whonienne de la plus convaincante des manières. 

Bilan : A good man goes to war conclut de belle façon cette demi-saison qui aura cependant été quelque peu inégale. Il remplit avec brio sa part de promesses mythologiques, tout en laissant suffisamment d'éléments en suspens pour nous promettre trois mois de spéculations intensives (notamment sur les Silence). Les pièces du puzzle ont été éparpillées, et il n'y a rien de plus grisant pour récompenser un téléspectateur fidèle que de les voir se remettre en place. Un seul réel bémol tempèrera un peu mon enthousiasme face à cette conclusion : une prévisibilité dommageable qui modère la portée plus épique de l'épisode, lui ôtant tout réel suspense. Doctor Who nous a habitué à ce type de procédé narratif, mais ici, le scénario peut-être trop loin dans la distance qu'il pose avec les évènements du récit.

Rendez-vous dans quelques mois pour une suite que j'attendrais avec impatience, soulagée d'avoir retrouvé dans ce dernier épisode ce soupçon de magie qui m'a fait tomber amoureuse de cette série. 

NOTE : 8/10

La bande-annonce de l'épisode :

(K-Drama) Freeze : déroutante simplicité pour une troublante et mélancolique approche du thème des vampires

 

Après m'être concentrée sur les nouveautés au cours de ces dernières semaines, c'est un bilan d'une série plus ancienne que je vous propose en ce mercredi asiatique : celui de Freeze. Elle figurait sur ma liste de dramas à découvrir depuis presqu'une éternité, une critique chez Ageha ayant tout particulièrement retenu mon attention. Il faut dire que le résumé contenait un mot clé susceptible d'éveiller mon intérêt par-delà les continents téléphagiques, le mot "vampire". C'était d'autant plus efficace que, jusqu'à présent, je n'avais jamais regardé une seule série asiatique abordant ce thème particulier.

Présenté comme atypique et ne suivant pas forcément les canons préconçus du genre, ce drama m'intriguait. Son autre avantage résidait dans le fait qu'il s'agit d'une série très brève : 5 épisodes d'un peu plus d'une heure chacun. Elle avait d'ailleurs été diffusée sur une petite semaine à la fin du mois d'octobre 2006 sur Home CGV. Par sa construction, elle se regarde sans doute plus comme un long "long métrage" que comme une véritable série. Et si elle peut dérouter à plus d'un titre, j'avoue m'être laissée envoûter par Freezze et son ambiance à part d'une bien étrange mais plaisante façon.

Si l'histoire de Freeze se déroule dans le présent, elle a débuté il y a plusieurs siècles. Baek Jung Won, alors jeune homme, sauve une belle femme, I-Wha, du bûcher auquel elle avait été condamnée par son village. Dans leur fuite, Jung Won est grièvement blessé. Refusant de laisser son sauveur mourir, I-Wha lui fait cadeau de ce qu'elle a de plus cher afin de lui permettre de survivre : son sang, qui le transforme en vampire. Les années ont passé depuis. Si les deux vampires sont restés associés, possédant actuellement un bar à vin à Séoul, Jung Won traîne désormais son immortalité comme une malédiction, emporté dans une dépression qui le fait se mourir à petit feu, tandis que I-Wha assure leur subsistance en achetant le sang dont ils ont besoin pour se nourrir.

Cette situation précaire bascule le jour où Jung Won reçoit une lettre d'une femme qu'il a tant aimé, mais qu'il a abandonné à regret il y a une vingtaine d'années, sa nature de vampire ne pouvait permettre cette passion. Elle est désormais malade et c'est à ses funérailles qu'il se résoud finalement à se rendre. Il y retrouve la fille qu'elle a eu avec un autre homme, père alcoolique et absent qui n'a jamais su la rendre heureuse. Si Jang Ji Yun n'était qu'une enfant quand Jung Won fréquentait sa mère, elle est devenue une jeune fille en quête de sens dans sa vie, profondément marquée par ce décès. Prenant Jung Won pour le fils de l'ancien amour de sa mère, Ji Yun se laisse entraîner vers la capitale, curieuse d'en apprendre plus. Après bien des réticences, le vampire accepte de l'héberger, ouvrant la voie à une étrange et indéfinissable relation, tandis qu'une peur sourde se répand en ville : un serial killer rôde, vidant ses victimes de leur sang... les vampires existeraient-ils ?

Freeze a ceci de paradoxal qu'il s'agit d'une série mettant en scène des vampires, mais dont cette thématique ne va pourtant pas être centrale. En réalité, le drama se joue plutôt volontairement d'un certain nombre de codes classiques du genre - l'idée de tuer pour se nourrir apparaît, par exemple, comme une barbarie tombée en désuétude ("pour qui te prends-tu ? Dracula ?" tance ainsi I-Wha). Cependant, si la question vampirique reste une simple toile de fond, elle n'en est pas moins déterminante par le biais d'une problématique qu'elle va permettre d'explorer : celle de l'immortalité. La déchirure provoquée par l'impossibilité de poursuivre une vie "normale", la blessure insondable que représente le fait de voir vieillir, puis mourir, un être cher, vont être des constantes qui fondent la tonalité pesante teintée de fatalité et de mélancolie de la série.

Plus précisément, Freeze, c'est l'histoire d'une relation qui ne peut pas être et apparaît vouée à l'échec avant même de s'être vraiment installée. Doté d'un rythme de narration d'une lenteur travaillée qui peut dérouter un public non averti, le drama se complaît dans un récit quasi-contemplatif relatant le rapprochement progressif de deux êtres. La mise en scène est épurée à l'extrême. On peine presque à oser employer le mot qui est pourtant déterminant, "l'amour", tant les sentiments sont ici réduits à leur plus simple expression. Ils demeurent comme figés dans l'image étonnamment froide que renvoie l'esthétique poétique de la série. Pourtant cette retenue n'empêche pas le drama de chérir sa part d'humanité : la moindre scène rompant la glace, distillant une touche d'humour ou d'ironie, voit ainsi son impact multiplié et touche plus sûrement le coeur du téléspectateur.

Freeze est une série qui se ressent plus qu'elle ne se regarde ; l'action, minimaliste, s'efface presque derrière l'ambiance qu'elle construit. L'écriture du drama se nourrit de ses paradoxes, cultivant et mêlant une noirceur parfois étouffante et une innocence rafraîchissante. Cette combinaison, envoûtante en un sens, fait naître une forme de fascination pour l'ensemble qu'il est difficile de traduire en mots ou même de rationnaliser. Les cinq épisodes se savourent d'une traite, comme un (long) long métrage, sans que l'on parvienne à s'en détacher. En raison de sa froideur latente et de l'impression d'inachevé qu'il laisse à la fin, il est sans doute difficile de véritablement aimer au sens premier du terme ce drama. Mais il constitue indéniablement une expérience télévisuelle originale dont on ne ressort pas complètement indemne.

Parce que le charme indéfinissable de Freeze réside justement dans son ambiance, il est logique que sa forme s'impose comme un atout déterminant, particulièrement soigné. Paradoxalement, c'est sans doute par sa sobriété, à laquelle se conjuge une impression de détachement glacé, que la réalisation se démarque et permet au drama de se trouver une identité visuelle qui lui est propre. Tout comme le récit qu'elle met en images, la caméra sait prendre son temps. Sa lenteur travaillée lui permet ainsi de soigner chacun de ses angles. Les plans, esthétiques, en deviennent parfois presque poétiques, tandis que la photographie joue sur des teintes à la fois colorées et sombres.

Pour accompagner cette mise en scène qui lui sied parfaitement, la série bénéficie en plus d'une bande-son particulièrement bien inspirée. La musique reste une constante dans la narration, mais au lieu de prendre le pas sur les scènes, elle les accompagne souvent en fond sonore lointain jamais envahissant. Par la sincérité qui en émane - loin de tout effet clipesque -, l'OST marque par le fait qu'elle incarne comme rarement l'âme même de ce drama. Ses compositions alternent les instrumentaux au piano, où perce une forme de mélancolie, écho à la tonalité du récit, et des chansons ambivalentes, oscillant entre légèreté et tristesse. 'Never cry' est notamment un petit bijou de ballade pop qui illustre bien cette dualité de ton.

Enfin, pour porter cette histoire à l'écran, Freeze bénéficie d'un casting au sein duquel scintille une superbe Park Han Byul (Oh! My Lady) ; non seulement l'actrice incarne un personnage qui, par sa fraîcheur, propose un contraste saisissant avec l'ambiance pesante générale, mais elle apporte aussi une forme d'étincelle au drama, encouragée par une caméra qui lui offre de bien belles scènes visuelles. Lui donnant la réplique, Lee Seo Jin (Damo, Soul) joue un vampire tourmenté qu'il est plus difficile de cerner. Il s'en tire honorablement dans un rôle compliqué à exprimer. A leurs côtés, les rôles secondaires finiront par surprendre par leur relative consistance, une fois les clichés de départ évacués. On y retrouve notamment Son Tae Young, Lee Joon, Lee Han Wie, Ji Dae Han ou encore Kim Kang Gyu.

Bilan : Drama à la fois classique et déroutant, Freeze n'est pas une série de vampires au sens premier du mot. C'est par sa simplicité extrême, narrative autant qu'émotionnelle, que le drama trouve une identité originale. L'histoire, paraissant réduite à sa plus simple expression, renvoie l'impression d'une troublante et touchante sincérité. Laissant un sentiment d'inachevé à la fin de ces cinq épisodes, cette série fait sien un style contemplatif et épuré d'une lenteur travaillée qui ne conviendra sans doute pas à tous. Mais j'ai pour ma part vraiment apprécié cette expérience, y retrouvant cette authenticité unique, toute en retenue, caractéristique du style de narration sud-coréen que je chéris tant.

NOTE : 7/10

Une chanson de l'OST ("Fate") et un aperçu de la série par le MV proposé :

(US) The Borgias, saison 1 : une ambivalente série, entre superficialité et humanité

Les voies de la télévision étant impénétrables (ou hautement stratégiques), les droits de The Borgias version Showtime ont été achetés, en France, par Canal +, laquelle doit nous proposer prochainement sa propre fiction sur le sujet, sobrement intitulée Borgia, signée Tom Fontana. Une façon d'éviter tout parasitage entre deux projets qui seront fatalement forcément comparés. Reste à déterminer comment traiter ce sujet a priori pimenté, mais auquel il faut savoir donner une consistance sur le long terme d'une, voire plusieurs saisons. En un sens, il y a presque trois décennies, la BBC avait déjà montré les écueils sur lesquels il était facile de s'échouer en s'attaquant à l'histoire d'une telle famille sur cette toile de fond italienne déchirée de la fin du XVe siècle.

Après les dix épisodes qui comportaient cette première saison, il est cependant temps de dresser un premier bilan, alors que la série a d'ores et déjà été renouvelée. J'ai suivi l'ensemble presque sans décalage, ce qui, en soit, plaide en faveur de The Borgias vu mes retards accumulés au cours du mois de mai. Pour autant, cette saison est loin d'avoir été exempte de défauts. L'enthousiasme des débuts a laissé placer à pas mal de frustrations, engendrées par des maladresses structurelles, caractéristiques d'une insuffisance d'ambition scénaristique assez dommageable. Pour autant, tout n'est pas à renier dans The Borgias ; et je pense suivre la saison 2.

 

Cette première saison est construite sur des bases narratives très académiques a priori efficaces. Elle propose un grand arc qui va sceller la confirmation de l'ascension des Borgias : de l'élection d'Alexandre VI jusqu'à une confrontation finale, face aux Français et au cardinal Della Rovore, que le pape, par une ultime manipulation et un dernier retournement, parvient à surmonter. Cependant c'est peu dire que la série aura pris des chemins parfois trop détournés pour nous narrer cette lutte de pouvoirs, cédant aisément à la facilité des mises en scène amoureuses trop creuses et déconnectées des réels enjeux. Le milieu de saison est un cap difficile à passer, tant le rythme de la série se ralentit au profit d'ébats un peu vains. Peut-être dix épisodes constituaient-ils une durée encore trop longue pour l'histoire envisagée, huit épisodes auraient sans doute suffi. 

Pourtant, on souhaiterait pardonner aux Borgias bien des soubressauts qualitatifs en raison de l'attrait que suscite le sujet traité. Parce que se laisser entraîner dans la géopolitique complexe de l'Italie éclatée en royaumes de l'époque a quelque chose d'assez grisant. Parce que, par éclipse, cette carte postale colorée qui nous est dépeinte laisse transparaître tout son potentiel ; mais les scénaristes ne sauront jamais prendre la mesure de ce tableau déchiré. En effet, dans ces jeux de pouvoirs létaux, The Borgias reste trop souvent dans le registre du folklore historique. Au-delà de quelques éclairs, poignée de dialogues qui sonnent justes et qui maintiendront toujours ce relatif espoir de voir la série aller au bout de son idée, les Médicis ou Machiavel resteront ces figures historiques, inhérentes au cahier des charges, mais traitées de façon caricaturale et distante, sans jamais vraiment trouver leur place. Cela donne à la mise en scène un côté un peu artificiel qui frustre les attentes du téléspectateur.

Au fond, le problème principal de ces Borgias-là est un manque d'ambition et de vision de scénaristes archeboutés sur un concept qui leur a paru plus prudent de magnifier visuellement et esthétiquement, qu'en s'appropriant véritablement une histoire dont la complexité pouvait vite égarer. Pour autant, si ce sont mes regrets qui s'expriment par ces quelques lignes teintées d'amertume, il serait excessif de nier les atouts d'un série qui peut s'apprécier sur certains points. Certes l'intrigue politique et militaire qui amène à l'appel aux Français reste par trop linéaire, mais elle constitue cependant un fil rouge qui n'est pas déplaisant à suivre.

Mais au-delà de ce faste romain, la véritable force de cette fiction est ailleurs. C'est finalement par ses personnage que The Borgias a su retenir mon attention jusqu'au bout. S'ils ne sont pas toujours écrits de la manière la plus subtile qui soit, ils ont su plus sûrement que tout le reste m'impliquer dans leur destinée et les choix qu'ils ont pu faire. Car The Borgias est peut-être avant tout cela : une série sur l'ascension au sommet, ou plutôt, la survie d'une famille au sein de laquelle le patriarche nourrit suffisamment d'ambitions pour tous ses membres.

Chacun des protagonistes semble porté par ses propres ambivalences et ses paradoxes. Les rapports d'Alexandre VI à sa fonction demeurent aléatoires, profondément empreints d'une piété soudaine devant la charge qu'il occupe, mais n'hésitant jamais à faire preuve d'un pragmatisme et ne reculant devant aucune manipulation. Il aménage une forme de coexistence entre sa foi et une hypocrisie inhérente à ses choix qui rend le personnage difficile à cerner. De même, sa vision de sa famille oscille entre une finalité purement utilitariste et l'expression de sentiments paternels qui ne transparaissent qu'exceptionnellement. Ses rapports ambivalents avec Cesare constituent d'ailleurs une des dynamiques narratives les plus consistantes de la saison.

La frustration de ce dernier, confiné dans cette fonction d'homme d'église qu'il n'est pas, ne cesse de grandir, le conduisant peut-être encore plus sûrement vers cette voie sombre où il commandite sans sourciller des assassinats. Les sentiments guident pourtant toujours des actions qu'il exécute par contraste avec réel un sang froid : c'est une loyauté ou une dévotion envers ses points cardinaux qui le déterminent : sa famille, sa soeur, puis la belle Ursula. Le personnage qui évoluera le plus au cours de la saison sera incontestablement Lucrezia, l'adolescente chérie gâtée des débuts deviendra femme, les épreuves la fortifiant et lui faisant découvrir ce pragmatisme amoral qui n'est rien d'autre que l'instinct de survie dans cette société où, de par son statut, elle est contrainte d'évoluer. Et que dire de Juan, dont les désillusions de grandeur, ne font que le précipiter plus durement vers un douloureux retour à la réalité, les fanfaronnades ne suffisant plus lorsque la réelle lutte commence ?

S'ils se déchirent entre eux de la plus intime et cruelle des façons, se faisant souffrir tant par leurs natures différentes que par leurs caractères propres, ils demeurent unis dans l'adversité de cette Italie qui rêve de les voir déchus. C'est sans doute ici que se trouve la fascination que peut exercer la série : c'est dans ces convergences d'intérêts, dans ces loyautés troublées mais qui demeurent scellées par un amour familial qui nous transporte parfois aux confins d'une morale qui n'a de toute façon pas de place en ces milieux. The Borgias n'est finalement pas tant une série sur le pouvoir, qu'une série sur une famille confrontée au pouvoir. Et c'est peut-être en admettant cela qu'elle peut s'apprécier en dépit des limites qu'elle manifeste dans les autres registres.

Enfin, le casting n'aura pas dépareillé pour finalement parvenir à humaniser cette fresque historique. Tout en imposant une présence incontournable dans chacune de ses scènes, Jeremy Irons aura parfois un peu trop cédé aux paradoxes de son personnage. Les bonnes surprises sont venues de ceux incarnant ses enfants : le charmant François Arnaud (Yamaska) - le seul que je ne connaissais pas et qui restera pour moi la révélation de cette première saison - et Holliday Grainger (Demons, Above suspicion, Any human heart), mais aussi David Oakes (Les Piliers de la Terre) même s'il dispose d'un temps d'écran un peu moindre, surent parfaitement refléter les ambivalences, comme l'intensité des désirs, de ces figures qui ne sont pas maîtresses de leur destin.

Bilan : Si la première saison de The Borgias manque d'homogénéité, si les tenants et aboutissants politiques et militaires des jeux de pouvoirs italiens de la fin du XVe siècle ne seront jamais pleinement maîtrisés, la série va cependant se découvrir au fil des épisodes une autre force qui permettra au téléspectateur de lui pardonner bien des limites. Car c'est dans la dimension humaine qu'elle développe, dans ces rapports familiaux ambivalents, scellés par l'instinct de survie plus que par le sang, que va naître un attachement à cette série. La scène finale, qui peut surprendre au vu des épreuves traversées, consacre finalement cette approche plus humaine qui est celle dans laquelle The Borgias s'épanouit le mieux.

NOTE : 6,25/10

Le générique :

La bande-annonce de la série :

(K-Drama / Pilote) City Hunter : une adaptation libre et divertissante du célèbre manga

"Une ombre file dans la nuit, c'est un assassin qui s'enfuit, et comme un démon il sourit, son crime restera impuni..."

Non, le premier mercredi asiatique de juin ne sera pas consacré à un karaoké des génériques de notre enfance. Mais j'avoue que lorsque j'ai entendu parler de ce projet de drama pour la première fois, c'est cette musique - qui parlera forcément à toute une génération de téléspectateurs - qui a retenti dans ma tête. De la version animée édulcorée connue en France sous le nom de Nicky Larson, je n'ai que des souvenirs très confus, entre massue volante et drague permanente. Mais que nul ne s'inquiète : la version sud-coréenne de City Hunter est sans rapport direct avec l'histoire de l'oeuvre japonaise dont elle emprunte le nom, même si on y retrouve une certaine tonalité "manga" assez caractéristique.

Diffusé depuis le 25 mai 2011 sur SBS, ce drama s'inscrit dans la lignée des thrillers adoptant la thématique traditionnelle de la vengeance, oscillant entre drame et légèreté pour atteindre un juste équilibre. Les séries d'action n'étant pas le genre qui réussit le mieux à la télévision sud-coréenne ces derniers temps, je n'avais pas vraiment d'attente vis-à-vis de ce projet. Et si certaines facilités narratives ont corroboré mes craintes, je dois dire que j'ai malgré tout apprécié ces deux premiers épisodes qui, en terme d'ambiance et de personnages, parviennent à s'imposer.

City Hunter débute le 9 octobre 1983 (par un évènement s'étant réellement produit). Lors d'une visite du président sud-coréen en Birmanie, un attentat à la bombe coûte la vie à plusieurs officiels et détruit entièrement le bâtiment où il se rendait. Cinq responsables haut gradés imaginent alors immédiatement une réponse sanglante face à cette provocation nord-coréenne : l'envoi d'un commando d'élite qui exécuterait un certain nombre de dignitaires du régime de Pyongyang. La mission est confiée à deux officiers sud-coréens qui étaient présents au moment de l'attaque, Lee Jin Pyo et un ami dont la femme vient tout juste d'accoucher. Mais alors que le plan est mis à exécution en territoire nord-coréen, au sud, des pressions, notamment diplomatiques, conduisent les commanditaires à se rétracter. Pour ne pas risquer d'être découverts, ordre est donné au sous-marin envoyé sur les côtes ennemies pour récupérer le commando de les abattre à vue.

Un seul en réchappe : Lee Jin Pyo. A son ami qui se sacrifie pour lui, il jure de s'occuper de son fils encore bébé, Lee Yoon Sung, et, surtout, de les venger tous. C'est dans un camp paramilitaire reculé de Birmanie que le garçon, enlevé à sa mère tout jeune, va grandir. Lee Jin Pyo a en effet pris la tête d'un réseau de trafic de drogue. L'entrée dan l'âge adulte va s'opérer brutalement le jour où il apprend le véritable dessein de celui qui a longtemps prétendu être son père. Acceptant d'être l'instrument de la vengeance que ce dernir ourdit, le jeune homme se fabrique une autre vie au Texas. C'est en diplômé du MIT qu'il rentre en Corée du Sud, recruté comme spécialiste des réseaux de communication à la Maison Bleue. Il y retrouve une jeune femme déjà croisée, dotée d'un sacré tempérament, avec laquelle il va finir bon gré, mal gré, par former une équipe détonnante. Cependant Lee Jin Pyo est là pour lui rappeler qu'une seule chose importe : la vengeance.

S'il débute par un premier épisode excessivement musclé permettant de poser la tragédie qui va rester la toile de fond de l'histoire, City Hunter n'est pourtant pas un simple drama d'action. Il surprend agréablement par cette humanité qui émane de lui dès le deuxième épisode. La série choisit de s'assurer la fidélité du téléspectateur par ses personnages principaux qui, s'ils restent à travailler, se révèlent surtout très attachants. La dynamique fonctionne d'emblée entre un Yoon Sung, à la fois joueur et un tantinet acteur, cultivant une apparence faussement détachée, et une Na Na, au caractère trempé qui lui donne immédiatement la réplique sur un pied d'égalité. Le drama prend d'ailleurs un malin plaisir à mixer les signaux, se complaisant dans un étonnant et assez savoureux mélange des tonalités, trouvant le juste équilibre entre des confrontations adultes et une pointe d'espièglerie assumée. Il émane de ce duo, aussi complémentaire qu'improbable, une vitalité communicative, sur laquelle pèse pourtant plus d'une épée de Damoclès.

Grâce à cette dimension humaine affirmée, City Hunter évite au moins temporairement l'écueil sur lequel ont échoué tant de dramas labellés "action / thriller", quand ils font l'erreur de tout miser sur une intrigue qui, à la moindre faille, conduit l'ensemble au naufrage. Car aussi plaisante à suivre qu'elle soit, la série ne manque pas de faiblesses pénalisantes pour la crédibilité de l'histoire. Dotée d'une tendance certaine à céder à la facilité, n'hésitant pas à récourir à des ficelles narratives un peu grosses, elle témoigne aussi d'un goût prononcé pour l'art des coïncidences, le tout sans être au-dessus de quelques clichés caricaturaux tout aussi dispensables (la chute finale de l'épisode 2 étant assez représentative de ces limites un peu frustrantes). Et si l'attachement à la dynamique d'ensemble permet au téléspectateur de ne pas se formaliser, il est quand même regrettable que les scénaristes n'aient pas fait preuve de plus d'ambition sur des aspects qui seraient si facilement perfectibles.

Reste que, à partir de ces fondations narratives, où les atouts ne sont pas forcément ceux qui étaient attendus a priori, City Hunter s'impose dans le registre du divertissement d'action touche-à-tout. Le drama adopte, avec une certaine réussite, une ambiance volontairement volatile directement héritée du manga. Les enchaînements, du larmoyant dramatique à des passages plus légers où percent des accents presque burlesques, auraient pu paraître désordonnés, voire brouillons, dans n'importe quelle autre fiction. Or la série parvient à capitaliser sur une forme de spontanéité d'écriture assez indéfinissable, aussi surprenante que rafraîchissante. Pour le moment, la recette fonctionne et le téléspectateur se laisse donc embarquer sans déplaisir dans l'aventure.

Permettant d'asseoir visuellement le drama, la forme s'avère être d'excellente facture. City Hunter bénéficie d'une réalisation dynamique qui sied aux scènes d'action, sans pour autant tomber dans un excès de nervosité. De plus sa photographie soignée laisse la part belle à une teinte colorée assez chatoyante, qui est un vrai plaisir pour les yeux du téléspectateur. La bande-son est également agréable à l'écoute, notamment parce que les épisodes sont parsemés de divers brefs instrumentaux qui rythment à propos la tonalité des différentes scènes qu'ils accompagnent. Et si le coup de foudre n'a pas été instantané avec les chansons de l'OST, elles retiennent cependant favorablement l'attention du téléspectateur. Notons aussi un clin d'oeil appréciable à la source d'origine, avec un générique ambiance manga (cf. la deuxième vidéo en fin de billet).

Enfin, City Hunter bénéficie d'un casting attachant et sympathique, chacun trouvant rapidement ses marques. Si le duo formé par les deux personnages principaux est aussi attrayant, il le doit aussi aux acteurs qui partagent une sacrée alchimie à l'écran. Lee Min Ho (Boys over flower, Personal Taste) dispose ici d'un rôle vraiment fait pour lui, mi-play-boy, mi-homme d'action ; tandis que Park Min Young (Running Gu, Sungkyunkwan Scandal) apporte l'étincelle qu'il convient à la jeune femme qu'elle incarne, qui a surmonté bien des obstacles dans la vie et n'a pas l'intention se laisser marcher dessus. Les deux acteurs se donnent parfaitement la réplique pour nous offrir des confrontations ne manquant pas de piquant et auxquels on assiste avec une certaine jubilation. A leurs côtés, on pourra également compter sur le toujours solide Lee Joon Hyuk (City Hall, I am Legend), en substitut du procureur dont les enquêtes risquent de l'amener à croiser nos deux héros plus d'une fois, mais également sur Hwang Sun Hee ou encore Goo Ha Ra (du groupe KARA).

Bilan : City Hunter signe des débuts assez plaisants car divertissants au bon sens du terme, prompts à séduire le téléspectateur. Si le drama emprunte aux codes du thriller de vengeance, il est loin de se résumer à ce seul genre : sa tonalité mélange les influences et trouve le juste équilibre en introduisant une touche de légèreté et de fraîcheur. C'est d'ailleurs dans cette ambiance générale que se ressent la marque du manga d'origine, à défaut d'inspirer l'histoire qui nous est racontée. La série n'évite ni certains clichés un peu lourds, ni l'art des coïncidences exagérées, mais elle bénéficie de personnages attachants dont on a envie de suivre les aventures. Ce cocktail rythmé s'apprécie donc sans arrière-pensée, mais il faudra cependant faire attention à ces excès et à ce manque de subtilité dans l'écriture pour la suite. 

NOTE : 6,5/10

La bande-annonce de la série :

L'opening :

 

Une chanson de l'OST :

(UK) Doctor Who, season 6, episodes 5 & 6 : The Rebel Flesh & The Almost People

 

Second double épisode de cette première partie de saison 6, The Rebel Flesh et The Almost People donnent quelque peu raison à ma récente résolution d'attendre désormais un visionnage de l'intégralité de l'histoire avant d'en rédiger une review. En effet, il est assez symptomatique des défauts classiques dont souffre à l'occasion ce choix de format, c'est-à-dire une première partie un peu faible, que vient rattraper une seconde plus affirmée et dont la chute finale achève de faire oublier le reste du scénario, en le présentant a posteriori sous une toute autre perspective. L'aventure trouve soudain une justification légitime ; et le téléspectateur reste de toute façon tout à son choc de fin d'épisode, comptant frénétiquement les jours jusqu'au prochain épisode.

L'aventure débute lorsque le Tardis, voyant son voyage perturbé par une déflagration solaire, attérit précipitamment sur Terre quelques siècles dans le futur. L'île isolée que découvrent nos trois compagnons en sortant du vaisseau abrite une structure extrayant et exploitant de l'acide qu'elle transfère au continent. Si l'accueil de l'équipe travaillant sur place est aussi glacial que méfiant, le papier psychique du Docteur leur sauve une énième fois la mise, permettant de les introduire officiellement comme des météorologues envoyés en raison de la tempête solaire annoncée. Car les premières fluctuations ne sont que le signe avant-coureur d'une déferlante de radiations autrement plus intense.

Or cette exploitation utilise un procédé communément répandu à l'époque sur Terre pour contourner la dangerosité de leur métier, la moindre erreur dans la manipulation d'acide pouvant se révéler très vite fatale. Ils ont recourt à une matière particulière, désignée sous le terme de flesh, à laquelle ils transfèrent leurs personnalité et souvenirs : ces gangers agissent et courrent donc les risques à leur place. Les gangers demeurent toujours sous contrôle et sont exploités à des fins purement utilitaires, sans faire de cas de l'individu dont il recueille tous les caractères.

Seulement la tempête solaire, plus forte que prévue, va dérégler ce contrôle, les créatures s'émancipant de tout contrôle. Les humains se trouvent soudain confrontés à leurs doubles. La peur et l'instinct de survie va pousser chaque camp dans ses retranchements, mais les mystères cachés dans les gangers sont loin d'avoir révélés tous leurs secrets...

Ce double épisode investit un thème particulièrement cher à la science-fiction : est-ce que ces gangers, une fois animés et indépendants, dotés d'une personnalité, quittent le statut de simple "chose" et peuvent être considérés comme des êtres dont la vie mérite la protection ? C'est la sempiternelle problématique : à partir de quand la créature créée - ici rendue consciente - par l'homme acquiert-elle finalement une âme ? La question est d'autant plus sensible et porte à confusion qu'il s'agit de copies d'individus, avec tout ce que cela implique en terme de mémoire et de sentiments. Dans l'ensemble, le classicisme de la thématique traitée dessert quelque peu l'histoire qui peine à trouver son rythme, surtout dans le premier épisode, trop prévisible et ayant un fort arrière-goût de déjà-vu.

Cependant, il ne faut pas bouder son plaisir car ce twist du dédoublement nous procure aussi les scènes assurément les plus jubilatoires de cette heure et demie, au cours du second épisode. En effet, il a le mérite de placer dans une même pièce deux Eleven afin d'organiser le sauvetage de la situation qui devient rapidement très compliquée. Autant dire que le téléspectateur se laisse emporté par le sens de la répartie sur-vitaminé et la complémentarité fantastique des deux Time Lords. Matt Smith a dû sacrément s'amuser à tourner ces scènes, ou du moins l'enthousiasme des deux Docteurs est-il communicatif à l'écran. Leurs échanges font des étincelles et sont l'étincelle de ce deuxième épisode (avant la fin). Dynamisant automatiquement l'ensemble, c'est toute l'histoire qui gagne en homogénéité. Et cette double ration du Docteur est d'autant plus appréciable que ses compagnons ne sont pas dans leur meilleur jour dans cette aventure.

Tandis que Rory se laisse mener par le bout du nez par une jeune étourdie spontanée dont le ganger se révèle être une intransigeante qui appellera vengeance jusqu'au bout, Amy manifeste quant à elle, à l'égard de ces créatures, des préjugés et une étroitesse d'esprit inhabituels chez elle. Si son attachement affectif au Docteur se comprend ; en revanche, la froideur avec laquelle elle traite son double apparaît disproportionnée et assez glaçante. Le signe de reconnaissance constitué par les chaussures était un appel à un échange des deux Docteurs qui n'étonnera pas le téléspectateur, en revanche, le twist final, peut-être inconsciemment envisagé par chacun au fil de l'épisode, oblige à une relecture complète de l'épisode, nous laissant, une fois de plus, réduit à compter patiemment les jours jusqu'à la suite.

Car cette arrivée prétendûment non programmée sur l'île et la rencontre avec des gangers au tout début de leur émancipation ne doivent rien au hasard. Au cours d'une scène finale marquante, qui rehausse automatiquement (mais quelque peu artificiellement) l'intérêt de cette aventure d'apparence anecdotique au premier abord, Eleven dévoile une nouvelle ses talents de calculateur, mais aussi sa capacité à dissimuler ses pensées à ses deux compagnons. Il ne s'ouvre jamais complètement, ne partageant ni ses plans, ni ses inquiétudes. Certes, ici, la situation le justifiait. Pour autant, en dépit du choc de la révélation de la substitution d'Amy, il est difficile de ne pas ressentir un certain malaise à voir ainsi le Docteur se résoudre à "exécuter" un ganger, après avoir passé l'aventure à prôner la coexistence pacifique et à tenter de les sauver. La fin justifie en quelque sorte les moyens. Mais encore une fois, l'attitude d'Eleven durant cette scène éclaire une part d'ambivalence assez forte dans ce Time Lord. Certains de ses choix sont très radicaux, voire sombres : quelque soit l'image que renvoient ses débauches de pitrerie, il n'y a rien d'insousciant chez lui.

Bilan : Aventure de science-fiction à la thématique la plus classique qu'il soit, ce double épisode se révèle finalement assez paradoxal et laisse une impression ambivalente. D'une part, il souffre d'une première partie manquant de dynamisme et d'étincelle, tandis que la seconde s'avère autrement plus convaincante : était-il vraiment nécessaire d'occuper une durée de deux épisodes ? C'est discutable. D'autre part, il se conclut sur une fin qui laisse le téléspectateur sous le choc. L'histoire du jour se trouve brusquement reléguée en arrière-plan dans notre esprit qui est déjà instantanément tourné vers la suite et toutes les perspectives que cela ouvre. Une chose est sûre cette série maîtrise la gestion des twists comme peu de fiction !

NOTE : 7/10

La bande-annonce de l'épisode :