(Pilote FR) Borgia : faut-il avoir foi en Tom Fontana ?

Cette année, j'ai l'impression de passer mon temps à assister à l'élection de papes. Prenez le dernier film que je suis allée voir au cinéma, Habemus Papam... A des lieues de la vision contemporaine de Nanni Moretti, il y a un autre versant, historique et autrement plus sombre, s'offre au sériephile : suivre les destinées d'une famille à la légende noire abondante, propre à nourrir tous les fantasmes des scénaristes, les Borgia. Ils auront été un peu la Guerre des boutons du sériephile en cette année 2011, avec une version proposée par Showtime au printemps, une autre qui a débuté en fanfare cette semaine en France, sur Canal +.

Il faut dire que la chaîne cryptée française avait mis les petits plats dans les grands et affichait une attrayante image internationale, allant jusqu'à enrôler la plume d'un grand du petit écran américain, Tom Fontana. J'ai suivi la saison 1 de The Borgias avec intérêt - même si la série n'est pas exempte de tout reproche (Pour rappel, ma critique de fin de saison). J'attendais avec autant d'impatience cette autre monture. Car l'intérêt de Borgia, c'est aussi de voir comment avec une autre approche, un autre savoir-faire, un même sujet peut être transposé à l'écran. The Borgias portait la marque de Showtime en poursuivant clairement le créneau ouvert par The Tudors, qu'allait-il en être de Borgia ?

Rome, 1492. Dans la péninsule italienne fragmentée, les Etats pontificaux doivent faire face à des menaces aussi bien extérieures qu'intérieures qui les fragilisent. Coincés entre les ambitions des grandes puissances militaires temporelles de cette Europe de la fin du Moyen-Âge, le Saint-Siège est aussi déchiré de l'intérieur, marqué par les rivalités entre les grandes familles romaines aux relations empoisonnées par des querelles intestines et des égos surdimensionnés. Le pape Innocent VIII est vieux, malade, ce qui attise un peu plus les ambitions de chacun en ces temps d'instabilité.

Rodrigo Borgia, neveu du Pape Callixte III, occupe le poste de vice-chancellier auprès du pape actuel. Issu d'une famille originaire d'Espagne, ce cardinal ne manque pas d'ambition : il distingue, par-delà le siège de Saint Pierre, le trône d'Espagne qu'il rêve pour sa descendance. Fin stratège politique, il organise méticuleusement, dans cette optique, la vie de ses divers enfants, illégitimes. Il répartit ainsi les fonctions entre ses fils adultes, suivant les compétences et mérites qu'il leur attribue : à l'aîné, Juan, le titre temporel de duc et les honneurs militaires ; à Cesare, le titre d'évêque et une vie d'homme d'Eglise que le jeune homme ne veut pas. Quant à sa seule fille, Lucrezia, elle arrive en âge d'être mariée ; à Rodrigo de trouver le meilleur parti qui servira ses intérêts.

Série historique ambitionnant de dépasser l'image figée qui peut être associée aux fictions en costumes, Borgia donne immédiatement le ton dès son introduction. Elle n'entend pas subir son cadre : ce sont des codes narratifs modernes qu'elle va utiliser pour s'approprier cet univers passé. Il en résulte un traitement des problématiques volontairement contemporain, avec une terminologie connotée (mafia, vendetta), destinée à mettre en lumière et à exacerber le caractère intemporel des jeux de pouvoirs relatés. Déchirant la toile spirituelle d'apparât, la série s'intéresse avant tout à la nature humaine. Laïcisant son sujet, elle met à jour les ressorts les plus intimes des protagonistes, s'intéressant aux passions et aux intérêts, tellement terrestres, qui meuvent leurs ambitions. Rome est présenté comme un lieu de pouvoir temporel ; le spirituel est un decorum remisé au second plan.

Introduction rapide, les débuts de Borgia manquent parfois de fluidité mais ne souffrent d'aucun temps mort. La série nous précipite dans un tourbillon de turbulences géopolitiques, au risque de donner l'impression d'être parfois trop riche : elle ne parvient en effet pas toujours à maîtriser la cohérence et la cohésion de sa narration. Parallèlement, sont posées de manière claire les bases des dynamiques au sein de la famille Borgia : un patriarche ambitieux, mais surtout très calculateur, des enfants logiquement instrumentalisés pour atteindre ses desseins. Le tableau présenté est globalement sombre : la série ne cherche pas à générer une empathie particulière, cultivant là son pessimisme ambiant. Comme dans The Borgias, c'est le personnage de Cesare qui démontre le plus intéressant potentiel, figure multidimensionnelle entièrement construite sur ses déchirures et ses paradoxes, il est sans doute aussi le plus travaillé.

Pour comprendre les ambitions affichées par Borgia, la comparaison avec The Borgias de Showtime est très instructive. Leurs différences manifestes de parti pris expliquent d'ailleurs que les séries ne s'adressent pas forcément au même public. Moins glamour que sa consoeur américaine, loin de son théâtralisme si soigné et huilé, Borgia fait le choix d'une forme d'authenticité plus abrasive. Optant pour une approche moins édulcorée, elle est plus brute, se laissant volontiers emporter par des excès de violence et par une mise en scène qui n'hésite pas à indisposer à l'occasion le téléspectateur. Alors que The Borgias propose un divertissement historique, lissant ses personnages et ses sujets de façon à nourrir et à encourager la vision romancée et folklorique que préconçoit le téléspectateur, Canal + veut au contraire rompre avec cet imaginaire.

Non sans maladresses, Borgia semble en effet rechercher une forme de légitimité, historique, qui explique aussi l'impression d'académisme émanant de ces premiers épisodes. Cela donne une vision beaucoup plus sombre, moins consensuelle probablement, voire plus dérangeante, avec un rapport logiquement plus ambigu avec la série. Sans objectivement tendre vers une plus grande rigueur historique d'ensemble, Borgia joue en fait sur le ressenti du téléspectateur : elle veut que ce dernier ait l'impression de dépasser ses préconceptions pour s'immerger dans cette retranscription supposément expurgée de toute romance, mais aussi de son cadre théologique. C'est notamment ce qui explique le soin apporté à certains points de détails, dans le but de marquer et de conférer une impression d'authenticité : par exemple, dans ces deux premiers épisodes, plus que les explosions intermittentes de violence, ce sont les remèdes de la médecine qui servent cet objectif. Tout cela explique pourquoi Borgia apparaît bel et bien comme une fiction intemporelle sur le pouvoir, mais on y trouve aussi sans doute la limite du potentiel séducteur du concept.

Sur la forme, Borgia semble cultiver la même ambivalence qui la traverse sur le fond. C'est une série à la réalisation soignée et solide. La caméra a le sens des détails, et la photographie, à dominante plutôt sombre, reflète parfaitement la tonalité ambiante. Par rapport à The Borgias, la différence est ici aussi très parlante : s'attachant à une certaine forme de réalisme, Borgia ne donne pas l'impression de véritablement recréer sous nos yeux des toiles de peinture de la Renaissance. La bande-son s'inscrit dans la même approche ; avec, à noter, la présence d'un générique, ce qui fait toujours très plaisir.

Enfin, Borgia bénéficie d'un casting international sur lequel je vais avoir du mal à me prononcer, car j'ai vu les deux premiers épisodes en version française ; or je n'ai plus vraiment l'habitude de regarder des fictions doublées. Rodrigo Borgia est interprété avec sobriété et une évidente roublardise par John Doman. Les trois enfants, devenus adultes et dont il préside aux destinées, sont incarnés par Stanley Weber (Juan), Mark Ryder (Cesare) et Isolda Dychauk (Lucrezia). A leurs côtés, on retrouve notamment Art Malik, Diarmuid Noyes, Marta Gastini, Assumpta Serna, Andrea Sawatzki, Victor Schefé, Nicolas Belmonte, Dejan Cukic, Christian McKay, Miroslav Taborsky, John Bradley ou encore Karel Dobry. 

Bilan : Entièrement consacrée à ces jeux de pouvoirs qui, parce qu'ils sont avant tout temporels, demeurent donc intemporels, Borgia est une série historique et politique à l'approche narrative résolument moderne, dépouillée de tout folklore. Le revers de la médaille est un certain excès d'abrasivité : il est assez paradoxal pour une fiction qui met à jour l'obscurité de la nature humaine de manquer à ce point d'humanité. La narration saccadée doit également mûrir pour gagner en cohésion et en homogénéité. Mais malgré ces reproches, les bases posées par ces deux premiers épisodes sont suffisamment solides et intéressantes pour mériter de laisser une chance à la série de se développer sur ces fondations.

Une chose est en revanche certaine, Borgia investit un registre qui lui est propre et ne marche certainement pas sur les plate-bandes de The Borgias. 

NOTE : 6,5/10

La bande-annonce de la série :

Le générique :

(K-Drama) Little Girl K (Killer K) : un thriller d'action impitoyable et sanglant

Après une parenthèse japonaise, retournons en Corée du Sud pour ce mercredi asiatique. Par manque de temps libre, je n'ai pas eu l'occasion de me lancer dans les nouveautés de ces dernières semaines. C'est donc vers des dramas plus courts, du câble sud-coréen, que m'ont emmené mes explorations. C'est ainsi que j'ai attéri devant Little Girl K, dont le pitch, assez atypique pour un k-drama, n'était pas sans m'évoquer certains parallèles avec des séries occidentales comme Nikita.

Diffusée du 27 août au 10 septembre 2011, sur la chaîne câblée CGV, cette série est très courte puisqu'elle comporte seulement trois épisodes d'environ 1 heure chacun. Ambitionnant de secouer le petit écran, elle investit le registre de l'action pure auquel se superpose des codes narratifs empruntés au thriller. Si le drama réussit sans doute par intermittence dans le divertissement d'action, il échoue cependant à acquérir une réelle solidité et épaisseur sur le fond.

Cha Yeon Jin est une adolescente au caractère bien trempé qui n'a pas l'habitude de se laisser marcher sur les pieds. Son tempérament, auquel s'ajoutent d'indéniables qualités pour les différents arts de combat que sa mère lui a fait étudier dans sa jeunesse, lui attire souvent des ennuis. Elle vient même d'être expulsée de son lycée pour ces raisons. Sans père, vivant chez sa mère qui tient un modeste petit restaurant, elle mène malgré tout une vie heureuse et tranquille jusqu'au jour où tout va basculer...

Une nuit, la curiosité de Yeon Jin et de ses amis les amènent à perturber les affaires étranges de trafiquants qu'il aurait mieux fallu éviter. Non seulement Yeon Jin attire sur elle l'intérêt d'une organisation aussi puissante que létale, mais elle réveille aussi des éléments du passé de sa mère et de son origine, dont elle ignore tout, et qui vont faire exploser le confort de sa cellule familiale. Projetée dans un monde où le remord n'a pas d'emprise, Yeon Jin va survivre grâce à un désir de vengeance inébranlable.

Little Girl K est une série très sombre, qui s'adresse prioritairement aux amateurs d'action et de combats sanguinolents. Efficace, la construction de l'intrigue ne laisse place à aucun temps mort. Si le premier épisode verse dans un relatif mélodrama un peu poussif pour poser les enjeux de l'histoire, la suite se révèle très dynamique et musclée. Empruntant les codes des fictions d'action pure, ne lésinant ni sur l'hémoglobine, ni sur les combats, le monde de cette série se révèle surtout très binaire : tuer ou être tué ; ami ou ennemi ; celui qui exécute les ordres et celui qui les donne.

Versant peu dans une nuance estimée superflue, repoussant au maximum les frontières de l'impitoyable, Little Girl K apparaît comme une oeuvre résolument désensibilisée, imperméable à toute notion de morale. La mort y est omniprésente, presque anecdotique. Et la mise en scène des confrontations démontre un goût certain pour la théâtralisation de duels entre deux protagonistes. On retrouve dans ce drama une influence manifeste des jeux vidéos, qui se ressent tant dans la manière de filmer (division de l'écran, caméra qui suit l'arme) que dans la construction de l'histoire.

Divertissement d'action qui met les formes pour s'imposer dans ce registre, Little Girl K laisse pourtant un double sentiment d'inachevé. Paradoxalement, c'est tout d'abord le format court qui doit être mis à l'index : composée de seulement 3 épisodes, la série donne l'impression de ne faire qu'effleurer le potentiel d'une histoire qui reste inaboutie, comprenant trop de raccourcis, de facilités, de coïncidences, qui réduisent la portée du scénario. Certaines pistes, à peine explorées, sont déjà refermées. De manière générale, le drama souffre d'un manque d'homogénéité global : les passages de Yeon Jin au lycée restent par exemple des parenthèses trop déconnectées qui n'auront jamais vraiment justifiées leur présence, si ce n'est pour un artificiel emprunt à des codes plus classiques de high school drama .

Cependant, plus que le caractère minimaliste du scénario, le plus grand reproche que j'adresserais à la série est d'avoir fait le choix de complètement déshumaniser ses protagonistes. En dehors de quelques moments plus dramatiques qui tendent à un larmoyant trop appuyé, Little Girl K passe en effet complètement sous silence les légitimes conflits moraux que son histoire aurait pu légitimement engendrer. Yeon Jin se transforme en tueuse, portée par une haine indistincte qui lui fait exécuter sans discernement tous les ordres qui lui sont donnés. Laissant complètement de côté la psychologie de ses personnages, la série préfère privilégier une dynamique action/réaction plus primaire, efficace pour le thriller, mais peut-être un peu moins pour la cohésion du récit.

Si elle sonne parfois un peu creux sur le fond, Little Girl K s'assure cependant une réalisation solide, globalement assez nerveuse, qui tente d'insuffler du rythme et réussit surtout les scènes d'action. Les combats disposent de chorégraphies plutôt correctes, le penchant pour le sabre des différents protagonistes permettant de renforcer le côté sanguinolent des affrontements, confirmant l'idée que ce drama mise bien plus sur la théâtralisation de son action que sur son histoire. En parfait écho, la bande-son se révèle aussi très rythmée : il y a une volonté d'entraîner et de dynamiser les scènes, en ne demandant au téléspectateur que de se laisser prendre au jeu.

Cependant, une autre des limites de Little Girl K réside dans son casting, qui oscille autour de performances moyennes manquant parfois de conviction. C'est le premier drama de Han Groo, par conséquent il est sans doute normal qu'elle doive trouver ses marques. Elle est plutôt convaincante en héroïne à poigne, évoluant surtout avec une certaine grâce énergique dans les combats. Mais son jeu, un peu monoexpressif, démontre toutes ses limites dès lors qu'il s'agit d'investir différentes palettes d'émotions. Son personnage concentre toute l'attention, laissant finalement peu d'exposition aux acteurs qui l'entourent, ces derniers peinant à se sortir des figures unidimensionnelles dans lesquelles le scénario les a enfermés. On retrouve notamment Kim Jung Tae, Park Hyo Joo, Baek Do Bin, Kim Roe Ha ou encore Jun Mi Sun.

Bilan : Investissant sans retenue et parfois jusqu'à l'excès le registre du divertissement d'action pure, résolument sanguinolent, Little Girl K a le mérite de trancher dans le paysage télévisuel, le câble permettant d'aborder frontalement ces genres où la noirceur et la violence prédominent. Cependant la série peine à être plus qu'un exercice de style un peu vain : l'histoire s'efface trop souvent au profit des effets d'action, certes efficaces, mais qui ne peuvent occulter le sentiment d'inachevé qui prédomine sur le fond au bout de ces trois épisodes.

Une curiosité pas sans défaut, mais pas déplaisante, sans doute à réserver aux amateurs du genre.

NOTE : 4,75/10

La bande-annonce de la série :

Une chanson de l'OST :

(Pilote / Mini-série AUS) The Slap : une gifle qui change tout

Le rush de la rentrée américaine retombé, c'est l'occasion de repartir explorer les nouveautés anglophones au-delà des seuls Etats-Unis. Cela tombe bien puisque jeudi soir débutait en Australie une mini-série assez ambitieuse qui se propose d'adapter un des romans marquants de la littérature récente de ce pays (publié en 2008) : The Slap (La gifle), de Christos Tsiolkas. Diffusée sur ABC1, cette mini-série comportera en tout 8 épisodes d'une cinquantaine de minutes chacun.

Plusieurs raisons m'ont motivé à lancer ce premier épisode : il y avait non seulement le prosélytisme toujours bien ordonné de LadyTeruki, mais aussi l'impressionnant casting rassemblé : la perspective d'y retrouver Alex Dimitriades (c'est mon adolescence devant Hartley Coeur à Vif qui s'exprime) ou encore Sophie Okonedo justifiait amplement la découverte au moins du pilote. Je n'ai pas regretté mon visionnage : ces débuts sont intéressants, posant solidement le ton et les bases pour la suite de l'histoire. 

The Slap est une mini-série construite de manière chorale autour d'un geste central qui va tout déclencher : une gifle. Tout débute à l'occasion de la fête d'anniversaire de Hector. Il organise avec son épouse, Aicha, un barbecue où sont conviés sa famille, de ses parents à ses cousins, ainsi que des amis du couple. Si Hector est issu d'une famille d'immigrés grecs, la langue étant encore couramment parlé entre eux, la fête réunit cependant des personnes de tous les milieux sociaux et de toutes les cultures. Cette réunion conviviale, entre amis plus ou moins proches de Hector, ne va certes pas aller sans quelques antagonismes et autres tensions, puisque chacun a amené ses enfants, ce qui suffit à sur-ajouter à l'agitation ambiante.

Tout se déroule à peu près bien jusqu'à une scène de confrontation où un adulte, Harry, le cousin de Hector, gifle un des enfants qui a été insupportable tout au long de la journée. Le barbecue se termine abruptement par une altercation violente entre Harry et les parents de l'enfant giflé, des amis de Hector, qui n'entendent pas en rester là et veulent déposer plainte. Cette gifle va être l'événement catalyseur à partir duquel chaque personne présente va devoir se déterminer, provoquant des réactions en chaîne au sein de ce groupe qui soudain éclate sous nos yeux.

Au vu de ce pilote, The Slap dispose de deux atouts qui retiennent l'attention. Tout d'abord, la série apparaît comme un portrait coloré et riche, véritable instantané de la middle-class résolument multiculturelle de l'Australie actuelle (Melbourne). Rien n'est en effet plus approprié qu'une fête pour réunir autour d'un barbecue des personnes d'origines et d'horizons différents, dont les liens sont très divers, tous rassemblés par ce fragile plus petit dénominateur commun incarné par Hector. On perçoit bien dans l'épisode la volonté manifeste de présenter, sans l'édulcorer, l'ordinaire des quotidiens des familles introduites.

Dans les portraits ainsi esquissés, la série n'évite pas certains clichés : Hector et sa mère envahissante, ses problèmes de couple avec Aicha ou encore sa potentielle aventure extra-conjugale, ne font pas particulièrement dans l'originalité. Cependant, il se dégage de l'ensemble une forme de proximité et beaucoup de naturel. Les dynamiques, globalement sobres, sonnent authentiques. Dans ce registre mêlant le social et l'humain, c'est certainement par sa dimension chorale que la série promet le plus et devrait gagner en épaisseur : chaque épisode se concentrera en effet sur un des personnages présents lors de la scène de la gifle, multipliant ainsi les points de vue et les perspectives.

Si ce pilote démarre sur un rythme un peu lent, il gagne progressivement en intensité : une fois l'atmosphère posée grâce à une introduction appliquée en suivant le personnage de Hector, la gifle intervient dans le dernier quart de l'épisode pour assurer l'électro-choc final. Les problématiques soulevées par ce geste controversé, répréhensible socialement et juridiquement, permettent à The Slap de poser les bases solides d'un human drama des plus intéressants. Les répercussions de la gifle, au sein des amis et de la famille, sont immédiates. De plus, le conflit risque de s'envenimer encore plus si la police est impliquée.

En un instant, ce simple geste réflexe a rompu le fragile lien qui existait dans la petite communauté réunie pour célébrer l'anniversaire de Hector. Soudain, transparaissent des différences de vues et d'éducation - sur la manière d'élever les enfants. Se révèlent aussi les loyautés naturelles de chacun. Les dernières minutes du pilote sont très fortes. Elles s'assurent de la fidélité du téléspectateur qui perçoit tout le potentiel narratif du sujet : grâce à ce catalyseur, The Slap va pouvoir nous entraîner au-delà de la façade des familles sans histoire pour s'intéresser au coeur de chaque individu, à ce qui le définit plus intimement, mais aussi à ce qui peut le relier aux autres.

Sur la forme, The Slap bénéficie d'une réalisation appliquée, relativement nerveuse tout en restant sobre. Cela cadre bien avec l'ambiance de ces chroniques humaines. La photographie est soignée, s'offrant quelques parenthèses plus ensoleillées, comme les scènes dans la piscine qui ont un côté relaxé que je qualifierais de "typiquement australien". La bande-son est plutôt plaisante, accompagnant le récit tout en restant en retrait. A noter également que la série dispose d'un court générique, très simple, mais dont la symbolique capture parfaitement l'esprit de cette histoire.

Enfin, The Slap rassemble un casting alléchant qui devrait s'assurer de porter de manière convaincante l'histoire à l'écran. On y retrouve notamment Jonathan LaPaglia (Sept jours pour agir, Washington Police) et Sophie Okonedo (Criminal Justice, Father & Son), incarnant le couple chez qui se déroule la fameuse scène de la gifle. Melissa George (Alias, In Treatment) joue la mère de l'enfant frappé ; tandis que Alex Dimitriades (Hartley Coeur à Vif, Underbelly) est celui qui lève la main sur ce gosse un peu trop turbulent. A leurs côtés, on croise aussi Essie Davis (Cloudstreet), Lex Marinos, Diana Glenn (Killing Time), Anthony Hayes, Sophie Lowe, Blake Davis (Dead Gorgeous, Tangle) ou encore Oliver Ackland (Cloudstreet).

Bilan : Derrière son portrait d'une middle-class australienne multiculturelle, d'où émane un ressenti de proximité et de justesse, le pilote de The Slap pose les bases d'un human drama qui peut vraiment devenir très intéressant, notamment en raison de la narration chorale envisagée au fil des huit épisodes. L'épisode n'évite pas quelques facilités, mais il introduit efficacement une atmosphère volontairement ordinaire. Dès l'évènement déclencheur que constitue la gifle, le potentiel à explorer par les problématiques envisageables apparaît évident. A suivre.

NOTE : 7,25/10

La bande-annonce de la série :

(Pilote US) Homeland : un thriller autour d'une figure ambivalente, héros ou menace

Dimanche dernier était diffusée aux Etats-Unis la première nouveauté de la saison américaine que j'avais vraiment cochée : Homeland. Si je l'attendais avec une relative impatience, j'avoue aussi que les noms à l'origine du projet (Howard Gordon, Alex Gansa) évoquaient trop 24 pour je ne l'aborde pas sans une certaine méfiance : le sujet envisagé implique une subtilité et une nuance dans l'écriture qui n'étaient pas forcément le point fort de cette dernière.

Adaptation de la série israélienne Hatufim, Homeland est diffusé sur Showtime. Je m'étais donc persuadée qu'elle pourrait plutôt s'orienter vers l'autre série abordant des thématiques terroristes sur cette chaîne, laquelle m'avait autrement plus marqué : Sleeper Cell. Au final, c'est avec un pilote efficace que s'ouvre Homeland. S'il n'a pas levé toutes mes réserves sur la série, il m'a cependant convaincue de revenir la semaine suivante, s'imposant pour le moment comme le meilleur pilote dramatique de cette rentrée US.

Le sergent Nicholas Brody a été porté disparu en Irak au cours d'une opération, en 2003. Durant un raid dans un des bases terroristes ennemies du pays, des soldats américains le retrouvent, hirsute, dans une des geôles. Ce sauvetage inattendu - nul n'imaginait qu'il restait des prisonniers encore en vie - se transforme en grande opération de communication pour le gouvernement, propulsant Brody au rang de héros national et lui organisant un retour triomphal parmi les siens.

Cependant, Carrie Mathison, une analyste de la CIA, assiste à ce retour très perplexe et méfiante. Ancienne agent de terrain qui a passé du temps en Irak, elle a eu des informations de première main sur l'organisation qui détenait Brody, obsédée par son leader, un certain Abu Nazir. Est-il possible que ce dernier soit parvenu à retourner les loyautés de son prisonnier durant sa captivité ? Est-ce qu'il n'a pas permis à dessein à l'armée américaine de retrouver Brody ? Ce dernier ne pourrait pas être le fer de lance de la prochaine attaque terroriste majeure sur le territoire américain ?

Bénéficiant d'une écriture dynamique et sans temps mort, Homeland démarre, dès ses premières minutes en Irak, sur quelques scènes nerveuses, très directes, qui donnent immédiatement le ton de la série. S'attachant ensuite à installer efficacement les grands enjeux de son histoire, le pilote ne tergiverse pas. Les cartes sont rapidement distribuées entre tous les personnages, de manière à ce que, à la fin de cette première heure, le puzzle de ce thriller, déjà bien dévoilé, retienne solidement l'attention d'un téléspectateur dont la curiosité est piquée. En ce sens, l'introduction est réussie.

Il apparaît vite que le grand atout de Homeland réside dans son concept, lui permettant opportunément de se démarquer des fictions traditionnelles ayant pour sujet des questions de terrorisme. En effet, à cette première problématique, vient se sur-ajouter celle du questionnement sur la loyauté d'un prisonnier de guerre, peut-être devenu une arme contre son propre camp. Le terroriste potentiel n'est pas ici un ennemi sans visage, il se cache derrière une figure amie, normalement hors de soupçon : celle d'un soldat, d'un héros de guerre. Les délimitations de chaque camp sont par conséquent remises en cause, dans une partie où tout le monde opère à visage découvert. La question principale va être de savoir, comment, et à quel prix, Brody a-t-il survécu ? Est-il devenu une menace pour son pays ou s'est-il seulement compromis au-delà de l'honorable, sur le moment, en s'accrochant à un instinct de survie ?

Si le pilote de Homeland pose les bases d'un thriller efficace, le pilote n'a cependant pas écarté toutes les réserves que je pouvais avoir. Derrière l'originalité relative d'un concept de départ aux ramifications narratives très intéressantes, le scénario cède à certaines facilités pour introduire les enjeux précis, liés à une hypothétique trahison, qui l'intéressent. La construction de l'épisode contient des twists qui sont trop prévisibles pour être pleinement satisfaisants : toutes les pièces se mettent presque trop aisément en place, jusqu'à l'ultime indice - attendu - qui permet à Carrie de sauver sa place. Parallèlement, les thèmes connexes - retour en famille, traumatisme et réadaptation - ne sont pas oubliés, mais demeurent en arrière-plan.

Signe de la manière dont les scénaristes conçoivent leur sujet, l'épisode opte pour une volontaire surenchère dans la paranoïa. Cela s'avère à double tranchant. D'une part, l'envie de brouiller les lignes et de bousculer les repères du téléspectateur est appréciable, parce qu'elle renforce la spécificité et l'ambiance de la série : chacun semble avoir ses secrets, jusqu'à l'adultère de l'épouse. L'ambivalence de tous ces personnages est pesante. L'agent de la CIA la symbolise bien : certes intuitive, elle est très instable, soignant déjà des troubles psychologiques. On est loin d'une figure d'autorité solide et inébranlable. Mais d'autre part, la série ne fait pas dans un suggestif subtil qui aurait diffusé une sourde tension. Si on ignore les plans réels de Brody, il ne nous est pas caché qu'il passe beaucoup de choses sous silence, mentant sur ce qu'il s'est passé en captivité. Exploitant peu la nuance potentielle inhérente à son concept, le pilote semble plus ouvrir la voie d'une confrontation directe entre les deux protagonistes principaux. Un choix qui peut se justifier ; tout dépendra de la gestion de la suite.

Sur la forme, Homeland bénéficie d'une réalisation très classique, assez nerveuse dans quelques passages. On pourrait peut-être lui reprocher un certain manque d'ambition, car le résultat reste honnête, mais très convenu. De même, la bande-son est efficace et calibrée, mais l'ensemble ne se démarque pas vraiment. C'est donc un pilote prudent sur la forme qui est proposé.

Enfin, un des grands atouts de Homeland réside indéniablement dans son casting. Ses acteurs pris séparement m'auraient déjà très motivée pour me lancer dans une série, par conséquent, je ne vous cache pas que les retrouver réunis m'a fait énormément plaisir. Claire Danes, égérie éternelle de mon adolescence dans Angela, 15 ans, incarne avec une énergie marquante, flirtant avec le névrotique, une agent de la CIA vraiment déstabilisante. Face à elle, moins employé dans ce pilote, Damian Lewis (Band of Brothers, Life) use de son flegme caractéristique pour composer cet ancien prisonnier de guerre aux loyautés potentiellement divisées. Par ailleurs, on retrouve à leurs côtés, la sublime Morena Baccarin (Firefly, V), le toujours très efficace Mandy Patinkin (Dead Like Me), aini que David Harewood (The Last Enemy, Robin Hood) ou encore Diego Klattenhoff (Whistler, Men in trees).

Bilan : Parfaitement bien huilé pour introduire très efficacement les enjeux de la série, le pilote de Homeland est convaincant et rempli sa mission première : s'assurer de la fidélité du téléspectateur. Pour autant, il marche aussi sur une fine ligne : l'impression d'originalité, que laisse ce mélange entre fiction sur le terrorisme et questionnement sur ce prisonnier potentiellement retourné comme une arme contre son camp, ne pourra pas toujours compenser certaines facilités auxquelles cède la construction de l'épisode. Le sujet est ambitieux, il faudra donc un scénario à la hauteur pour exploiter pleinement tout le potentiel du concept. Au vu de ce pilote, je serais tentée de dire que, pour l'instant, Homeland investit mieux la partie "thriller" que la partie "psychologique" du genre dont elle se réclame. A suivre !

NOTE : 7,75/10

La bande-annonce de la série :

(J-Drama / SP) Hei no Naka no Chuugakkou : une école derrière les barreaux

 

En ce mercredi asiatique, c'est toujours au Japon que je vous propose de rester afin d'évoquer un drama special visionné dernièrement et qui m'a beaucoup intéressé : Hei no Naka no Chuugakkou. Si c'est initialement le casting qui avait attiré mon attention (vous connaissez ma manie de surveiller avec soin les filmographies de mes acteurs favoris), le sujet de cette école publique située en prison, sortant de l'ordinaire et adoptant un cadre carcéral atypique, n'avait fait qu'un peu plus aiguiser ma curiosité.

Hei no Naka no Chuugakkou est un tanpatsu d'une durée totale de 2 heures, qui a été diffusé sur TBS le 11 octobre 2010. Il a été récompensé en juin dernier au 51e Festival de Monte-Carlo, en remportant le prix du meilleur film télévisé, tandis que Ken Watanabe, un des acteurs principaux, remportait pour son rôle le prix du meilleur acteur de film télévisé.

Dans la ville de Matsumoto (préfecture de Nagano), la prison locale accueille le seul lycée public japonais situé en milieu carcéral. Les élèves sont tous des détenus actuellement en train de purger leur peine dans une des prisons du pays et qui n'ont jamais obtenu leur diplôme de fin d'études. Un conseil sélectionne chaque année méticuleusement les requêtes émanant de toute l'île, sélectionnant minutieusement, parmi les demandeurs, cinq prisonniers qui bénéficieront pendant un an de cet aménagement de peine particulier.

Hei no Naka no Chuugakkou va nous raconter une année scolaire à Matsumoto, de leur arrivée sur les lieux jusqu'au diplôme qu'obtiendront certains des personnages. Les prisonniers mis en scène, âgés de 20 à 70 ans, ont tous des parcours très différents, malmenés par la vie, la malchance ou la fatalité. De cette cohabitation - au cours de laquelle ils ne sont normalement autorisés à ne nouer aucun liens entre eux -, naît pourtant une forme de dynamique de classe qui va se construire peu à peu bon gré, mal gré, tendant vers l'acquisition du diplôme. Cette classe reste cependant à part, et le nouvel enseignant assistant nommé pour leur faire cours a bien dû mal à cerner son rôle et ce qui est entendu de lui et de ses élèves.

Cela va être une année d'apprentissage dans tous les sens du terme, pour tout le monde. 

Si Hei no Naka no Chuugakkou mérite le détour, c'est tout d'abord pour l'originalité et l'ambition inhérentes au sujet choisi. On dit souvent (à juste titre) que la télévision japonaise a tendance à décliner à l'excès toutes les variantes possibles d'histoires d'enseignants, mais ici, point de figure messianique extraordinaire : le cadre carcéral domine, justifiant ainsi l'exploration de thématiques éducatives rarement abordées sous cet angle. Le rapport à l'enseignement est très différent d'un high school drama par le simple fait que les élèves sont adultes. Ils ne sont pas tournés vers le futur : leurs expériences ne se sont pas conclues de manière heureuse et ils purgent des peines de prison longues leur offrant des perspectives d'avenir limitées. La fiction va prendre le temps de s'intéresser à chacun d'eux, dressant des portraits, tout en ombres et lumières, de personnages ayant des aspirations et des histoires qui leur sont personnelles. A mesure qu'une étrange et hésitante émulation collective se crée au sein d'une "vie de classe" artificielle, le drama gagne en humanité, bénéficiant d'une écriture très sobre, souvent juste, où perce une forme de dignité qui sait toucher le téléspectateur.

Même si Hei no Naka no Chuugakkou dépeint une réalité nuancée, conscient que la vie n'offre pas de cadeaux, c'est pourtant aussi par son optimisme que la fiction va se démarquer. Tous ne réussiront pas dans leur défi d'obtenir ce diplôme symbolique, mais au cours de cette année, chaque intervenant, les prisonniers comme l'enseignant, aura appris sur lui-même et sur la vie en général quelque chose qui n'est pas quantifiable. Car c'est sans doute dans ce registre que ce drama parvient à exploiter tout le potentiel de son récit. L'enjeu n'est pas une simple acquisition de connaissances, comme elle pourrait l'être dans tout drama scolaire, mais c'est en réalité une recherche bien plus fondamentale : il s'agit de retrouver sa propre estime de soi. C'est en vérité autant pour faire face au regard des autres que pour soi-même que chacun est là. Le parcours en parallèle du nouveau professeur en est une illustration révélatrice et le parfait écho : alors qu'il déchire douloureusement ses rêves d'adolescence et l'espoir de devenir photographe, ce dernier va peu à peu comprendre le rôle qui lui est échu et retrouver un sens à son métier.

La conclusion de Hei no Naka no Chuugakkou viendra confirmer que la scolarité n'est qu'une façade dans cette belle histoire de redécouverte de soi et de réapprentissage de la vie, humaine comme sociale, permettant à chacun de se retrouver.

Sur la forme, Hei no Naka no Chuugakkou présente une réalisation classique, quasi-minmaliste par instant. Le quasi huis clos offert par le cadre de la prison renforce l'impression un peu figée et théâtrale de la mise en scène. Ces effets apparaissent recherchés : la dynamique du récit n'en souffre pas, en revanche cela permet de se concentrer sur l'essentiel dans une histoire toute entière dédiée à ses protagonistes et au long cheminement qu'ils vont suivre au cours de cette année.

Côté casting, ce drama special réunit des acteurs japonais confirmés qui vont proposer une performance d'ensemble très solide, permettant de bien faire ressortir la dimension humaine de la fiction. Si Hei no Naka no Chuugakkou avait initialement retenu mon attention, c'est en raison de la présence d'Odagiri Joe (Jikou Keisatsu, Atami no Sousakan) qui fait partie de ces quelques acteurs nippons dont je surveille tous les projets avec attention. Il joue ici le rôle de l'observateur de ce groupe de détenus, enseignant cherchant lui aussi sa place et qui va apprendre beaucoup de cette année scolaire atypique. A ses côtés, on retrouve des acteurs très convaincants : Watanabe Ken (plus connu pour ses rôles au cinéma comme dans Le Dernier Samourai), Otaki Hideji, Suma Kei, Chihara Seiji, Sometani Shota ou encore Kadono Takuzo.

Bilan : Bénéficiant d'un sujet original qu'il va savoir traiter avec des nuances, mais aussi beaucoup d'humanité, Hei no Naka no Chuugakkou est une très intéressante histoire d'apprentissage, où le cadre pseudo-scolaire cache en vérité une inspirante reconquête d'une estime de soi perdue, ainsi qu'un effort pour renouer avec la vie en société. Sans jamais verser dans la fable moralisatrice, ce drama toujours très sobre délivre un message teinté d'un relatif optimisme qui achève de conquérir le téléspectateur. Une curiosité à découvrir.

NOTE : 7,75/10

La bande-annonce :