(J-Drama) Kurumi no Heya : questionnements existentiels sur l'ambivalence des relations humaines

 

L'alternance Corée du Sud/Japon se poursuit en ce mercredi asiatique, avec un retour au pays du Soleil Levant pour dresser le bilan d'une série estivale de cette année. Si actuellement, un drama comme Kaseifu no Mita replace au centre du petit écran japonais une thématique familiale en évolution, exposant questionnements et doutes, Kurumi no Heya aborde ce même sujet avec une approche plus classique - la série se déroule dans les années 80 -, mais en réussissant cependant à trouver sa propre identité dans ce genre.

Diffusée sur NHK du 26 juillet au 30 août 2011, dans la case horaire du mardi soir à 22 heures, Kurumi no Heya comporte 6 épisodes d'une cinquantaine de minutes chacun. L'histoire est basée sur un roman de Mukuda Kuniko. Présentant un récit solide, la série va s'attacher à explorer méthodiquement toutes les approches d'une thématique familiale souvent douloureuse, mais qui demeure cependant une fondation au coeur des relations humaines.

Kurumi no Heya se déroule à Tokyo dans les années 80. Tout bascule dans la famille Mitamura lorsque le père de famille, Tadashi, disparaît du jour au lendemain sans laisser ni trace, ni adresse. Cadre jusqu'alors sans histoire, il venait d'être renvoyé de son travail et avait préféré taire sa situation professionnelle à ses proches. Les semaines passent, l'inquiétude se change en pessimisme et en fatalisme chez la mère et les quatre enfants, tous jeunes adultes. Cependant, à force de persuasion, la cadette des filles, Momoko, parvient à obtenir d'un ancien collègue de son père la vérité : ayant comme tourné la page de sa vie de famille, son père vit désormais avec une autre femme.

Plus que la disparition, c'est le choc de la révélation sur la nouvelle vie de leur père qui va faire vaciller la famille. Tandis que leur mère peine à faire face, se questionnant sur ses erreurs, Momoko s'impose de nouvelles responsabilités, prenant la place de son père pour subvenir financièrement aux besoins de la maisonnée, mais aussi pour assumer les tâches domestiques avec une mère en retrait. Seulement quelque chose paraît désormais irrémédiablement cassé, comme si toutes les certitudes que chacun pouvait avoir sur la vie avaient soudain volé en éclat. L'aînée, Sakura, doute sur la viabilité de son mariage, Yoko s'invente une famille idéale auprès de son prétendant, tandis que le plus jeune fils, en réaction contre son père, abandonne ses projets d'études, souhaitant marquer sa différence.

Kurumi no Heya va ainsi nous faire vivre ces quelques mois de crise existentielle qui vont forcer la famille Mitamura à remettre en ordre ses priorités. Entre voies du coeur et responsabilités, chacun se retrouve alors à un tournant décisif pour son avenir...

Derrière ses allures de drame familial, c'est plus généralement sur les relations humaines et leurs ambivalences que Kurumi no Heya nous interroge. S'appliquant à éclairer toutes les facettes de ce thème central qu'est la famille, la série s'intéresse à ce qui la fonde mais aussi à ses contradictions. Elle peut en effet aussi bien apparaître comme un soutien inconditionnel indispensable, que comme un poids étouffant qu'il faut fuir. A travers une galerie de portraits qui gagnent en consistance et en nuances au fil des épisodes, le drama souligne les tensions permanentes, parfois opposées, qui parcourent ces rapports humains. Si les problèmes des couples resteront au coeur de l'histoire, leur traitement diverge selon les personnes concernées. Dévoilant les dynamiques à l'oeuvre au-delà des apparences faussement policées, la série montre des protagonistes confrontés à des arbitrages constants : entre affection et habitude, dépendance et responsabilité... C'est un entremêlement ambigu, souvent touchant, des voies du coeur et de la raison qui est mis en scène.

Pour enrichir sa réflexion, Kurumi no Heya a également un autre atout : elle se déroule dans les années 80. En mettant habilement à profit son cadre, elle propose un éclairage sur la société japonaise d'alors et ses mutations en cours. Nous nous situons avant la bulle spéculative et la crise économique qui marquera la fin du XXe siècle. La série apparaît placée sous le signe de la stabilité, ou du moins de son illusion. C'est le cas non seulement sur le plan familial, où le modèle traditionnel est encore profondément ancré, mais aussi sur le plan économique, avec le rôle du père se définissant par son travail. Cependant les fissures sont déjà là. Ce n'est pas un hasard si le renvoi du mari est l'évènement déclencheur. Brusquement, la figure patriarchale faisant défaut, c'est tout l'équilibre familial qui est remis en cause. S'ensuit l'expression des doutes de chacun, soulevant des problématiques existentielles.

Kurumi no Heya restera cependant jusqu'au bout fidèle au parfum nostalgique qui en émane. Si elle pointe les limites du modèle familial exposé et de ses exigences, elle ne le brisera pourtant pas. Le propos n'est pas neutre : en 2011, utiliser ce cadre des 80s' est aussi une façon de rappeler les fondements des liens sociaux et familiaux, sans pour autant verser dans une quelconque idéalisation, ou moralisation.

Si Kurumi no Heya traite habilement de ces problématiques humaines, l'attrait que la série exerce sur le téléspectateur tient également beaucoup au souffle qui la parcourt. Non seulement elle bénéficie d'une construction narrative très bien maîtrisée, jusqu'à ses fins d'épisodes en forme de cliffhanger qui aiguisent la curiosité, mais en plus, elle trouve une justesse de ton à saluer. La lecture du synopsis ne laissait guère de doute sur le genre dramatique qui allait être investi : l'implosion d'une famille n'est pas un sujet gai. Pourtant une des grandes réussites du drama va être de savoir éviter l'écueil d'un pathos trop pesant où la part de mélodrama aurait déstabilisé ou éclipsé la consistance de l'histoire. Au contraire, il surprend par la dynamique irrésistible qui le traverse, incarnée par un personnage principal fort, Momoko, auquel le téléspectateur s'attache instinctivement. Au-delà des sacrifices que la jeune femme est prête à faire pour sa famille, ce qui marquera surtout, c'est sa capacité à toujours aller de l'avant, envers et contre tout. Il émane d'elle une vitalité constante qui restera le trait d'union le plus certain entre tous les membres de sa famille.

Cette force sous-jacente se perçoit aussi dans la dimension plus émotionnelle que développe la série. Certes le téléspectateur ne peut rester insensible à ce récit souvent poignant. Si le drama fait toujours preuve de beaucoup de sobriété et d'une retenue assumée, le visionnage reste éprouvant devant la force de certaines scènes de confrontation. Pour autant, comme un écho à l'ambiguïté des relations dépeintes, la tonalité conserve une part de légèreté. Car les difficultés ont un apport majeur : elles révèlent la valeur et l'importance de choses que l'on considérait jusqu'alors comme des acquis. Les personnages vont alors chérir plus précieusement encore les quelques moments de répit, savourant ces instants où l'avenir semble soudain s'éclaircir et où les sentiments renaissent. C'est pourquoi l'histoire n'est pas triste ; c'est un récit de vie qui, au gré des épreuves, fortifie ses protagonistes, leur permettant de s'interroger sur leurs priorités. C'est sans doute pour cela que le téléspectateur sort du visionnage de Kurumi no Heya tout aussi rasséréné.

Solide sur le fond, Kurumi no Heya va en plus se construire une ambiance très soignée sur la forme. Si la reconstitution des années 80 reste minimaliste, surtout identifiable grâce à la technologie d'époque, en revanche, c'est par sa bande-son que ce drama se démarque. Non pas qu'il reprenne des morceaux d'époque, mais il va bâtir un parfum relativement intemporel en recourant à des musiques plutôt traditionnelles. De manière ainsi originale, renforçant sans doute la fibre nostalgique qu'elle peut réveiller chez le téléspectateur, toute la série est rythmée par des instrumentaux, qui accompagnent la narration et soulignent les passages les plus intenses. C'est un parti pris recherchant volontairement la simplicité, accentué par le choix de la chanson douce et mélancolique qui referme les épisodes. Tout cela contribue à construire l'atmosphère de ce drama et à lui donner une identité propre.

Enfin, Kurumi no Heya bénéficie d'un casting appréciable. C'est sur les épaules de Matsushita Nao que repose une partie de la dynamique de la série, la jeune femme étant celle qui prend les rênes de la famille lorsque son père fait défaut. J'aime bien cette actrice qui fait toujours preuve de beaucoup d'énergie et que j'avais appréciée en début d'année dans Control ~Hanzai Shinri Sousa. A ses côtés, on retrouve une distribution homogène, au sein de laquelle on croise notamment Takeshita Keiko (Saka no Ue no Kumo), Kanie Keizo (Ryomaden), Igawa Haruka (Freeter), Seto Koji (Otomen), Harada Taizo (Atsu-Hime), Usuda Asami (Tokyo DOGS), Nishida Naomi ou encore Equchi Noriko.

Bilan : Histoire familiale aux thématiques classiques mais consistantes, Kurumi no Heya est un drama intéressant qui marque par sa capacité à éclairer toute l'ambivalence des relations humaines, en essayant de réfléchir à ce qui fonde une famille. Poignante et touchante à l'occasion, mais jamais larmoyante, la série trouve le juste équilibre grâce à la dynamique inébranlable qui la traverse, admirablement portée par le personnage de Momoko. L'immersion dans les années 80 apporte en plus une distance par rapport au portrait proposé, permettant l'introduction d'une touche de nostalgie qui est renforcée par la bande-son originale et très travaillée qui accompagne la série. A découvrir.

NOTE : 7,5/10

(UK) Downton Abbey, saison 2 : tournant mélodramatique dans la tourmente de la Première Guerre Mondiale

Poursuivons les bilans sur les séries du petit écran anglais de ces dernières semaines, avec une review qui se sera révélée bien difficile à rédiger. Downton Abbey avait été un de mes grands coups de coeur (si ce n'est "LE" coup de coeur) de l'an passé ; un period drama aussi marquant que savoureux qui avait su me faire vibrer comme rarement. C'était donc avec une certaine impatience que j'attendais cette saison 2 qui a été diffusée cet automne sur ITV1. L'équilibre narratif, tant loué, allait-il perdurer ? La série allait-elle se maintenir à la hauteur d'une réputation qu'elle s'était forgée de façon très méritée ?

Tout l'enjeu de cette nouvelle saison aura été la négociation du tournant constitué par la Première Guerre Mondiale. La saison 1 nous avait quitté sur la déclaration de guerre de 1914, la suite nous plonge directement dans le conflit pour couvrir une période relativement étendue qui nous conduira jusqu'en 1919. La vaste demeure qu'est Downton Abbey va une nouvelle fois être le reflet des évolutions du pays, avec ses hommes au front, l'effort de guerre requis des civils et ses blessés qui affluent. Comment chacun va-t-il traverser, humainement et émotionnellement, ces bouleversements ?

La Première Guerre Mondiale agit sur Downton Abbey comme sur ses personnages : on y retrouve une perte d'innocence, en étant soudain confronté à la réalité d'un conflit qui fait peser une véritable épée de Damoclès sur certains personnages. La série embrasse un tournant mélodramatique qui se révèle souvent poignant, parfois même très éprouvant (les pyramides de kleenex construites lors du visionnage de certains épisodes sont là pour en attester). Plus que tout, le ressenti émotionnel demeure la dynamique centrale la série. Downton Abbey conserve en effet une faculté rare, celle d'être capable d'ouvrir et de toucher directement le coeur du téléspectateur. Elle peut nous émouvoir en simplement quelques lignes de dialogues ou en une scène symbolique parfaitement maîtrisée. Cette marque de fabrique reste une des forces de l'oeuvre.

Parallèlement, la saison 2 s'inscrit également dans une continuité revendiquée sur le fond. En dépit de tous les bouleversements traversés, les bases de la série demeurent invariables. Elles semblent même revendiquer une dimension presque intemporelle qu'elles acquièrent en raison du recours abusif à des ellipses qui nous font traverser les années sans en avoir pleinement conscience. Tandis que la guerre permet d'accélérer le tourbillon des changements sociaux, la frontière entre les deux milieux devient de plus en plus poreuse - le personnage de Sybie en restant le symbole le plus représentatif. De plus, la série continue d'explorer ses relations phares, lesquelles semblent vouées à ne pouvoir fonctionner : Mr Bates et Anna, Matthew et Mary... Mais en voulant trop protéger ces recettes inchangées, la série en perd la fraîcheur étonnante qui avait marqué sa première saison.

Si la saison 1 de Downton Abbey était un bijou, elle le devait non à son originalité - la série embrassait et s'appropriait les codes narratifs d'un period drama classique sans les remettre en cause -, mais pour l'équilibre fragile et précieux qu'elle avait su trouver. Semblable à une partition musicale parfaitement huilée, l'enchaînement des évènements et l'entremêlement des storylines avaient permis un parcours sans fautes. Au cours de cette saison 2, le sens du dosage se dilue, une part de la magie également. Les dialogues sont toujours aussi bien ciselés, mais il manque une spontanéité. Les ficelles narratives se retrouvent soudain comme exposées au grand jour. La série en devient prévisible, tant dans ses développements que dans ses retournements de situation.

Plus problématique, en poursuivant l'exploration des relations qui avaient constitué l'assise de la première saison, Downton Abbey tombe dans le travers de la répétition, en appliquant invariablement une même recette pour rythmer les rapprochements et éloignements de chacun. Au-delà du gênant sentiment de vanité qu'ont certaines des épreuves qui s'élèvent constamment sur la route de nos héros, le scénariste prend en plus la frustrante habitude de ne pas aller toujours au bout des storylines qu'il initie. Les problèmes soulevés ont trop souvent l'art de se résoudre en empruntant un raccourci facile, qui élimine l'obstacle d'une façon ou d'une autre, revenant brutalement au point de départ. En cédant ainsi au plus simple, la série perd également en nuances, certains comportements relevant alors plus de la caricature, voire sortant même du canon établi jusqu'alors par la fiction. La qualité se fait donc plus inégale. 

S'il y a à redire sur le fond, il faut en revanche reconnaître que Downton Abbey demeure égale à elle-même sur la forme. Conservant toujours ce style particulièrement soigné et l'art d'une mise en scène où la caméra alterne habilement entre des plans larges, qui prennent la mesure des décors, et des passages au cadre plus serré permettant de souligner des scènes plus intimes. Ce savoir-faire permet une reconstitution historique appréciable, à saluer jusque dans les quelques scènes de guerre proposées. La clarté de la photographique accentue d'ailleurs cette impression quasi-enchanteresque qui fait de la série un plaisir pour les yeux.

Enfin, Downton Abbey continue de pouvoir s'appuyer sur un casting très solide qui donne vie à cette galerie éclatée de personnages si différents. Il est une nouvelle fois difficile de faire des choix devant une telle homogénéité, mais soulignons que ce sont souvent les femmes qui resplendissent le plus cette saison. Certaines s'affirment et évoluent favorablement, à l'image par exemple de Laura Carmichael dont le personnage d'Edith se nuance. Jessica Brown Findlay conserve une fraîcheur admirable à l'écran. Maggie Smith, fidèle à elle-même, bénéficie une nouvelle fois des quelques lignes les plus percutantes, celles qui emportent toute la scène dans laquelle elle joue. Par ailleurs, la sobriété de Brendan Coyle fait toujours des merveilles à l'écran. Enfin, pour conclure sur une note plus légère, il faut bien avouer que je ne suis décidément pas insensible au charme de Dan Stevens (au point de m'avoir fait regarder Have I Got News For You qu'il présentait ce vendredi...).

Bilan : La Première Guerre Mondiale permet à Downton Abbey d'embrasser un tournant mélodramatique au cours duquel la série, à l'image de ses personnages, perd une part de son innocence. Plus sombre et poignante que la première, elle aura su me faire vibrer émotionnellement comme peu de fictions en sont capables. Cependant, si cette deuxième saison reste fidèle aux thèmes qui ont fait la force de la série, c'est avec moins de subtilité qu'elle applique des recettes semblables. Devenue prévisible, la série ne parvient pas à dépasser ses schémas fondateurs, au risque de tomber dans une certaine répétition au parfum quelque peu vain.

Mais ne vous y trompez pas, si l'enthousiasme dithyrambique qu'avait suscité chez moi la première saison explique en partie cette review mitigée, Downton Abbey reste un très solide period drama, qui se repose habilement sur des personnages ne laissant pas indifférents. J'attends donc avec impatience l'épisode spécial de Noël qui sera diffusé le 25 décembre sur ITV1 !

NOTE : 7,75/10

La bande-annonce de la saison 2 :

(Mini-série UK) Hidden : un thriller conspirationniste inachevé

 

L'année 2011 aura permis de vérifier combien le thriller conspirationniste demeure un genre particulièrement prisé par la BBC. Après la si fascinante The Shadow Line diffusée sur BBC2 au printemps, cet automne, durant le mois d'octobre, c'était au tour de BBC1 de proposer sa propre incursion dans ce registre, avec une mini-série en quatre parties, Hidden. On retrouve au scénario l'écrivain nord-irlandais Ronan Bennett, dont le nom doit commencer à vous être familier puisqu'il est également à l'origine de Top Boy, dont j'ai reviewé la première saison la semaine dernière.

Si Hidden reste loin de ses glorieuses aînées, de la culte The Edge of Darkness à la plus récente, ayant remis au goût du jour ce genre, State of Play, elle se révèle néanmoins très prenante, tout en nous laissant malgré tout sur une impression d'inachevé un brin frustrante lors de sa conclusion. En résumé, Hidden avait beaucoup de bonnes idées, mais elle n'aura pas su pleinement en prendre la mesure. Elle reste cependant très intéressante.

Harry Venn est un solicitor (la transposition du système juridique anglais en français étant impossible, disons qu'il s'agit d'une sorte d'avocat qui ne plaide pas). Il traite de petites affaires, avec un unique assistant, tout en ayant une vie familiale très chaotique. Non seulement ses relations sont délétères avec son adolescent de fils, mais il est également fâché avec son père depuis la mort de son frère aîné dans des circonstances troubles, deux décennies auparavant. Cependant sa vie va vraiment basculer lorsqu'il est contacté par une consoeur, Gina Hawkes.

Cette dernière cherche apparemment à vérifier l'alibi d'un de ses clients, mais ce sont surtout de nouvelles questions sur les évènements tragiques s'étant déroulés il y a 20 ans qu'elle fait ressurgir. Les investigations de Harry l'entraînent alors sur une piste bien dangereuse au terme de laquelle se trouve peut-être les réponses tant espérées sur la mort de son frère, mais aussi une conspiration prenant racine au coeur du système politique anglais et qui pourrait bien sceller la fin de la démocratie.

Représentante d'une tradition éprouvée de polars conspirationnistes qui savent tenir le téléspectateur en haleine jusqu'à l'ultime scène, Hidden s'approprie une recette bien connue, sans manquer d'ambitions propres. Exploitant une toile de fond constituées par des tragédies passées, demeurées inexpliquées, et qui pèsent toujours sur ses protagonistes principaux, elle entraîne ces derniers dans une quête de vérité particulièrement dangereuse. Derrière ces drames personnels, se dessine peu à peu une conspiration médiatico-politico-militaire autrement plus déstabilisante qui vient exploiter le thème de la défiance envers les institutions, mettant en scène un pays plongé dans un chaos volontairement entretenu par certains intéressés. 

Préférant suggérer des possibilités plutôt que d'énoncer clairement des faits, soulever de nouvelles questions plutôt que d'apporter des réponses, Hidden intrigue vite le téléspectateur. La mini-série prend un malin plaisir à dévoiler pièce par pièce son puzzle, laissant dévoilant peu à peu ses véritables enjeux. Si elle sait captiver, la fiction le doit non seulement à cette ambiance de thriller paranoïaque qu'elle va mettre place, mais aussi au personnage central de Harry Venn, lequel s'impose comme le digne héritier de ces anti-héros fatigués, entraînés dans des histoires qui les dépassent mais dont il faut bien voir le bout. Ce n'est donc pas un hasard si les passages les plus réussis resteront ces scènes de tension palpable où tueurs et personnages principaux ou secondaires s'entrecroisent, parfois fatalement.  

Cependant Hidden n'ira pas jusqu'au bout des ambitions affichées. La mini-série laisse en effet une impression assez paradoxale. Passé un premier épisode, un peu incertain mais qui réussit à aiguiser la curiosité du téléspectateur, les épisodes suivants vont suivre une tension allant crescendo : toujours prenants, ils se regardent avec plaisir et ne souffrent d'aucune baisse de rythme. Même les scènes politico-médiatiques, quelque peu parachutées dans le pilote, trouvent ensuite leur place, parenthèses permettant de comprendre ce qui est à l'oeuvre. Seulement Hidden ne va pas réussir à prendre pleinement la mesure d'un potentiel qu'elle laissera juste entre-apercevoir.

La mini-série échoue en effet à trouver le liant qui lui aurait permis de former un tout cohérent et solide qui aurait offert un véritable climax final et une résolution totalement satisfaisante. C'est par sa construction narrative que la fiction pèche. Non seulement elle fait parfois preuve d'une maladresse dommageable, par exemple en rendant trop prévisible le développement autour du frère de Harry et des mystères qui l'accompagnent, mais surtout, la fiction n'évite pas certains travers du genre conspirationniste. Elle se complaît trop dans un flou volontaire, aimant soulever les questions, créer des connexions, mais étant moins habile quand il s'agit ensuite de relier l'ensemble et de proposer un puzzle pleinement assemblé à la fin. Cependant si Hidden ne parvient pas pleinement à se donner les moyens de ses ambitions, elle n'en demeure pas moins un essai prenant et efficace qui devrait grandement satisfaire les amateurs de ce type de récit.

A défaut d'être pleinement aboutie sur le fond, Hidden bénéficie d'une forme particulièrement soignée. Privilégiant les plans serrés qui permettent de jouer sur et de faire ressortir une tension palpable grâce à la nervosité de la caméra, la réalisation s'avère parfaitement maîtrisée. Les teintes utilisées pour la photographie, qui donnent aux images des couleurs un peu ôcres, renforce l'ambiance de polar. Quant à la bande-son, la musique est également bien utilisée, servant notamment à accentuer les passages à suspense.

Enfin, un des atouts de Hidden réside indéniablement dans la solidité de son casting. Philip Glenister (Life on Mars, Ashes to Ashes, Mad Dogs), égal à lui-même, impose sa présence charismatique et abrasive ; il est parfait pour incarner ce solicitor pragmatique dont le passé trouble refait soudain surface. La dynamique qui s'installe avec Thekla Reuten (Sleeper Cell) fonctionne également très bien ; tout en gardant chacun une indépendance farouche, les deux se retrouvent forcés de faire front commun face à cette menace dont ils ne cernent pas encore les tenants et les aboutissants. Par ailleurs, on croise également des seconds rôles très convaincants, à commencer par Anna Chancellor (Spooks, The Hour), excellente comme toujours, mais également Michael Winder, Thomas Craig ou encore David Suchet.

Bilan : Thriller soigné sur la forme, indéniablement prenant sur le fond, reprenant des ingrédients classiques qui fonctionnent, Hidden est une oeuvre intrigante dans laquelle le téléspectateur se laisse facilement prendre au jeu de ce suspense. Cependant, si les épisodes savent retenir l'attention de plus en plus sûrement, la mini-série n'évite pas l'écueil classique des fictions conspirationnistes, celui de la surenchère. Entretenant trop longtemps un flou, avec des réponses qui soulèvent invariablement plus de questions qu'elles ne satisfont notre curiosité, c'est sur une note d'inachevé que se conclut presque trop hâtivement l'histoire. Si Hidden laisse donc quelques regrets et l'impression d'une idée pas complètement exploitée, l'ambiance qu'elle aura su cultiver justifie cependant amplement une découverte avertie. 

NOTE : 6,75/10

Quelques images de la série :

(K-Drama / Pilote) Flower Boy Ramyun Shop : une comédie romantique enlevée et colorée

Après deux semaines successives consacrées au Japon, ce mercredi asiatique signe un retour en Corée du Sud. Si j'ai passé la majeure partie de mon temps sud-coréen, ces dernières semaines, à savourer des sageuk, il était temps de retrouver un autre genre prisé de ce petit écran : la comédie romantique. Ayant ressenti un vrai besoin d'évasion et de détente ce week-end, je vais donc vous parler d'une nouveauté qui a très bien su y répondre.

Exemple parmi d'autres de la révolution qui est en train de se produire actuellement en Corée du Sud, avec l'explosion d'une offre diversifiée proposée désormais sur le câble (à ce sujet, je vous conseille une lecture très intéressante : Ce n'est pas la télévision coréenne... c'est le câble !), Flower Boy Ramyun Shop est une série diffusée sur la chaîne câblée tvN depuis le 31 octobre 2011, les lundi et mardi soir à 23 heures, et qui comportera en tout 16 épisoes. Ce drama condense tous les classiques du genre pour un résultat aussi frais que plaisant. Si bien que c'est donc avec une plume légère et enjouée que je peux lui consacrer cette review, après avoir visionné les six premiers épisodes de ce drama.

Ancienne sportive ayant pratiqué le volley ball jusque dans les finales de championnats nationaux lycéens, Yang Eun Bi est une jeune femme de 25 ans à l'avenir bien plannifié : tout en attendant patiemment la fin des deux ans de service militaire de son petit ami, elle souhaite devenir professeur, aspirant à la fois à un emploi stable et à un statut social reconnu. Elle n'a conservé que des relations distendues avec un père, restaurateur de ramen, avec lequel elle est fâchée. Mais ses projets de vie bien ordonnée vont soudain s'enrayer : non seulement elle découvre que son petit ami la trompe, mais de plus son ambition de devenir enseignante se heurte au caractère bien trempé de la jeune femme, plus prompte à préférer la confrontation à la pédagogie.

Pour ne rien arranger, ses quelques rencontres, fortuites, avec Cha Chi Soo, un jeune homme déroutant, ne l'aident guère à retrouver le contrôle de sa vie. Tour à tour agresseur pervers, puis séducteur idéalisé, il ne la laisse pas indifférente, mais se révèle être en fait... un lycéen de 19 ans, héritier unique d'une famille de chaebol qui dirige notamment l'établissement scolaire où Eun Bi va devoir réaliser le stage nécessaire à sa formation de professeur. C'est vers une réflexion sur ces choix de vie et ses priorités que s'oriente finalement ce retour au lycée d'Eun Bi, lui permettant de revenir sur d'autres regrets de sa fin d'adolescence. Et si son père, qui ne l'imagine pas enseignante, mais rêve de la voir suivre son style de vie, avait raison ?

Une fois passé des débuts assez quelconques, marqués par un premier épisode anecdotique qui introduit les bases de la série de façon excessivement académique, Flower Boy Ramyun Shop va progressivement s'affirmer et trouver son identité dans ce registre si bien connu de la comédie romantique. Représentante et héritière d'un savoir-faire parfaitement huilée, la série en joue habilement sur deux tableaux distincts.

Assumant tout d'abord ses sources d'inspiration évidentes, le drama a une saveur familière particulière : elle éveille chez le téléspectateur les souvenirs qu'ont laissé chez lui les fictions passées qui ont marqué le genre. Sans les dénaturer, la série préserve l'esprit de ces recettes qui ont fait leur preuve. De plus, au-delà de ce parti pris classique s'adressant à un public pré-conquis, le grand atout de la série va être de décliner cette partition avec un dynamisme contagieux et entreprenant. Cultivant une fraîcheur et une spontanéité d'écriture déterminantes, elle finit ainsi par se réapproprier ces codes narratifs pour peu à peu s'en affranchir et gagner en consistance.

Le charme de Flower Boy Ramyun Shop opère à partir du moment où la série négocie ses premiers bouleversements et tournants émotionnels, dévoilant alors une richesse presque inattendue. C'est en effet par son extrême versatilité, sur le plan aussi bien du ressenti que de l'humain, que le drama se démarque. D'une part, l'histoire, tout en gardant une légèreté prédominante, n'hésite pas à passer avec naturel des larmes du drame au comique le plus burlesque. D'autre part, en une poignée d'épisodes, la série parvient à considérablement nuancer ses personnages. Signe que le mélange fonctionne, il se dégage rapidement de l'ensemble une atmosphère à part, à la fois chaleureuse et touchante, poignante et drôle, légère et attachante, dans laquelle résident la force et l'attrait de ce drama.

Au cours de ces débuts, c'est surtout la dynamique existant entre Eun Bi et Chi Soo qui permet à la série de passer par tous les états imaginables. De manière piquante et très intéressante, les rapports entre les deux jeunes gens s'inversent progressivement. D'insouciant arrogant, Chi Soo dévoile des failles de jeune homme sur-protégé qui n'a aucune idée de la réalité de la vie. Or, il se retrouve pris à son propre piège, entravé dans une toile indéfinissable de sentiments opposés qu'il ne comprend pas ; cette même toile dont il joue habituellement contre les femmes et qui se retourne soudain contre lui. Quant à Eun Bi, l'évolution est également rapide : les épreuves traversées permettent de mieux la connaître et consolide le personnage, le téléspectateur se prenant d'affection pour cette figure autrement plus forte et nuancée que la jeune aspirante professeur des débuts.

Bénéficiant d'une forme travaillée, parfait reflet de la tonalité se dégageant du drama, c'est l'adjectif dynamique qui semble le mieux convenir pour parler de la réalisation de Flower Boy Ramyun Shop. En effet, la caméra, extrêmement énergique, ne recule devant aucun effet de style pour pleinement s'approprier son sujet et l'exploiter sous toutes ces facettes : elle mêle ainsi, à des ajouts cartoonesques, d'autres jeux de caméras, d'avances rapides en retour en arrière. Sans surcharger l'image, cela donne surtout à l'ensemble un style frais et direct qui renforce le capital sympathique d'un récit, déjà parfaitement accompagné par une bande-son légère et variée qui a le mérite de fluidifier la narration.

Enfin, Flower Boy Ramyun Shop réunit un casting agréable, même s'il faut noter que les acteurs ne se révèlent pas tout pleinement convaincants. La bonne surprise de la série, c'est indéniablement une Lee Chung Ah (That Fool, Chosun Police 2) pleine de vie : elle impose une sacrée présence pour incarner l'héroïne et toute la palette d'émotions les plus opposées qu'elle traverse. C'est par contraste, en partie volontaire sans doute, que les "Flower Boy" qui lui donnent la réplique apparaissent au début quelque peu transparents. Il faut attendre que la glace qui les entoure se brise et que la caricature soit peu à peu dépassée pour que l'humanisation progressive des personnages leur permette de trouver leurs marques. C'est surtout Jung Il Woo (The Return of Iljimae, 49 days) qui met du temps à trouver ses marques. Quant à Lee Ki Woo (A Love to Kill, Star's Lover), l'insaisissabilité de son personnage permet à l'acteur de bénéficier de cette étrange aura.

Bilan : Démarrée comme une énième comédie romantique, assumant ses influences sans complexe, Flower Boy Ramyun Shop trouve progressivement ses marques dans un genre où il est devenu difficile de se renouveler. Plaisante à suivre, divertissante, son mérite va être de parvenir à impliquer émotionnellement le téléspectateur, autant grâce à ses personnages qu'à sa tonalité versatile. Ce cocktail détonnant conquiert d'autant plus sûrement que la série suit une courbe d'amélioration constante, chaque épisode semblant toujours mieux maîtrisé et aller plus loin dans l'exploitation du concept que le précédent.

Arrivé à la fin du sixième épisode, se clôture officiellement l'introduction, puisque l'action s'est désormais déplacée dans le restaurant évoqué dans le titre du drama. Après avoir su poser de telles bases attachantes, la suite de Flower Boy Ramyun Shop incite à l'optimisme : elle a a priori toutes les clés en main pour continuer sa progression. Si je ne sais pas jusqu'où elle nous conduira, en revanche, une chose est certaine : les amateurs du genre ne devraient pas regretter l'expérience !

NOTE : 6,5/10

La bande-annonce de la série :

Une chanson de l'OST (Happy, par DNPD (Yuria)) :

(UK) Top Boy, saison 1 : histoires de gangs et de drogue dans l'Est londonien

Au rang des bonnes surprises de ces dernières semaines, à la télévision anglaise, c'est Channel 4 qui s'est agréablement démarquée en proposant une très intéressante série, Top Boy, traitant de thématiques liées aux gangs et au trafic de drogue. Sans ambitionner d'atteindre les fictions de référence du genre avec lesquelles le sériephile dresse automatiquement des parallèles (The Corner, The Wire), elle s'impose comme une solide chronique humaine, dont la sobriété et la consistance méritent assurément le détour.

Créée et écrite par l'écrivain nord-irlandais Ronan Bennett, sa première saison, comportant quatre épisodes de 45 minutes environ, a été diffusée sur une semaine, du 31 au 3 novembre 2011 sur Channel 4. La bonne nouvelle, c'est qu'une seconde saison a d'ores et déjà été commandée.

Se déroulant dans le quartier fictif de Summerhouse, dans l'Est londonien, Top Boy suit une galerie de personnages dont la vie va se retrouver liée, directement ou indirectement, aux trafics de drogue et aux gangs qui sévissent dans ces barres d'immeubles. 

La série se concentre tout particulièrement sur le jeune Ra'Nell, adolescent de 13 ans. Il est confronté à une situation familiale difficile : un père absent, une mère qui souffre de problèmes psychologiques agravés par une dépression. Cette dernière est hospitalisée au début de la saison, laissant son fils se débrouiller avec l'aide de connaissances, telle une voisine qui fait pousser de la marijuana dans un appartement. A un âge où les tentations et le besoin d'argent se font plus pressants, Ra'Nell et son meilleur ami, Gem, sont également invités par le chef de gang local, Dushane, à rejoindre leur bande qui écoule leur stock de drogue dans le quartier. Mais ce dernier est confronté aux attaques répétées d'un autre gang, conduit par Kamale. Si la rivalité débute par des vols de plus en plus importants, les tensions s'exacerbent rapidement. Les choses vont peu à peu dégénérer, les codes de la rue s'effaçant derrière la réalité de rapports de force simplement dictés par les poings, mais aussi les revolver. 

Le premier intérêt de la série réside dans son sujet principal. Top Boy opte pour une approche classique des thématiques liées aux gangs et aux trafics qui en découlent. Nous immergeant dans ce milieu à travers le parcours d'un duo d'associés qui entendent s'y imposer, elle va dépeindre sans complaisance, mais non sans habileté et nuances, les rapports de force constants et les formes d'auto-régulation qui le régissent. A défaut de réelle originalité, la série se démarque par son souci d'authenticité et de réalisme. Si les affrontements apparaissent rapidement inévitables, trop d'ambitions personnelles se heurtant les unes aux autres, c'est avec une retenue intéressant qu'elle va relater les évènements, en évitant de tomber dans les excès du genre.

En effet, se déroulant à l'échelle relativement modeste du quartier de Summerhouse, Top Boy met en scène des bandes qui évoluent au bas de la hiérarchie criminelle : il s'agit d'une zone laissée aux prises d'initiative de chacun. La série a ainsi l'intelligence de décrire un basculement progressif dans une violence dans laquelle les protagonistes perdent peu à peu leurs repères ; comme un déclic, le premier seuil franchit, la fin semble alors justifier tous les moyens. Cette construction narrative permet à la fiction de bâtir une tension de plus en plus palpable, décrivant une logique de radicalisation de l'action qui suit un engrenage létal devenu inévitable. Dotée d'un scénario solide, même s'il reste prévisible, Top Boy atteint logiquement son plein potentiel au cours de son dernier épisode qui représente l'apogée et l'aboutissement logique de toute l'évolution de cette première saison.

Au-delà de cette toile de fond entre drogues et gangs, Top Boy demeure également une chronique sociale et humaine, dont le caractère choral renforce l'impression d'authenticité qui émane du récit. En effet, l'histoire se bâtit à partir de ses personnages. Chaque scène a vocation à s'emboîter dans un tableau d'ensemble plus large qui apparaît au final comme un instantané de ce quartier de Summerhouse. La caméra paraît ainsi s'effacer derrière la galerie de portraits dépeints ; cette mise en scène, volontairement en retrait, rapproche la série d'un style quasi-documentaire dans lequel elle va trouver sa tonalité propre et son équilibre.

Au sein de ses protagonistes, Top Boy opère une distribution des rôles qui ne recherche pas l'originalité, mais reste logique et solide. Si la saison est brève, la série va prendre le temps de développer ses principales figures, leur permettant de gagner en épaisseur. Ra'Nell restera le repère du téléspectateur : adolescent obéissant, il ne peut cependant complètement demeurer imperméable à ce qui se trame dans le quartier, entraîné dans ces trafics. Parallèlement, l'épopée de Dushane et Sully offre un penant plus violent au récit, reflet de ce que Ra'Nell peut devenir dans une dizaine d'années, suivant les choix qu'il fera. La radicalisation progressive de leurs actions pour servir leurs ambitions, mais aussi l'antagonisme que leurs différences de style éveillent, sont autant d'éléments qui nuancent et précisent leurs rapports. Sully est celui qui, une fois les codes traditionnels de la rue brisés, va se révéler le plus instable, éclairant tant la dangerosité que la volatilité de cette zone de semi non-droit qu'est Summerhouse. L'ensemble forme ainsi une assise humaine consistante et nuancée sur laquelle Top Boy va pouvoir s'appuyer.

Par ailleurs, il convient de saluer le soin apporté à la forme par Top Boy. La série se révèle particulièrement aboutie, méritant amplement le détour pour sa réalisation. La photographie, très travaillée, jouant habilement sur la saturation des couleurs et les teintes au gré des différentes scènes, est vrai un plaisir pour les yeux. La caméra, fébrile dans l'action, sait aussi se poser et offrir de superbes plans larges qui vont mettre en valeur, tant les décors que les différents personnages. Privilégiant l'authenticité et la sobriété, la bande-son reste opportunément très en retrait, faisant intervenir des instrumentaux plus nerveux lorsque la tension monte.

Enfin, Top Boy bénéficie d'un très solide casting, dont l'homogénéité est une des forces. Il permet d'asseoir la légitimité de la série dans son ambition de chronique sociale et humaine. Les acteurs sont parfaitement au diapason de la tonalité de la série et renforcent l'impression de réalisme qui émane de l'ensemble. On y retrouve notamment Ashley Walters (Outcasts, Five Days), Kane Robinson, Malcolm Kamulete, Kierston Wareing (Luther, The Shadow Line), Geoff Bell, Sharon Duncan Brewster, Nicholas Pinnock, Giacomo Mancini ou encore Shone Romulus.

Bilan : Proposant une immersion brute dans l'envers d'un quartier au quotidien rythmé par ses gangs et ses trafics, Top Boy opte pour une approche aussi classique que solide de ses diverses thématiques. Si on peut regretter qu'elle reste parfois trop en surface des problématiques esquissées (mais sa saison 1 ne comporte que 4 épisodes), la série bénéficie d'une écriture sincère et directe qui confère à l'ensemble une tonalité très authentique. Sa grande force réside dans sa faculté à mettre en scène une galerie de portraits qui sonnent juste et ne laissent pas indifférent. A découvrir.

NOTE : 7,5/10

La bande-annonce de la série :

(J-Drama / Pilote) Kaseifu no Mita : une gouvernante mystérieuse et un déchirement familial poignant

En ce mercredi asiatique, je vous propose de rester au Japon afin de poursuivre l'exploration de la saison automnale actuellement en cours de diffusion. Signe de mon regain d'intérêt pour le petit écran du pays du Soleil Levant, il s'agit de la deuxième nouveauté testée cette saison, après Last Money ~Ai no Nedan~. C'est également mon coup de coeur toutes nationalités confondues de la semaine.

Kaseifu no Mita est diffusée sur NTV depuis le 12 octobre 2011, tous les mercredis soirs à partir de 22h. Elle comportera un total de 10 épisodes de 45 minutes environ (sauf le premier un peu plus long). Avec son approche atypique et intrigante, mêlant mystère et drame familial, ce drama m'aura très vite conquis. C'est donc à nouveau un "faux test de pilote" que je vous propose (après Gye Baek), puisque la critique qui suit a été rédigée après visionnage des cinq premiers épisodes (à jour de la diffusion japonaise). De quoi déclamer avec une certaine assurance l'enthousiasme que ce drama a su susciter chez moi.

Mita Akari est une gouvernante particulièrement appliquée et compétente dans son travail, donnant souvent entièrement satisfaction à ses employeurs. Cependant, elle ne sourit jamais, ne manifeste aucune émotion et ne donne jamais le fond de sa pensée, restant souvent sans réaction. Cette insensibilité et cette stoïcité apparentes font d'elle une exécutante mécanique de toutes les tâches qui lui sont ordonnées. Elle est en effet prête à remplir un ordre, quelqu'il soit, dans la mesure où celui-ci reste dans ses possibilités. Au point que sa supérieure conseille à ses employeurs de faire attention : si l'ordre était donné de tuer quelqu'un, il se pourrait fort que Mita Akari le fasse...

Kaseifu no Mita s'ouvre sur son arrivée dans une famille sans repères, au bord de la rupture. La mère est en effet décédée il y a moins de deux mois, laissant derrière elle quatre enfants choqués - une petite fille, deux garçons et une adolescente en passe de basculer dans l'âge adulte - ainsi qu'un mari dépassé qui ne sait comment réagir. En gouvernante omniprésente, figure extérieure qui ne juge jamais, Mita Akari va s'insérer dans le quotidien de cette famille, sa présence et ses actions permettant de révéler bien des non-dits et de soulager des tensions. Mais la vérité qui se cache derrière le drame qui a tout bouleversé risque bien de provoquer l'implosion définitive de cette famille sous le poids des responsabilités qui en découlent...

La réussite de Kaseifu no Mita tient à l'habile mélange des genres qu'elle met en scène. La série emprunte en effet à deux tonalités a priori très différentes, pour se révéler à la croisée du suspense et du mélodrame. Trouvant immédiatement le juste équilibre entre ces deux versants, le résultat s'avère à la fois intrigant et surprenant. D'une part, va être entretenu et exploré le mystère autour de cette figure atypique qu'est la gouvernante, le drama restant ici dans un registre purement suggestif qui n'en demeure pas moins inquiétant. D'autre part, nous sommes plongés, avec une justesse rare et beaucoup d'empathie, dans l'intensité dramatique d'une implosion familiale poignante.

C'est donc par sa faculté à développer de manière consistante ces deux facettes, à la fois parallèles et irrémédiablement liées entre elles, que ce drama assure non seulement son originalité et sa richesse, mais aussi la fidélité d'un téléspectateur rapidement captivé.

L'attrait de Kaseifu no Mita réside tout d'abord dans le personnage de Mita Akari. Le drama distille autour d'elle un parfum de mystère, empruntant à cette fin des codes narratifs qui ne sont pas sans évoquer ceux d'un thriller. Car Mita Akari n'a rien de l'employée dévouée ordinaire. Si elle pourrait a priori paraître idéale par sa faculté à exaucer presque tous les voeux, ses employeurs prennent vite conscience qu'elle exécute les ordres qui lui sont donnés sans le moindre recul. Tragiquement déshumanisée, comme déconnectée de toute émotion, elle apparaît semblable à une automate. Cherchant vainement un vestige d'humanité derrière cette figure impassible, le téléspectateur s'interroge : qui est-elle vraiment ? Quelle expérience a-t-elle vécue pour en arriver à ce stade de détachement, non seulement extrême, mais aussi dangereux ?

Au-delà du mystère qu'il dévoile peu à peu, le drama va également exploiter toutes les problématiques que peut soulever ce personnage si déroutant. Car Mita Akari ne s'embarrasse ni d'enjeux moraux, ni d'interdits légaux : elle fait ce qu'on lui demande dans la mesure de ses capacités, peu importe qu'il lui soit ordonné de nettoyer la salle de bain ou de tuer la voisine qui propage les rumeurs les plus infamantes sur la famille... Elle apparaît donc d'abord comme une figure inquiétante : sa seule présence rend soudain possible les souhaits les plus excessifs émis sous le coup de l'émotion, révélant ainsi la part d'ombre en chacun de ses employeurs. Cependant, au fil du drama, la perception du téléspectateur se nuance : en l'observant cantonnée dans un rôle de simple exécutante dont elle peut elle-même être la victime, on prend conscience que le réel enjeu n'est pas ce qui naîtra de sa propre initiative. Elle est le reflet de ses employeurs ; et ce qu'elle fait, c'est tout simplement placer ces derniers devant leurs responsabilités. C'est là le thème transversal, récurrent de ce drama.

Si le rôle de catalyseur de Mita Akari a une telle importance, c'est parce que Kaseifu no Mita nous raconte avant tout l'histoire de la famille Asuda, chez laquelle la gouvernante va être employée. Cette famille traverse une dure épreuve, celle du décès d'une mère qui faisait le lien entre tous ses membres. Le drama débute en empruntant une approche très classique du thème du deuil, traitant avec justesse et sans excès de la difficulté de chacun de faire face à cette perte. Mais très vite, et c'est là que réside la valeur ajoutée de la série, un tournant plus douloureux est pris : cette mort, présentée initialement comme accidentelle, est en réalité un suicide. Or, le jour précédent, son mari, ayant une aventure qu'il pensait sérieuse, avait annoncé à sa femme son intention de divorcer. Par une ironie amère que le drama met pleinement en lumière, le père s'apprêtait donc à abandonner sa famille, mais c'est finalement son épouse qui l'a devancé, d'une bien plus tragique et irrémédiable façon.

C'est lorsque la vérité éclate, à travers les scènes de confrontation qui en résultent, que Kaseifu no Mita acquiert véritablement une autre dimension, tant humaine qu'émotionnelle. Inversant soudain les rôles au sein de la famille, bouleversant toutes les certitudes, les implications de cette révélation sont abordées frontalement. Les réactions des divers enfants à la loyauté désormais écartelée sont décrites avec beaucoup de réalisme. Cependant c'est la figure du mari, par ses ambivalences, qui m'a le plus fasciné. Conscient de sa faillite dans un rôle de père qu'il n'a jamais souhaité, ayant toujours eu l'impression de subir cette vie, tout cela lui sert d'électrochoc pour soudain cesser de prétendre. Son honnêteté est à la fois désarmante et pathétique. Face à un dilemme où il n'y a aucune échappatoire, l'expression de ses doutes achève d'ébranler sa famille.Un père incapable d'affirmer son amour à son propre enfant peut-il se prétendre "père" ?

Nous présentant alors les ruines de la famille Asuda, Kaseifu no Mita n'hésite pas à employer une violence émotionnelle marquante qui pose en filigrane une question plus troublante : qu'est-ce qui fait et fonde une famille ? La série oblige chacun à s'interroger sur la nature de ce lien que l'on considère trop souvent comme un acquis et un dû. Après tout ce passif, les Asuda pourront-ils retrouver le sens du mot "famille" et en reformer une ?

Sur la forme, Kaseifu no Mita se présente de manière très classique. La caméra sait parfaitement jouer sur l'aura mystérieuse qui émane de Mita Akari, n'ayant pas son pareil pour la faire surgir dans un angle de porte ou imposant tout simplement sa présence stoïque et impassible dans un coin de la pièce où se déroule la scène. La réalisation emploie ainsi ce même mélange, entre drame familial et une touche plus inquiétante, qui fait tout l'attrait de ce drama. C'est ainsi que la petite musique qui retentit lors du début de chaque épisode tient beaucoup plus du thriller mystérieux. Dans l'ensemble, la bande-son de ce drama est réussie, avec notamment une superbe chanson qui accompagne toujours les dernières minutes de chaque épisode, dans un style rock un peu mélancolique, interprétée par Saito Kazuyoshi (cf. la deuxième vidéo à la fin de la note).

Enfin, Kaseifu no Mita bénéficie d'un casting homogène, dans lequel nul ne dénote. Logiquement, c'est sans doute Matsushima Nanako (GTO) qui retient prioritairement l'attention : dans un registre d'une impassibilité impressionante, c'est un rôle au minimalisme calculé qu'elle investit avec beaucoup sobriété. A ses côtés, par contraste avec ce détachement appliqué, on retrouve une famille en train de s'entre-déchirer. Le père est interprété avec beaucoup de nuances par Hasegawa Hiroki. Ce qui est assez amusant le concernant, c'est qu'il se retrouve simultanément dans les deux j-dramas que je visionne actuellement, puisqu'il est également l'acteur principal de Suzuki Sensei. Et si jusqu'à présent je le connaissais peu (voire pas), dans ce registre de personnage en proie au doute, j'avoue que je le trouve vraiment très convaincant ! Composent également cette petite famille : Kutsuna Shiori, Nakagawa Taishi, Ayabe Shuto et Honda Miyu. Signalons enfin la présence de Aibu Saki (Karei Naru Ichizoku, Perfect Report, Rebound).

Bilan : Aux confins du suspense et du mélodrame familial, Kaseifu no Mita est un intrigant drama qui trouve le juste équilibre entre ces différents genres et tonalités. Détaché de tout schéma manichéen, il sait aussi bien nous plonger dans un déchirement familial poignant, écrit avec beaucoup de justesse, que cultiver une aura de mystère prenant autour de cette figure presque inquiétante qu'est la gouvernante. En filigrane, s'esquisse une intéressante réflexion sur la famille et ses fondements. Parvenant à surprendre et à dépasser les attentes du téléspectateur, il devrait être capable de toucher tous les publics.

La solidité et la consistance de ces cinq premiers épisodes m'incitent à l'optimisme pour la seconde moitié de la série. A découvrir !

NOTE : 8/10

Les premières minutes de la série :

La chanson récurrente de l'OST (Yasashiku Naritai par Saito Kazuyoshi) :

(Pilote US) Hell on wheels : à la conquête ferroviaire de l'Ouest

Comme j'ai déjà eu l'occasion de vous l'expliquer en ressortant mes indémodables épisodes d'Au nom de la loi, le western est un des rares genres gravés dans mon patrimoine génétique culturel. Il m'est très difficile d'y résister, même s'il s'agit d'un divertissement inégal dans la bush australienne comme peut l'être Wild Boys depuis cet été. C'était donc logiquement avec une certaine attente (tempérée par les échos mitigés glanés dans la presse américaine) et beaucoup de curiosité que j'attendais les débuts de Hell on Wheels.

Cette nouveauté a été lancée dimanche dernier, 6 novembre 2011, sur AMC. Sa première saison comportera sept épisodes. En investissant le genre classique du western, la chaîne américaine poursuit sa volonté de diversifier son offre de séries, l'étoffant désormais du fantastique au policier et renouant donc ici avec de l'historique. Le pilote de Hell on Wheels ne permet pas encore de déterminer si la série s'inscrira parmi les valeurs sûres ou les approximations de la chaîne. Mais s'il n'est pas exempt de défauts, il a cependant piqué ma curiosité.

Hell on Wheels s'ouvre en 1865 sur des Etats-Unis toujours marqués par une guerre de Sécession qui a laissé des traces. Pour relancer le développement, notamment économique du pays, et dépasser le clivage entre le Nord et le Sud, c'est vers l'Ouest que l'on se tourne. L'idée de relier, par le chemin de fer, les Etats de l'Est aux terres de l'Ouest attise les convoitises d'hommes d'affaires, comme Thomas Durant, qui y voient le moyen d'y bâtir leur fortune, mais attire également tous ceux qui ont besoin de reconstruire une vie balayée par la guerre et partent vers de nouveaux horizons.

C'est notamment le cas de Cullen Bohannon, un ancien soldat confédéré. Son épouse est décédée suite à des exactions perpétrées par des soldats de l'union. Depuis, il traque sans relâche et implacablement le petit groupe responsable. Cette quête de vengeance le conduit sur ce projet ferroviaire ambitieux en cours de réalisation. Il trouve du travail comme contre-maître au sein du village mobile qui suit l'avancée des travaux. On croise dans ce lieu nombre d'individus en quête d'une vie nouvelle : d'anciens esclaves désormais libres ou encore des jeunes gens répondant à l'appel de l'ouest et espérant faire fortune.

Mais dans ces régions avancées, sans lois, situées entre les deux côtes et où les tribus indiennes protèrent encore leurs terres, la progression du chemin de fer reste une entreprise risquée, où les gains demeurent très aléatoires.  

Avec pour cadre le contexte historique mouvant et passionnant de l'après Guerre de Sécession, Hell on Wheels bénéficie d'un potentiel indéniable que son pilote effleure sans en prendre pleinement la mesure. Afin d'impliquer le téléspectateur dans son récit, l'épisode fait le choix de mettre prioritairement en avant les projets de vengeance du personnage principal. Tout en créant ainsi un lien avec ce dernier, cela permet d'explorer plus avant les motivations et les ambivalences d'une figure intrigante qui s'impose, entre ombre et lumière, comme notre clé d'entrée dans l'univers. Pour autant, en dépit de l'ultime révélation de fin d'épisode, ce premier fil rouge apparaît avant tout comme l'accroche narrative parfaite pour faire découvrir, aux côtés de Bohannon, la toile de fond autrement plus vaste et ambitieuse qui va servir de décor à la série.

En effet, accordant un soin tout particulier à la reconstitution historique, le pilote de Hell on Wheels nous plonge dans un pays en pleine mutation qui peine à cicatriser de sa guerre fratricide, pansant encore ses douloureuses plaies. Se contentant de séquences d'exposition minimalistes pour tous ses autres protagonistes, le pilote papillonne d'un thème à l'autre entre des personnages pour le moment très secondaires. Son mérite est de parvenir à capturer une atmosphère riche et tourmentée qui porte le parfum caractéristique de cette époque. En effet, la conquête ferroviaire vers l'Ouest est une opportunité pour bâtir ou reconstruire des vies sans futures sur la côte. C'est aussi l'occasion de réunir symboliquement chacun, avec et en dépit de son passé, vers un but commun. La métaphore géographique du début, sur l'union de l'Est et l'Ouest, en réponse à la scission du Nord et du Sud, résonne dans la perception que l'on peut avoir de tous ces enjeux et de l'univers qui est peu à peu posé.

Forte de la richesse inhérente à son concept, Hell on Wheels dispose d'un important potentiel. Pour autant, si ce pilote retient l'attention et sait piquer la curiosité du téléspectateur, il laisse aussi un arrière-goût d'inachevé. Attachée à capter une ambiance, la série opte pour une exposition chorale qui reste trop en surface, sans doute pressée par la durée trop brève d'un épisode au cours duquel il y aurait tant à raconter. Il s'agit donc d'aller à l'essentiel et de définir chacun en un minimum de scènes. Ainsi, à l'exception du protagoniste principal, repère du téléspectateur, mais aussi figure la plus creusée de l'épisode, tout ce qui gravite autour de lui souffre d'une présentation excessivement sommaire. La série ne recule devant aucun cliché pour définir immédiatement des protagonistes pour le moment très unidimensionnels, qui peinent donc à retenir l'attention du téléspectateur.

Pour autant, ces problèmes ne semblent pas insurmontables. En effet, ce déséquilibre important entre le personnage principal et les autres résulte du choix d'avoir fait de Bohannon la clé d'entrée dans la série. Par conséquent, c'est une inégalité qui devrait se corriger au fil des épisodes, la seule thématique de la vengeance ayant déjà montré ses limites. De manière générale, Hell on Wheels devra apprendre à nuancer son propos, afin de gagner aussi bien en épaisseur qu'en consistance. Il faut cependant reconnaître à la série le confort et la solidité de son approche classique, mêlant au sujet particulier de la conquête ferroviaire des thèmes traditionnels du western : le téléspectateur est en terrain connu et ne demande qu'à se laisser convaincre.

Sur la forme, Hell on Wheels dispose d'une très belle réalisation. Un soin particulier a été apporté à la photographie, le choix des différentes teintes renvoyant parfaitement à l'imaginaire de l'Ouest. Si les images peuvent paraître parfois un peu froides, manquant quelque peu de naturel, elles demeurent dans l'ensemble d'une esthétique vraiment très belle à regarder. Quant à la bande-son, elle s'insère sans difficulté dans le récit, outil d'ambiance peu envahissant.

Enfin, le casting n'a pas encore eu pleinement l'occasion de s'affirmer au cours de ce presque trop bref pilote, à l'exception d'Anson Mount (Conviction), qui interprète cette figure très classique du vétéran sudiste au monde bouleversé par la guerre. Il propose une prestation équilibrée, entre sobriété et intensité lorsque les passages touchent à des sujets plus intimes, qui convainc le téléspectateur. A ses côtés, les sériephiles reconnaîtront avec plaisir Colm Menaey (Star Trek : Deep Space Nince), en homme d'affaire sans scrupules. On retrouve également Common, Dominique McElligott (Raw), Ben Esler, Phil Burke, ou encore Eddie Spears (Into the West).

Bilan : Bénéficiant d'une toile de fond historique extrêmement intéressante et tourmentée, le pilote de Hell on Wheels propose une introduction efficace qui se réapproprie des recettes traditionnelles du genre ne laissant pas insensible. Cependant l'épisode ne prend pas pleinement la mesure de cette richesse, avec une exposition inaboutie qui reste trop en surface. Cédant à la facilité et à la rapidité d'une introduction où le classique confine parfois au cliché, la série devra nuancer son écriture et gagner en subtilité pour s'assurer de la fidélité durable du téléspectateur. Cependant, ce sont les fondations d'un honnête - à défaut d'original - western qui sont posées. A surveiller.

NOTE : 6,5/10

La bande-annonce de la série :

(J-Drama) Meitantei no Okite : une atypique parodie policière très sympathique

Après deux semaines passées en Corée du Sud, c'est au Japon que My Télé is Rich! pose ses valises en ce mercredi asiatique. Non pour la review du pilote d'une des dernières nouveautés de la saison automnale, mais pour le bilan d'une série un peu plus ancienne. Si vous savez que je ne suis pas particulièrement versée dans le genre policier, quelques agréables surprises me prouvent qu'il ne faut jamais fermer la porte à la curiosité. Après BOSS, voici donc Meitantei no Okite.

Composée de 10 épisodes de 45 minutes chacun (sauf le premier qui est un peu plus long), Meitantei no Okite a été diffusée sur TV Asahi du 17 avril au 19 juin 2009. C'est sur les conseils avisés de Kerydwen que j'ai visionné cette série qui s'est révélée être une comédie savoureuse, très plaisante à suivre. Il s'agit d'une vraie parodie décalée et rafraîchissante dans la tradition des fictions policières, mêlant références japonaises et occidentales.

Saviez-vous que dans toute fiction policière réussie, roman comme série, il existe à travers le monde un certain nombre de règles qui, combinées, sont destinées à rendre l'histoire prenante et efficace ? C'est ainsi que chaque personnage doit se comporter et agir suivant des conditions liées à son rôle.

Le personnage principal, le Grand Détective Tenkaichi Daigoro, se doit de résoudre brillamment chaque mystère, identifiant le coupable au terme d'une séance de révélations considérée comme le climax de l'épisode et l'apothéose de l'enquête. A ses côtés, il est assisté par le capitaine de police, personnage secondaire expérimenté qui va lui servir de faire-valoir dans cette tâche. Ce dernier a vocation à soulever toutes les hypothèses les plus farfelues sauf la bonne, permettant par contraste au jeune détective de briller. Enfin, est également introduit un personnage féminin indispensable : la nouvelle inspectrice qui doit apprendre les bases du métier et qui pourra tomber sous le charme du héros.

S'appliquant à faire méticuleusement mettre en oeuvre ces codes narratifs par des protagonistes qui ont conscience du cahier des charges pesant sur eux, Meitantei no Okite investit la fiction policière avec une approche très décalée. Le drama va ainsi nous relater les enquêtes de ce trio dont la mission est de solutionner des crimes, tout en se conformant à toutes ces conditions prérequises.

Plus qu'une énième comédie policière, Meitantei no Okite est une parodie qui s'approprie, mais aussi détourne à sa manière, tous les ingrédients les plus classiques de ce genre si familier au téléspectateur. Adoptant le format d'un procedural show traditionnel, avec une enquête par épisode, chaque histoire est placée sous un thème particulier : le mystère du meurtre ayant eu lieu dans un huis clos, celui du dernier message énigmatique laissé par la victime juste avant sa mort, etc... Habilement, le drama mêle des sources d'inspiration diverses et variées, avec des références qui vont de classiques japonais (notamment certains dramas) jusqu'aux séries américaines (Les Experts, Prison Break).

Pour autant, l'enjeu ne réside pas tant dans la résolution du meurtre - en dépit de tous les efforts faits par Tenkaichi pour en faire le point d'orgue de l'épisode - que dans la façon dont l'enquête va se dérouler. Plus précisément, ce sont tous les soubressauts narratifs qui parsèment les épisodes, toutes les intéractions, au sein du trio principal comme avec certains suspects, qui vont faire l'originalité de la série. Ils posent son ambiance à part, dan laquelle un sens de l'absurde assumé et une forme de dérision forment un cocktail détonant.

Car la raison pour laquelle Meitantei no Okite m'a véritablement conquise, c'est qu'elle dépasse la simple parodie, en prenant du recul par rapport à ce qu'elle nous raconte. En effet, sa particularité tient au fait que ses personnages ont pleinement conscience qu'ils ne sont que... des personnages. Par conséquent, ils connaissent le cahier des charges attenant au rôle qui leur est théoriquement assigné et sont censés s'y conformer volontairement. Sous le prétexte qu'il faut respecter ces exigences, c'est l'occasion pour les protagonistes eux-mêmes d'exposer les recettes employées pour construire chaque scénario, mais aussi d'en exploiter les rouages et leur prévisibilité.

Dès lors, chaque déviation de la feuille de route, chaque non respect des comportements canoniquement attendus, apparaît comme un obstacle au bon déroulement de l'épisode qu'il convient de corriger en aparté dans une salle de debriefing, summum du décalage, où se retrouve notre trio. Multipliant ainsi les ruptures de rythme aux causes improbables et impossible dans une fiction classique, la série investit une dimension comique supplémentaire. Si cela introduit logiquement une distance par rapport à l'enquête, cette approche a le mérite d'accentuer la proximité avec les différents protagonistes. Il émane en effet du trio principal une dynamique de groupe, volontairement chaotique, qui rend chacun très sympathique. Des caprices de Tenkaichi, au sens du sacrifice du capitaine dans sa mission de personnage secondaire, jusqu'à la réticence perpétuelle de Fuji Mana qui refuse d'assimiler les règles et de se cantonner au rôle qui lui est dévolu... toutes ces réactions se transforment en autant de running-gag permanents dont le téléspectateur ne se lasse pas. 

Sur la forme, Meitantei no Okite exploite admirablement sa tonalité décalée. Dotée d'une réalisation dynamique, la caméra n'hésite pas à accompagner, voire à précipiter, les ruptures de rythme et les brusques changements de perspective dans la narration. Parmi les effets de style permettant d'accentuer l'humour de certains passages, l'utilisation de la pièce de "mise au point", située artificiellement en dehors de l'histoire, ou encore le recours à des sous-titres directement incrustés à l'écran, sont autant d'éléments qui ne font qu'encourager un humour omniprésent, aussi bien sur le fond de l'histoire et que dans la manière de la raconter. A noter également une chanson de fin très agréable à l'écoute, interprétée par Baba Toshihide (et qui s'intitule Fighting Pose no Uta).

Enfin, Meitantei no Okite bénéficie d'un casting au parfait diapason de son atmosphère atypique. La parodie légitime le sur-jeu et beaucoup d'excès, mais l'ensemble reste dans la continuité logique : le rire à la fois arrogant et forcé de Tenkaishi ou encore la surprise perplexe de Fuji Mana deviennent en soi des éléments humoristiques à part entière. Le téléspectateur s'attache ainsi aisément à tout ces acteurs, conduits par Matsudo Shota (Liar Game, Love Shuffle). A ses côtés, on retrouve Kashii Yu (Mori no Asagao), Kimura Yuichi (Shinzanmono), Chisun et Irie Jingi.

Bilan : Parodie attachante, comédie policière qui assume et cultive une atmosphère décalée, Meitantei no Okite est un drama très sympathique, reposant sur un trio de personnages dont la dynamique est épicée par la conscience que chacun a du rôle qui lui est dévolu. Empruntant à des références multiples, japonaises comme occidentales, la série prend un malin plaisir à se jouer des codes narratifs classiques dont elle souligne l'existence. Elle apparaît à la fois comme une forme d'hommage au genre, tout y apportant une distance humoristique particulièrement rafraîchissante. C'est en somme un divertissement policier parfait pour se détendre et passer un bon moment devant son petit écran.

NOTE : 7/10

La bande-annonce de la série :