(J-Drama / Pilote) Kekkon Shinai : questionnements existentiels de célibataires autour du mariage

En ce mercredi asiatique, poursuivons l'exploration de la saison automnale au Japon. Après Going My Home et  Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi, c'est l'occasion d'aborder aujourd'hui une autre nouveauté : Kekkon Shinai, qui a débuté sur Fuji TV depuis le 11 octobre 2012. Sur le papier, ce drama sonnait très conventionnel, revenant une fois de plus sur les inévitables questions du célibat et du mariage. Mais il avait pour lui de réunir des acteurs que je retrouve toujours avec plaisir (Kanno Miho, Amami Yuki et Tamaki Hiroshi). Ce casting a achevé de me convaincre de lui laisser une chance : après tout, je regarde chaque année très peu de séries japonaises purement relationnelles. Après trois épisodes visionnés, on peut dire que l'expérience a été concluante, puisque me voilà fidélisée devant mon petit écran. S'il lui manque sans doute un petit quelque chose pour définitivement s'imposer, Kekkon Shinai est une fiction attachante qui se suit avec plaisir.

Tanaka Chiharu va vers ces 35 ans. Non mariée, toujours célibataire, elle voit ses amies s'investir l'une après l'autre dans la vie de famille, tandis qu'elle vit toujours chez ses parents, travaillant dans le même temps dans une agence de voyage. La pression de son entourage se fait chaque jour plus forte pour qu'elle se marie (enfin). D'un naturel enjoué, Chiharu aime pourtant sa vie. Mais elle arrive à un stade où, forcément, elle doute, de ses choix, mais aussi des attentes qu'elle nourrit pour qu'un couple soit viable à ses yeux...

Elle rencontre un jour, dans le parc où elle vient se changer les idées, Kirishima Haruka. Une quadragénaire, comme elle célibataire, qui a pris la décision de s'investir pleinement dans sa carrière, designer paysagiste, estimant que l'on a moins de chance d'être trahi par son job que par un homme. Mal lui en a pris car, au cours d'une restructuration du personnel privilégiant les employés ayant une vie familiale, elle est est ré-assignée comme simple manager d'un petit magasin de fleurs dépendant du groupe.

Leurs choix et leurs questionnements rapprochent immédiatement Chiharu et Haruka, la première voyant d'ailleurs dans l'appartement de la seconde le moyen idéal pour échapper aux pressions parentales. Kekkon Shinai suit leur amitié et leurs expériences de vie alors qu'elles pensent à leur futur. Ont-elles besoin, veulent-elles vraiment, quelqu'un dans leur vie ?

Adoptant la tonalité d'une dramédie, légère et dynamique quand il le faut, humaine et toujours touchante quand ses protagonistes traversent des passages plus difficiles, Kekkon Shinai s'intéresse à quelques-unes des problématiques existentielles de ceux qui, dans la génération des 30-40 ans, poursuivent leur vie sans avoir fondé de famille. Ne vous y trompez pas, nous n'avons pas affaire à une comédie romantique fleur bleue sur l'éternelle quête de l'amour avec un A majuscule. En réalité, le drama met surtout l'accent sur le mariage en tant qu'institution sociale. Evitant un angle moralisateur anachronique, il l'aborde plutôt sous un angle très analytique - une impression renforcée par les interludes offerts par un cours d'université traitant du sujet auquel assiste une figure secondaire. Suivant les cheminements des deux héroïnes, il s'agit de s'interroger sur cette voie maritale vers laquelle tout le monde semble tendre et la place qu'occupent ceux qui ne l'empruntent pas. Jusqu'où faut-il se conformer aux conventions sociales ? Dans quelle mesure faut-il écouter son coeur ? L'épanouissement et le bonheur personnels passent-ils forcément par cette institution ?

Outre son approche plutôt rafraîchissante de thèmes restant assez conventionnels, l'autre atout de Kekkon Shinai est qu'elle met en scène des protagonistes vite attachants, auprès desquels il est facile de s'investir. Avec tact et une certaine subtilité, elle nous parle en effet d'adultes indépendants, s'assumant et assumant leurs choix de vie. Mais elle évoque aussi leurs doutes légitimes, face à la pression sociale, face à l'idée de vieillir seul qui s'insinue parfois en croisant des familles nombreuses, face à la solitude qui surprend après une journée épuisante au travail et qui soudain semble tellement peser. Le trio central permet de traiter des facettes très différentes de ces questionnements sur l'engagement et l'amour. Chiharu est celle qui cherche sa voie, aspirant toujours à se marier, mais pas à n'importe quel prix. Haruka a déjà fait ses choix, mais maintenant que ce dans quoi elle avait tout investi se dérobe, elle s'interroge. Junpei, lui, ne se juge même pas digne d'une telle voie, semblant toujours essayer de se dérober et de s'effacer. Avec leurs troubles et leurs préoccupations communes, ces personnages se comprennent naturellement. Une certaine solidarité se dégage, se transformant peu à peu en amitié. Portés par une vraie dynamique, leurs rapports insufflent ce souffle d'humanité vital au récit qui achève de vous convaincre de revenir la semaine suivante.

Sur la forme, Kekkon Shinai fait également preuve d'une énergie appréciable. Sa réalisation est classique, avec une photographie dominante plutôt claire, volontairement colorée par l'environnement de personnages évoluant autour de fleurs, de peintures et de prospectus de voyages exotiques. La tonalité se fait assez légère, sans occulter les moments plus difficiles : cette dualité de ton est bien capturée par une bande-son assez fournie aux musiques dynamiques. L'ensemble est ainsi traversé d'une vitalité communicative.

Enfin, Kekkon Shinai bénéficie d'un casting très sympathique qui contribue à impliquer rapidement le téléspectateur auprès de chacun des protagonistes. Kanno Miho (Guilty Akuma to Keiyakushita Onna) incarne une héroïne dynamique qui sait susciter de l'empathie, retranscrivant avec justesse ces quelques moments d'émotion où la confiance s'effrite. Elle forme avec Amami Yuki (BOSS) un duo convaincant, dont les scènes de colocation se sont rapidement imposées parmi mes préférées des épisodes. Tamaki Hiroshi (Nodame Cantabile) est fidèle à lui-même, réservé à l'image d'un personnage qui semble ne rien vouloir de plus que de rester en retrait, comme oublié. Autour d'eux, on retrouve également Koichi Mantaro, Miyoshi Ayaka, Ito Ayumi, Sharo, Nagae Yuuki, Higashide Masahiro, ou encore Fukuda Ayano.

Bilan : Plus qu'une simple énième dramédie relationnelle, Kekkon Shinai traite de l'institution du mariage dans ses différents volets, et notamment en abordant une dimension sociale qui dépasse les seuls enjeux romantiques. En proposant de suivre des protagonistes qui parlent au téléspectateur, la série va évoquer, avec beaucoup d'humanité et une certaine justesse, leurs attentes et leurs doutes, ainsi que ce qui motive les choix de vie qu'ils prendront. Avoir rassemblé ces personnages si dissemblables de caractère, mais si proches dans leurs préoccupations, permet au drama de poser de solides dynamiques entre eux. Et s'il lui manque sans doute un peu d'ambition ou une petite étincelle, Kekkon Shinai se réapproprie très honorablement un sujet de départ familier.

NOTE : 6,75/10

Une bande-annonce :

Le générique de la série :
 

(FR) Un Village français, saison 4 : une chronique ordinaire dense et marquante de la France de 1942

 

Un de mes plus intéressants rattrapages de séries françaises effectué cette année aura sans conteste été la découverte de Un Village français. Une oeuvre au sujet fort, ambitieux, qui gagne en maîtrise, en intensité et en qualité tout au long des trois premières saisons sur lesquelles j'avais eu l'occasion de revenir dans un bilan rédigé en début d'année. Depuis, la quatrième saison 4 a été diffusée au printemps 2012. J'ai investi dans le coffret DVD les yeux fermés. Avec raison.

Elle confirme en effet la place de la série parmi ces fictions qui démontrent que, oui, la France est capable de faire de bonnes, voire très bonnes, séries, exploitant pleinement le format télé et sachant les faire mûrir au fil des épisodes. En attendant la cinquième saison, annoncée pour février 2013 sur France 3 (au tournage de laquelle un nouveau magazine français sur les séries, sorti cette semaine, Preview, consacre d'ailleurs un reportage), j'ai achevé mon visionnage de la quatrième. Il est donc temps de vous expliquer pourquoi Un Village français mérite, cette année encore plus particulièrement, votre attention.

La saison 4 d'Un Village français continue de nous faire progresser dans la chronologie de la Seconde Guerre Mondiale, durant la période de l'Occupation, abordant cette fois l'année 1942. Se voulant représentative de tous les enjeux d'alors, la saison se découpe en deux parties, séparées par plusieurs mois, mais se déroulant sur des courtes périodes de quelques jours seulement.

La première permet d'évoquer le sort des juifs : Villeneuve accueillant en transit un convoi de juifs étrangers déplacés par les Allemands, elle devient le théâtre d'arrestations pour satisfaire aux demandes de l'occupant, tandis que l'école doit faire face à l'hébergement provisoire de ces détenus dans des conditions difficiles. A la mi-saison, ils partent finalement pour le camp de Drancy, sans savoir ce qui les attend. Ensuite, la série se recentre sur la question des réseaux de résistance à l'intérieur du pays, mais aussi en coordination avec la France libre dont le parachutage d'un radio venu de Londres rappelle l'existence. L'enjeu devient alors celui d'un rapprochement entre les différents mouvements issus de toutes les tendances politiques, des communistes aux gaullistes, tandis que la police française et les autorités allemandes redoublent d'effort pour les exposer. 

Cette saison 4 s'inscrit dans la droite ligne de l'équilibre trouvé au fil des précédentes saisons. Tout en n'occultant jamais un arrière-plan historique où les grands évènements nous parviennent par quelques mots échangés à la préfecture, mais aussi par l'intermédiaire de Radio Londres, Un Village français reste centrée sur le sort de ses figures locales devenues familières. Les stéréotypes des débuts ont depuis longtemps été dépassés, les psychologies se sont affinées, révelant des complexités, voire des ambivalences, qui ont humanisé des personnages ayant gagné en épaisseur. On sait chacun caractérisé par une ambition, une prudence, un engagement ou un humanisme particulier. Désormais, partant de cette base, la série nous relate leurs réactions face aux nouveaux développements et tournants pris par l'occupation : comment, en cohérence avec eux-mêmes, mais aussi avec les limites de leurs caractères ou de leurs convictions, vont-ils faire face aux évènements ? C'est sur ce plan que le parti pris de la série est très intéressant. Car c'est sans le moindre recul, ni toujours réelle compréhension des enjeux, que chacun est amené à se positionner.

Faire de Villeneuve un lieu de transit provisoire pour des détenus juifs est ainsi l'occasion de se replacer du point de vue de 1942. Au-delà de l'antisémitisme ambiant, à ce moment-là, ni les juifs, ni les habitants de la ville ne peuvent imaginer ou mesurer ce vers quoi ils se dirigent. Or l'ignorance des protagonistes contraste avec la connaissance du téléspectateur. La gorge se noue imperceptiblement en voyant Daniel Larcher s'agiter pour mettre à disposition un local communal afin de tenter de soigner le quotidien immédiat des juifs, devenant sans le comprendre un maillon parmi tant d'autres qui facilitent par-là même le bon déroulement de la déportation en cours. Pareillement, les échanges à l'intérieur de l'école et les efforts faits par chacun pour comprendre et rationaliser ce qu'il se passe n'en sont que plus marquants. Il faut ici saluer la qualité de l'écriture qui conserve toujours, dans ces moments-là, une sobriété bien dosée, même face à des scènes où le drame et le déchirement pointent.

Si les personnages d'Un Village français sonnent souvent authentiques et réels, c'est justement grâce à leurs paradoxes et à leurs failles. Ils évoluent, pour la plupart, dans une zone grise, et seul l'avenir permettra de juger les décisions qu'ils ont prises, sur un plan aussi bien moral que légal ou politique. La saison offre à un certain nombre d'intéressants développements, fidèles à eux-mêmes, mais jamais figés non plus dans leurs positions. Parmi les différentes storylines, la seule sur laquelle je garde des réserves est celle de la relation entre Marchetti et Rita, une histoire d'amour impossible que je n'ai jamais réussie à trouver crédible. Toujours est-il que la série a conservé une dimension chorale qui fait sa force, avec une caractérisation cohérente des personnages particulièrement bien mise en valeur au cours des passages de crise les plus déterminants. Les conditions de la chute du réseau gaulliste, avec ce piège qui se referme sur la ferme de rendez-vous, illustrent cette qualité.

Par ailleurs, la saison 4 aura été celle de la confirmation pour ce qui est de la maîtrise du rythme narratif. Le passage à du vrai feuilletonnant en saison 3 avait constitué un déclic pour la série, soudain capable de susciter une attente chez un téléspectateur impatient de découvrir la suite. Le même savoir-faire se retrouve : le récit est dense, sans temps mort, avec une narration homogène. Les chutes de fin en forme de cliffhanger permettent un enchaînement naturel des épisodes. La maturité de la fiction se perçoit également dans sa gestion de ses grandes trames. Par exemple, on assiste au cours de la première partie relative aux juifs à un glissement inexorable, impeccablement géré, allant crescendo dans une tonalité de plus en plus glaçante. Tout d'abord, la déportation est assimilée à une simple tâche administrative et policière. Puis surgissent rapidement la réalité d'enjeux humanitaires pressants. Mais c'est l'ordre de séparation des enfants, et enfin l'arrivée des SS, qui achèvent le basculement dans l'horreur, confirmée par l'annonce finale de la destination du groupe : Drancy. Une escalade que la série sait bien construire.

Enfin, outre sa solidité d'écriture et l'ambition de son sujet, Un Village français bénéficie également d'un casting dans l'ensemble très bon et convaincant, dont les interprétations permettent de donner une force supplémentaire aux intrigues portées à l'écran. Cette saison 4 rassemble des acteurs principaux fidèles à eux-mêmes et maîtrisant parfaitement leurs personnages, même si, les storylines variant, tous n'ont pas la même exposition que par le passé (Thierry Godard, par exemple, est plus en retrait). Quant à ceux qui arrivent au cours de cette saison, ou sont seulement de passage, ils trouvent aussi très vite le ton juste. En dépit d'une histoire un peu artificielle, Axelle Maricq apporte une belle fraîcheur à l'écran dans son rôle de Rita. Philippe Résimont rend instantanément détestable personnage de Chasagne, un des rares à être présenté sans la moindre ambivalence. Nathalie Bienaimé se sera affirmée en se rapprochant d'un Raymond Schwartz moins présent. Et puis, en radio parachuté de Londres, je ne dis jamais non à quelques épisodes comprenant Jérôme Robart. 

Bilan : Avec un récit dense et un rythme de narration très bien maîtrisé, la saison 4 de Un Village français marque une nouvelle étape dans la maturation d'une série qui semble désormais prendre pleinement la mesure de la force et de l'ambition de son sujet. Capable de susciter une vraie implication émotionnelle grâce à l'humanité de ses personnages, la série conserve dans le même temps l'approche pleine de sobriété et de retenue qui fait sa force, lui permettant de traiter avec beaucoup de justesse de thèmes difficiles. Cette saison 4 aura été une saison pleine et solide, confirmant la progression constante d'une oeuvre parvenue à maturité.

En conclusion, si cela n'est pas déjà fait, un rattrapage s'impose avant février prochain.

NOTE : 8/10

La bande-annonce de la saison :

[Blog] My Télé is rich! fête ses trois ans

"Ai-je bien entendu ? Un Blog-Anniversaire ?!"

Oyez, oyez..! Aujourd'hui est une date particulière pour ce blog. En effet, en ce 27 octobre 2012, My Télé is rich! fête ces trois ans. Trois saisons, c'est l'âge de la maturité pour une série. Ça l'est aussi sans doute pour cet espace de partage, et surtout pour la blogueuse que je suis.

Je le disais déjà l'an dernier, mais c'est encore plus perceptible à mes yeux cette année : s'astreindre à une publication régulière est un exercice stimulant d'apprentissage permanent dans la réception des séries, dans leur analyse, ainsi que dans le renouvellement constant de ce qui fonde notre passion. Cela oblige à être curieux, à s'informer, à échanger... Il y a quelque chose d'assez exaltant à sentir que les repères se créent peu à peu pour approcher tel ou tel type de fictions, tel ou tel petit écran, à constater que les préconceptions disparaissent naturellement à mesure que se cultive une certaine ouverture d'esprit, qu'une meilleure compréhension de la télévision se dégage peu à peu, que la curiosité nourrit la curiosité et que l'écriture se fait plus assurée et, j'espère, plus intéressante, quand il s'agit ensuite d'aborder une série.

Il reste bien des limites frustrantes à cet exercice de rédaction quotidienne, à commencer par un temps libre non extensible et l'obligation de faire des choix constants de visionnage, mais aussi de sujets traités. Cependant un équilibre et un rythme s'installent assez naturellement au fil des semaines. Cette année, les 3 billets hebdomadaires moyens, accompagnés de l'abandon définitif des reviews épisode par épisode, m'ont semblé être les plus adéquats pour aborder un maximum de fictions tout en conservant des billets avec un minimum de contenu. J'aime toujours autant l'idée de partager mes découvertes, évidemment plus mes coups de coeur que mes déceptions ; car ce blog reste avant tout le carnet de visionnage personnel d'une passionnée. Rien de plus, rien de moins. Il me ressemble avec ses billets parfois trop longs, ses lubies exotiques assumées et ses envolées dithyrambiques revendiquées.

Il est sans doute assez paradoxal d'écrire avoir l'impression que cette année à tenir ce blog a peut-être été plus enrichissante pour moi que pour vous. J'ai le sentiment d'avoir pu vraiment poursuivre un projet qui me tient à coeur, celui de me construire une "sériephilie sans frontières", et, dans le même temps, d'essayer de légitimer et d'expliquer cette passion par-delà le petit écran anglo-saxon. L'idée d'une mondialisation des séries semble de plus en plus faire son chemin, grâce à l'accès que permettent certaines chaînes ou services de streaming, et aussi du fait des multiples achats par les Américains de concepts étrangers (qui démontrent toute la créativité existant au niveau international). Seulement je remarque également que certaines barrières semblent toujours difficilement franchissables.

Parmi ces sous-ensembles de fictions en dehors de l'Occident, il y a notamment l'Asie (que j'évoque, car c'est le sujet que je maîtrise le mieux, mais on pourrait pareillement s'interroger en se tournant par exemple vers le sud et l'est de la Méditerranée). Dans ce cas précis, c'est d'autant plus frustrant que j'ai parfois le sentiment de suivre deux communautés dynamiques quasi-imperméables l'une à l'autre. Comme si apprécier une série japonaise ou sud-coréenne ne pouvait pas correspondre à la même sériephilie qu'apprécier une série américaine ou anglaise. Comme s'il s'agissait de deux publics sans points communs. Or la quête de la fiction qui marque, touche, fait réfléchir ou rire, est identique. Les mêmes mécanismes de mise en perspective, de prise de recul, d'analyse de construction narrative, d'attentes face à l'oeuvre sont bel et bien sollicités... Toutes ces productions légitiment bel et bien une sériephilie.

Sur un plan comptable, cette année, il y a eu en tout 152 billets sur My Télé is rich!, couvrant des séries de 18 (!) nationalités différentes, soit cinq de plus que l'an dernier, le double par rapport à il y a deux ans. Cette évolution depuis les débuts du blog reflète bien mon élargissement progressif à de nouveaux horizons au-delà des pays les plus téléphagiquement connus, ainsi que tout l'enrichissement apporté. C'est le signe d'un accès facilité à certaines fictions, mais aussi d'un réel dynamisme qualifitatif de la production télévisuelle de plusieurs pays. Même si ces chiffres restent incomplets, car je ne reviewe pas tout ce que je regarde, les grandes tendances vers lesquelles me conduisent mes affinités se retrouvent dans le tableau statistique suivant.

Nombre de séries traitées par pays

Pays	1re année	2e année	3e année
Etats-Unis	31	24	24
Royaume-Uni	56	37	35
France	2	3	7
Européennes Autres	1	7	20
_ Allemagne	/	1	1
_ Danemark	/	4	4
_ Espagne	/	/	1
_ Estonie	/	/	1
_ Irlande	/	1	/
_ Islande	/	2	4
_ Italie	1	/	2
_ Norvège	/	/	2
_ Pays-Bas	/	/	1
_ Portugal (/Brésil)	/	1	/
_ Russie	/	/	1
_ Suède	/	/	3
Australie	/	4	4
Canada	2	2	2
Israël	/	/	2
Nouvelle-Zélande	1	2	/
Asie	48	47	47
_ Corée du Sud	37	30	23
_ Chine (Rep. Pop.)	1	/	/
_ Hong Kong	/	1	/
_ Japon	10	14	24
_ Taiwan	/	2	/
Nombre de pays	9	13	18

Que disent ces chiffres ? Que je suis toujours fidèle à l'Angleterre (malgré une année assez mitigée outre-Manche), suivie par un trio de pays aux parts désormais quasiment égales, composé des Etats-Unis, de la Corée du Sud et du Japon. L'exploration de nouveaux horizons n'a pas remis en cause les bases posées l'an dernier, puisqu'on constate une stabilité globale du côté des pays phares. Les séries britanniques n'ont baissé que très légèrement, et les américaines se maintiennent à un niveau identique après la chute de consommation enregistrée de 2007 à 2011. Parallèlement, l'ouverture à de nouveaux pays confirme plusieurs tendances. L'ensemble "séries européennes autres" a considérablement augmenté, avec une affection toute particulière pour l'Islande ou encore la présence solide de la Scandinavie (au Danemark stable, se sont ajoutées la Suède et la Norvège). Et puis, on notera aussi que j'ai en partie tenu mes résolutions envers le petit écran français : je n'en ai pas toujours parlé, mais j'ai quand même beaucoup plus expérimenté. Au final, 7 séries françaises traitées avec du très bon actuel, mais aussi des rattrapages plus anciens tel un chouette cycle ORTF à poursuivre. En Asie, il y a la confirmation du re-équilibrage progressif entre la Corée du Sud et le Japon, pour la première fois au profit du second (on revient à ma situation de 2008) qui a en plus été le deuxième pays le plus traité cette année sur le blog (même si en nombre d'heures de visionnage, le pays du Matin Calme doit rester devant vu la durée moyenne des k-dramas par rapport aux j-dramas). Il faut noter que c'est la première année où je suis vraiment chaque saison japonaise sans décalage ; et si vous ajoutez à cela quelques rattrapages, logiquement, la part a considérablement grandi, tandis que je me suis obligée à pré-sélectionner plus en Corée du Sud.

Les longs discours, c'est bien sympa, mais soyons pragmatique, attaquons donc ces gâteaux.

Tenir ce blog ou gazouiller sur twitter est aussi une source d'enrichissement grâce à tous ces échanges initiés qui apportent de nouvelles perspectives, confrontent des opinions, mais aussi permettent de partager des enthousiasmes communicatifs, des attentes collectives, qui rompent la solitude du sériephile seul face à son écran. Aussi subjectifs et personnels que soient nos choix de visionnages, avoir la chance de faire partie d'une communauté est une source de vitalité pour l'intérêt porté au petit écran. Il y a trois ans, je ne savais plus trop comment faire grandir et mûrir une passion pour les séries déjà ancienne et qui peinait peut-être à se renouveler et à se trouver de nouveaux challenges. Ces défis, vitaux, je les ai découverts en me tournant vers de nouveaux horizons, en changeant mon approche des séries vers une vision plus internationale. Pour le moment, ils sont la source d'une solide motivation, pour tout ce qu'il m'apporte dans la compréhension des ressorts de la fiction télévisuelle comme dans l'éclairage culturel permis. C'est l'essentiel.

Quant au futur, l'année qui s'ouvre est marquée d'un grand point d'interrogation. Je n'ai pas l'intention d'arrêter d'écrire sur les séries, mais tout dépendra de l'orientation que prendra une vie professionnelle qui arrive à un carrefour - et à une certaine consécration aussi dans un peu plus d'un mois. Il y aura probablement des changements, dans le rythme ou le format, au cours de cette quatrième année. Nous verrons bien. J'espère cependant avoir l'occasion de partager avec vous encore quelques voyages téléphagiques et coups de coeur marquants. Mais peu importe où tout cela nous conduit, je tiens en tout cas à vous remercier, chers lecteurs, pour vos visites occasionnelles ou régulières, avec une pensée toute particulière pour ceux qui ont laissé une trace de leur passage dans les commentaires des billets. C'est aussi cela qui conforte les blogueurs dans leur envie de partager. Donc merci.

J'espère que vous avez aimé les voyages de cette troisième année.

Voguons vers de nouveaux horizons sériephiles..!

(J-Drama / Pilote) Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi : une parodie de jeux de rôle toujours aussi percutante et drôle

[Would you like to start a quest?]
[Yes]   ->[No]
[What are you saying? Are you stupid?]
[If you don't select "YES", we can't start!]
[It will be "Majisuka Gakuen 3" again this week!]
[Don't tell me that's better!?]
[Well...]
[Really..]
[I'm not trying to intimidate you or anything]
[I'll ask you again okay?]

 

Parmi les attentes de l'automne au Japon, outre des nouveautés, figurait un retour qui, tout particulièrement, était placé en haut de mes priorités de dramas à suivre. Après avoir créé son petit buzz il y a un an, Yuusha Yoshihiko est en effet de retour pour une deuxième saison sur TV Tokyo depuis le 13 octobre 2012. Souvenez-vous, c'était cette savoureuse parodie se réappropriant pour mieux les détourner les codes des jeux de rôle dans un cadre de fantasy qui m'avait fait sacrément rire l'été dernier. Elle avait été une excellente surprise et un de mes coups de coeur comiques en provenance du Japon en 2011 (vous qui connaissez ma désaffection chronique pour tout ce qui se rapproche du genre comédie, vous mesurez l'exploit). Désormais nommée Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi, cette suite promet de s'inscrire dans la même veine que la première saison. Restait à savoir si l'inspiration des scénaristes serait au rendez-vous pour permettre à la série d'éviter l'écueil de la répétition. A voir ces débuts, on peut être optimiste !

Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi s'ouvre cent années après la quête suivie lors de la première saison, culminant avec l'affrontement contre Maou. Un siècle a passé, et l'oeuvre de nos héros devenus légendaires semble désormais n'être plus qu'un lointain souvenir. En effet les monstres sont de retour sur Terre, regagnant du terrain et menaçant les villages. A nouveau, les hommes se cherchent un héros, quelqu'un à qui confier cette quête de lutter contre eux et de les repousser. Et, à nouveau, les volontaires pour cette aventure téméraire ne se bousculent pas.

Ayant conservé quelques enseignements de Yuusha Yoshihiko, ceux de son village en appellent à la divinité qui avait guidé les pas de leur héros 100 ans auparavant, le fameux Hotoke. Ce dernier répond à leurs prières et accepte de ramener à la vie l'équipe qui avait autrefois vaincu Maou. Voilà donc Yoshihiko et ses trois compagnons de retour pour reprendre les armes contre les monstres. Il s'agit cette fois de partir en quête d'une clé qui repoussera ces derniers hors de cette réalité. Evidemment, Hotoke, fidèle à lui-même, a négligé quelques détails lorsqu'il a rappelé Yoshihiko...

Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi réussit l'exploit de conquérir le téléspectateur dès le dialogue introductif complètement décalé qui occupe ses premières secondes d'écran noir (cf. le passage reproduit en introduction de ce billet). La seconde saison est dès lors parfaitement posée, clamant haut et fort que les codes des RPG seront toujours omniprésents, pour toujours être mieux détournés. L'approche parodique décomplexée se révèle à nouveau particulièrement réjouissante. D'autant plus que rien ne se prête mieux aux chutes inattendues surréalistes et au développement allant à rebrousse-poil que la période précédant une quête, durant laquelle on s'efforce de dénicher le héros à qui l'on pourra faire porter la responsabilité du combat contre les monstres. La première saison s'était démarquée dès le départ grâce à cela, la seconde séduit pareillement en revisitant les scènes les plus classiques du genre pour mieux en changer le dénouement et offrir quelques réparties cinglantes qui provoqueront plus d'un franc éclat de rire. A ce petit jeu de la surenchère, il faut accorder une mention spéciale au descendant de Yoshihiko, un gamin plein aplomb dont les répliques à contre-courant offrent quelques-uns des meilleurs passages du premier épisode.

Plus généralement, Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi réussit parfaitement la réintroduction prétexte de nos quatre héros, ramenés à la vie cent ans après leur dernière aventure ensemble... Ce premier épisode s'avère être un véritable Hotoke-show. La divinité, passée maître dans l'art de s'emmêler les pinceaux, oublie bien des détails fondamentaux pour s'assurer de la mise en ordre de bataille de nos héros. Du retour en vieillard incapable de tenir une épée jusqu'à l'absence de sauvegarde de niveau - les forçant ainsi à reprendre tout au début de la quête, Hotoke ne leur épargne rien. Pour la plus grande exaspération de nos protagonistes, mais évidemment pour le plus grand enthousiasme d'un téléspectateur que ces contre-temps amusent grandement. Il faut noter que la première saison n'est pas oubliée : le drama renoue de manière inspirée avec certains de ses running-gags. Il recycle aussi des dynamiques réussies, capable de les revisiter en adoptant d'autres approches (comme le montre le deuxième épisode). Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi part donc sur de solides bases, détournant avec toujours autant d'enthousiasme les clichés et les règles si universelles de l'univers des jeux de rôles... il y a sans conteste matière à nourrir une nouvelle saison pleine.

 

Sur la forme, Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi reste un "Low Budget Action Adventure Story". C'est ce qui fait son charme. Le drama s'est toujours fait une spécialité de tirer profit de son absence de budget, pour mieux rivaliser d'imagination afin d'introduire des effets extrêmement cheap qui contribuent au côté décalé de l'ensemble. Rien de tel, pour provoquer un sourire, que d'introduire un terrible monstre en carton bleu de niveau 1, ou de faire garder un objet important par une terrible peluche sanguinaire... d'une hauteur d'une poignée de centimètres. L'environnement intègre pleinement, en l'assumant et en la cultivant, la dimension parodique de la série qui, en plus, ne coûte pas un sou. La réappropriation des codes du RPG reste cependant fondamental, jusque dans les effets sonores. Et l'excellent nouveau générique bien rythmé (cf. la vidéo ci-dessous) est aussi très riche en symbolique, introduisant parfaitement l'univers.

Enfin, on retrouve dans cette deuxième saison le même casting principal que pour la première pour la satisfaction d'un téléspectateur qui ne pouvait imaginer ne pas revoir la dynamique qui s'était installée entre eux. Yamada Takayuki (Churasan, Byakuyako) réendosse le costume du héros par excellence. S'il est toujours entouré de Kinami Haruka (Sunao Narenakute, BOSS 2), Takuma Shin (Komyo ga Tsuji) ou encore Muro Tsuyoshi (Tofu Shimai), le premier épisode laisse plus particulièrement libre expression à un Sato Jiro (Control~ Hanzai Shinri Sousa)  en forme dans un registre plein d'excès : il s'amuse manifestement beaucoup en divinité dérangée en pleine réunion familiale, toujours vaguement irresponsable, si loin de l'image de sage vénérable et omniscient attendue.

 
 

Bilan : Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi signe un retour dans la droite ligne de sa très drôle première saison. Parodie rythmée et dynamique nous immergeant dans les codes si bien réglés (et trop familiers) de l'univers des jeux de rôle, ce drama manie les chutes inattendues, les ruptures de tonalité et une dimension décalée revendiquée avec un aplomb et un enthousiasme communicatifs. Véritables invitations à s'amuser devant son petit écran, ces 25 minutes hebdomadaires seront certainement un de mes rendez-vous téléphagique préféré des semaines à venir. Et c'est tant mieux.

Si vous avez apprécié Yuusha Yoshihiko to Maou no Shiro, vous êtes sans doute déjà installés devant Yuusha Yoshihiko to Akuryou no Kagi. Si vous n'avez pas encore mis un pied dans ce drama à part, il n'est pas trop tard pour apprécier cette comédie joyeusement décomplexée.

NOTE : 7/10

Le générique de la saison :

 

(US) Babylon 5 : une puissance épique et mythologique intacte pour la fin des rêves

Tout a commencé il y a quelques semaines devant le pilote de Last Resort. Un officier militaire, commandant d'un appareil capable de donner une autonomie défensive à son équipage, qui rompt avec sa chaîne de commandement et fait sécession, en se plaçant sur les champs de la légalité, mais aussi d'un certain honneur, dans l'esprit d'un sériephile, cette situation évoquait instinctivement une autre déclaration d'indépendance, tellement marquante dans son registre. La frustration ressentie devant le pilote de Last Resort et ses manques d'ampleur et de force avaient éveillé en moi l'envie irrépressible de retrouver un vrai passage d'anthologie. Si vous ajoutez à cela le blues d'une rentrée sériephile relativement morose dans la télévision occidentale, vous comprenez comment, hier, mes DVD de Babylon 5 se sont soudain retrouvés dans le lecteur de mon salon. J'ai regardé plusieurs épisodes d'affilée, jusqu'à parvenir au fameux Severed Dreams (3.10). Et vous ne pouvez pas imaginer combien il peut être bon de retrouver certains fondamentaux.

Babylon 5 reste une des plus belles expériences sériephiles qu'il m'ait été donné de vivre. Tout a probablement déjà été écrit sur cette épopée de science-fiction mythique au sens premier du terme. Pour comprendre le souffle qui la parcourt, il faut commencer par rappeler cette construction narrative, allant crescendo : elle voit se développer de vastes intrigues, évoluant sur plusieurs niveaux, rassemblées dans un toutélié mythologique à l'ampleur et à la maîtrise grisantes. Cela fait sa force, même si c'est aussi une limite : la saison 1 sert plutôt d'exposition dont la légitimité se comprend avec le recul, tandis que les saisons 3 et 4 représentent un apogée dont nul ne ressort indemne. Car Babylon 5, ce sont des prophéties et des visions qui s'emboîtent, des enjeux qui se comprennent a posteriori, des réponses qui arrivent tardivement à des questions à peine formulées. C'est la mise en scène d'une lutte, mais c'est surtout l'histoire d'un avènement, d'un bouleversement qui dépasse l'entendement, celui de l'entrée dans un nouvel Âge.

Au fil des saisons, les destinées personnelles des personnages se confondent avec des enjeux d'une toute autre ampleur, touchant les réalités inaccessibles des secrets de l'univers, de sa création et de son Histoire. C'est un récit épique, avec ses vrais héros, ses actions d'éclat dont chacun murmure encore le déroulement aux quatre coins de la galaxie et ses sacrifices réalisés en conscience. L'écriture joue sur les ressorts les plus purs des épopées extraordinaires, avec leur grandeur et leur naïveté, mais ne vous y trompez pas : sa richesse dévoile une complexité dégagée de tout manichéisme qui exerce une fascination jamais démentie. C'est une série peuplée de figures magnifiques, sublimées par les évènements, évoluant aussi en fonction de leurs épreuves et puisant leur force dans une adversité insoupçonnée et inimaginable. Le soin apporté à la distribution des rôles, principaux et secondaires, où transparaît un équilibre très travaillé, qui s'affine et se nuance avec le temps, s'inscrit dans cette même lignée. 

Severed Dreams, l'épisode de la déclaration d'indépendance, se situe à mi-chemin dans la série, 10e épisode de la saison 3 dans une fiction comptant cinq saisons. Il reste un des plus marquants, incarnant parfaitement tout ce qui fait l'essence de Babylon 5. La capacité des scénaristes à construire leurs intrigues sur le moyen ou le long terme, suscitant peu à peu les attentes, conduisant vers des confrontations inévitables, demeure une constante que cet épisode illustre à merveille. Il est en effet un point de rupture, nécessaire, programmé par les dérives dictatoriales du régime du Président Clark. Il est l'aboutissement d'un engrenage, parfaitement identifié, qui a débuté bien avant, et que l'accélération récente des évènements n'a fait que précipiter. Cet effort de contextualisation, méticuleux et riche en détails, fait mesurer combien la déclaration d'indépendance marque une nouvelle étape dans l'escalade létale du conflit terrien. 

Le téléspectateur a assisté, tout aussi glacé que les protagonistes impuissants, à la mise en place de la loi martiale, aux responsabilités confiées aux troupes de NightWatch, aux bombardements de Mars, à la sécession de plusieurs colonies refusant les ordres du pouvoir exécutif terrien, et enfin, à l'arrivée du vaisseau du général incarnant la résistance et la possibilité du coup d'Etat. Tandis que la chaîne d'informations continues ISN cesse d'émettre, chacun a conscience devant Severed Dreams que tous les évènements des épisodes précédents ont conduit à ce moment où il ne reste à Sheridan qu'une seule issue : celle de prendre position, et de signifier son désaccord par la rupture. La scène du discours d'indépendance n'a rien perdu de sa puissance après toutes ces années parce qu'elle occupe une place pivôt dans la construction d'ensemble de la série alors que l'Alliance Terrienne voit se profiler le spectre d'une guerre civile.

Severed Dreams représente également Babylon 5 car, comme dans l'ensemble de la fiction, il y a plusieurs niveaux de lecture et d'enjeux dans les storylines qu'il met en scène. L'affrontement terrien et la déstabilisation du régime n'est qu'un conflit parmi d'autres dans une galaxie qui semble prête à s'embraser complètement. C'est une histoire bien plus vaste, celle de l'univers, qui se met en branle, et l'épisode le souligne bien. Les fameuses Ombres, ces ennemis craints, inatteignables, ont grandi dans les recoins. Delenn et certains Minbaris n'ont pas oublié la prophétie dont ils sont les gardiens. Ils ont poursuivi leur surveillance et leurs investigations, en dépit d'un haut conseil aveugle qui s'entête à nier les évidences d'un embrasement général à venir. Severed Dreams marque ainsi une nouvelle étape dans la mise en place de chaque camp, dans le rassemblement des forces qui vont devoir s'unir et dépasser leurs préoccupations égoïstes pour envisager... la survie.

La défense de la station Babylon 5, cet espoir de paix envolé devenu la voie possible vers la victoire, incarne ces enjeux et ces prises de position qui se situent à une toute autre échelle que la simple géopolitique terrienne. La série évolue ici sur un registre hautement symbolique, mettant en scène ces alliances entre les peuples qui s'esquissent et les sacrifices que chacun est prêt à accepter dans cette période qui s'annonce. Le visuel a peut-être vieilli dans cette bataille acharnée qui a lieu, mais son intensité demeure intacte, portée par une musique dans laquelle les accents épiques n'ont jamais été aussi perceptibles. Les Narns, emmenés par G'Kar, respectent leur parole et défendent la station avec l'abnégation qu'on leur connaît. L'arrivée de Delenn, au commandement d'une flotte Minbari, scelle les bases d'une nouvelle alliance, celle qui permet d'envisager à nouveau la possibilité d'un futur. Et il faut reconnaître que sa réplique cinglante se concluant par le fameux "be somewhere else" a conservé son caractère purement jubilatoire qui provoque autant de frissons qu'au premier visionnage.

Bilan : La puissance mythologique et la construction narrative soignée de Babylon 5 fonctionnent toujours comme au premier jour. Elles se savourent peut-être encore plus d'ailleurs face à un petit écran américain où trop d'immédiateté et de besoin d'instantanéité font que l'on ne retrouve plus l'ampleur et l'intensité qui font la force de ces grands récits. C'est pour ces derniers que le format télévisuel, et la durée longue qu'il permet, prend tout son sens et sa légitimité. Sa richesse intacte, qui mériterait un article bien plus détaillé que l'éloge que j'ai trop brièvement à peine esquissé ci-dessus, explique pourquoi Babylon 5 est une série qui se doit toujours d'être découverte, même presque vingt ans après sa création. Et, en son sein, Severed Dreams reste un de ces épisodes fondamentaux, marquant une progression importante dans les intrigues, et dans lequel on retrouve toute cette multitude d'ingrédients qui ont fait la série.

Vous me pardonnerez donc cette parenthèse et ce retour en arrière aujourd'hui pour ce billet dominical. Mais pour se débarrasser des frustrations accumulées après tous les pilotes de rentrée testés ces derniers temps, replonger dans Babylon 5 a un effet revivifiant et revigorant qui fait un bien fou. De quoi se rappeler ce qu'est notre passion et les raisons de la sériephilie.

NOTE : 9,5/10

Le générique de la saison 3 :

Une des répliques cinglantes de Delenn, "Be somewhere else" :