(UK) Doctor Who, series 5, episode 6 : The Vampires of Venice

Après un double épisode pivôt dans la saison, Doctor Who nous propose une parenthèse un brin moins éprouvante, résolument plus légère, voire par moment franchement déjantée. Truffé d'excellentes répliques, pleines d'humour ou de second degré, l'enthousiasme du scénariste Toby Whitehouse se révèle communicatif, permettant au téléspectateur de savourer avec beaucoup de plaisir une histoire dynamique où les intéractions entre le Docteur, Amy et, surtout, Rory, sont caractérisées de façon assez jubilatoire. L'embarquement du fiancé valide d'ailleurs a posteriori l'étrange scène finale qui avait conclus le précédent épisode ; finalement, je pense pleinement adhérer à la façon dont Steven Moffat gère la volatilité des relations qu'il instaure entre ses personnages principaux. Une forme de vaudeville dans le bon sens du terme.

Dès le pré-générique, le ton du jour est posé. Si les premières images de l'intrigue à Venise sont trop classiques pour vraiment happer l'attention du téléspectateur, en revanche, la scène se déroulant dans le présent, à la bachelor party de Rory, donne au téléspectateur un large sourire qui fait démarrer sous les meilleures auspices possibles l'épisode. Car si le moment où le Docteur surgit du gâteau d'où était sensée sortir une strip-teaseuse constituait déjà une entrée particulièrement savoureuse, prouvant une fois encore le goût prononcé pour le théâtralisme d'Eleven, la façon d'exposer le "problème" qui amène le Docteur achève de faire franchement éclater de rire le téléspectateur. Bénéficiant d'une écriture très inspirée, l'épisode recèle de tant de répliques absolument incontournables, au potentiel pour devenir cultes, qu'il serait trop difficile de les relever toutes. Cependant, au sommet des instants jubilatoires de ces 45 minutes, figure sans doute cette entrée en matière : "We need to talk about your fiancee. She tried to kiss me. Tell you what, though. You're a lucky man, she's a great kisser." (Long silence, tandis que tous les amis de Rory fixe le Docteur de façon fort peu amicale, avant d'enchaîner :) "Funny how you can say something in your head and it sounds fine...". Délicieux !

Doctor Who prend résolument des accents vaudevillesques qui sont loin d'être déplaisants, au cours de cet épisode. En dépit de cette présentation maladroite, il s'agit bien d'une tentative de sauvetage de relations opérée par le Docteur. En conséquence directe de la dernière scène de l'épisode précédent, qui faisait finalement office de transition, donnant le ton pour l'épisode à venir, Eleven prend donc l'initiative de réunir le couple officiel, avant que les aventures d'Amy ne rompent le lien qui les unissait. Se préoccupant sincèrement de leur futur, apparaissant comme un protecteur, le Docteur entreprend de les remettre sur la même longue d'ondes. Il choisit donc d'offrir à Rory l'opportunité d'un voyage à bord du Tardis, pour que les deux jeunes gens aient cette expérience aussi marquante qu'indescriptible en commun.

Le cadeau du Docteur va être une lune de miel anticipée dans la ville symbolisant le romantisme, Venise au XVIe siècle. Une brève référence à un pari perdu avec Casanova nous confirme la tonalité beaucoup plus légère adoptée par l'épisode... Cependant, comme il n'est pas concevable qu'un voyage Whonesque se déroule dans le calme, l'escapade amoureuse se transforme rapidement en aventure mouvementée, révisant quelques classiques légendaires d'horreur. Après les loup-garous de la saison 2, les sorcières de la saison 3, l'épisode adopte un schéma similaire pour introduire dans l'univers de Doctor Who, une re-écriture du mythe des vampires. Les détails correspondent parfaitement, des crocs proéminents jusqu'à l'absence de reflet dans les miroirs.

S'il est très plaisant de voir l'excitation d'Eleven et d'Amy après cette première rencontre avec une figure centrale des légendes humaines de fantastique, la science-fiction reprend rapidement ses droits, afin de fournir une explication "rationnelle" (au sens whonesque du terme) à une telle présence à Venise. Car ces "vampires" sont en réalité des aliens, réfugiés après que leur monde ait été emporté par les craquelures qui continuent de bouleverser l'univers, transcendant les dimensions, les lieux et les époques. La signora Rosanna Calvierri se révèle être la dernière représentante de son espèce, une Sister of the Water en provenance de Saturnyne, ou plus sobrement une "fish from space". Malheureusement, seuls ses enfants mâles ont survécu au trajet vers la Terre, laissant la survie des "poissons de l'espace" en suspens, conditionnée à la transformation de femmes humaines en aliens, de façon à ce qu'elles deviennent compatibles.

Faire d'humaines des extraterrestre est donc le processus actuellement en cours dans une Venise vivant en autarcie. Il ne s'agit cependant que de la première étape d'un plan plus vaste. Les "poissons de l'espace" ne sont pas destinés à vivre à l'air libre. Quelle meilleure destination pour eux qu'une ville aussi précairement installée sur l'eau que Venise ? L'objectif final est donc de s'approprier la ville, la noyant sous l'eau de façon à ce qu'elle devienne un lieu d'habitat possible pour l'espèce. Si c'est loin d'être la première fois que le Docteur est confronté à cette problématique où le sort d'une espèce d'aliens doit passer par le sacrifice d'êtres humains, l'épisode traite cela de façon plutôt bien inspirée.

Nous sommes ici très loin de la présentation manichéenne la Reine des Raknor par exemple. Les confrontations entre le Docteur et la Signora Calvierri sont bien écrites, d'une sobriété bienvenue, et basées sur une forme de respect réciproque qui pose des bases claires à une opposition à l'issue fatale. J'ai beaucoup apprécié ces échanges, servis, comme c'est le cas tout au long de l'épisode, par d'excellentes répliques, tel ce dialogue qui prend place lorsqu'ils s'accordent chacun le droit de poser une question à tour de rôle, se jaugeant mutuellement :
_ Where are you from ?
_ Gallifrey.
_ You should be in a museum. Or in a mausoleum.

La conclusion était dès le départ inévitable, apportant une touche plus dramatique qui vient contre-balancer la légèreté d'ensemble de l'épisode. Avec le suicide de l'alien, dévorée par ses propres enfants, c'est toute une lignée qui s'éteint, une race qui disparaît, prise entre l'effondrement en cours de l'univers et les interventions protectrices du Docteur, garant du passé de la race humaine et qui s'assure ainsi qu'aucun changement majeur ne s'opère dans l'Histoire. C'est aussi une petite piqûre de rappel des conséquences immenses que peuvent avoir les actions des Time Lords.

La particularité de l'intrigue tient donc en partie au fait que nous ne sommes pas confrontés à une invasion au sens littérale du terme, mais plutôt une opération de survie, mettant en jeu des priorités contradictoires et devant faire des victimes collatérales. Mais le déclencheur de cette crise nous ramène au fil rouge de la saison, omni-présent en arrière-plan. Ce sont ces failles dans l'espace-temps qui sont responsables de ces bouleversements. Cependant, après le rôle majeur joué lors de l'épisode précédent, nous revenons à des références plus anecdotiques à ce phénomène. L'épisode ne permet aucune progression sur ce plan, ne nous fournissant aucune réponse, mais ne générant pas non plus de nouvelles questions. Les spéculations suscitées par l'épisode précédent suffiront sans peine à faire patienter le téléspectateur pour encore quelques semaines.

Il faut quand même retenir que le phénomène paraît prendre de l'ampleur, bouleversant de plus en plus profondément l'univers dans son ensemble, anéantissant les barrières entre les dimensions, entre les époques et les lieux : le néant grignote peu à peu la création.

L'histoire se suit donc avec plaisir. Cependant, au-delà de l'atmosphère relativement déjantée qui y règne, j'en retiendrais surtout sa dimension humaine : les relations entre les personnages y sont très bien dépeintes et habilement écrites. Sur ce plan, la première bonne nouvelle de l'épisode est la confirmation de tout le bien que l'on pouvait penser de Rory après le premier épisode de la saison. Sa pleine introduction dans l'univers whonesque, en embarquant à son tour à bord du Tardis, se révèle à la hauteur des attentes du téléspectateur. Non seulement le personnage est plutôt sympathique et le téléspectateur s'y attache rapidement, mais les scénaristes réussissent aussi à trouver un juste équilibre pour caractériser ce triangle potentiellement glissant, entre Eleven, Amy et Rory.

La relation Amy/Rory est tout d'abord remise à l'honneur. D'une spontanéité et d'une versatilité toute vaudevillesque, les échanges volent et les sentiments se revivifient dans l'adrénaline des situations désespérées où le pire n'est évité que de justesse. Le tout surfe sur un dynamisme communicatif. Au final, la dédramatisation de la dernière scène de l'épisode précédent se fait de façon très naturelle, l'inscrivant dans une lignée de réactions psychologiques logiques.

De plus, l'introduction de Rory dans l'équation s'avère d'autant plus bénéfique que les rapports entre le Docteur et Amy y gagnent également au cours de cette étape de transition. Le Time Lord et son assistante partagent instinctivement une complicité spontanée lorsque leur goût pour l'aventure se réveille et qu'ils se retrouvent confrontés à des situations sortant de l'ordinaire (leur première rencontre avec les vampires est particulièrement révélatrice). Mais, cela n'empêche pas Eleven de se montrer au besoin particulièrement distant et cassant avec elle s'il en ressent le besoin. Cela n'est pas la première fois depuis le début de la saison. Et même si, ici, il agit dans un but de protection de la jeune femme, suite aux remarques accusatoires de Rory, c'est une nouvelle fois l'occasion de mettre en exergue la nature de leurs rapports, mais aussi la personnalité d'Eleven.

Je vais sans doute me répéter, mais j'aime de plus en plus l'orientation que prend ce dernier. S'il peut réagir avec un enthousiasme enfantin (les vampires) comme le faisait Ten, il sait également se montrer froid et autoritaire quand il le souhaite (lorsqu'il ordonne à Amy de retourner au Tardis), voire faire preuve d'une assurance très suffisante, où sa nature de Time Lord se révèle pleinement (sa première confrontation avec l'alien). L'interprétation de Matt Smith enrichit également cette ambivalence, parvenant parfaitement à jouer sur les contrastes entre les différentes attitudes.

Finalement, le billet de Rory pour voyager à bord du Tardis voit sa durée allonger par l'aventure vénitienne. C'est une bonne nouvelle je pense, car une des vraies bonnes surprises de The Vampires of Venice a été l'excellente dynamique s'instaurant entre le Docteur et Rory. Si leurs vifs échanges reflètent la tonalité volontairement décalée de l'épisode, quelques répliques sont absolument jubilatoires, prêtant à sourire, voire à vraiment éclater de rire devant le double-sens de certaines phrases. Au bout du compte, le téléspectateur se dit que la paire complice que reforment les deux fiancés à la fin de l'épisode peut offrir un contre-poids au Docteur, et apporter humainement et émotionnellement beaucoup au Time Lord.

Bilan : The Vampires of Venice est un épisode de bonne facture, déjanté juste comme il faut et offrant un pendant à la tension des dernières semaines. Il propose une aventure dynamique, remplie de répliques piquantes à souhait, drôles et/ou décalées, qui communiquent cet enthousiasme général au téléspectateur. On lui pardonne volontiers la construction un peu brouillonne de l'intrigue principale, pour savourer cette délicieuse dynamique, divertissante à souhait, qui mêle moments de franche comédie et une certaine dramaturgie purement whonesque.

NOTE : 9/10

La bande-annonce du prochain épisode :

(UK) Ashes to Ashes : series 3, episode 5

If I am dead, as dead I well may be
ye'll come and find the place where I am lying
And kneel and say an "Ave" there for me.

Ashes to Ashes nous propose avec ce cinquième épisode un scénario des plus solides, qui exploite pleinement le potentiel inhérent au concept sur lequel se fonde la série. Tandis que l'intrigue se concentre une nouvelle fois sur les confrontations au sein même de la police, en arrière-plan, la mythologie semble s'accélérer, se faisant plus pressante, s'emparant des divergences policières. Reste que si le compte-à-rebours avant le series finale s'accélère avec des épisodes tels que celui-ci, le téléspectateur n'est pas si pressé d'y être : on a envie de savourer encore un petit peu ce show à dimension si humaine.

Incontestablement, il est de plus en plus perceptible que l'on se rapproche de la fin de Ashes to Ashes. Certes, la série continue de progresser prudemment dans son volet mythologique, avec une parcimonie savamment dosée ; mais il flotte indéniablement une atmosphère de retour aux sources, que viennent entretenir les références à Manchester qui se font de plus en plus fréquentes. On les retrouve dans les "rêves" d'Alex (celui qui ouvre l'épisode est d'ailleurs des plus symboliques, Sam n'étant plus simplement un visage sur une photo), mais aussi directement dans les intrigues du commissariat. En effet, ce cinquième épisode voit débarquer, en provenance du nord de l'Angleterre, un duo de policiers, qui ont évolué par le passé sous les ordres de Gene. Ils viennent poursuivre, dans la juridiction du commissariat, une affaire bien trouble.

Le lien avec Manchester se fait donc de plus en plus pressant. Voyant en ces nouveaux venus de potentiels témoins de première main, Alex entreprend d'ailleurs de les interroger sur le passé, ramenant obstinément à la surface la mort de Sam Tyler. Une affaire dont la sensibilité semble toujours plus marquée. Cependant, les propos semi-cryptiques de l'officier qui était sur place, à l'époque, et a pris la photo de la scène de l'accident, ne font qu'accroître la confusion d'Alex, comme celle du téléspectateur.

Tout pointe encore et toujours vers Gene, sans que l'on dispose des éléments nécessaires pour compléter ce compliqué puzzle. L'attitude ambiguë de ce dernier encourage d'ailleurs ces questionnements. En brûlant, sans s'en cacher, les éléments d'enquête rassemblés par Alex, il en appelle explicitement à la confiance aveugle de cette dernière. L'épisode accentue volontairement l'aura de mystère entourant Gene Hunt. Ses non-dits paraissent en effet par moment encore plus pesants que ceux de Keats, donnant l'impression d'assister à une partie d'échecs dont  les enjeux réels n'ont pas encore été dévoilés à Alex ou au téléspectateur. C'est peu dire que notre curiosité est éveillée. Les jeux de pouvoirs au sein de la police n'ont jamais autant ressemblé à des métaphores, apparence cachant une vérité s'apparentant au Graal.

En plus de générer une attente toujours plus impatiente, l'intrigue du jour se révèle très plaisante à suivre. L'arrivée des policiers de Manchester est surtout une occasion pour l'équipe de présenter un front uni. C'était devenu plus rare ces derniers temps, où les suspicions des uns, les crises existentielles des autres, avaient fini par quelque peu enrayer la mécanique, tiraillée mais toujours huilée, des premières saisons. Confrontés à la concurrence de deux enquêteurs qui viennent marcher sur leurs plates-bandes et régler des comptes plutôt louches, nos héros réagissent en équipe soudée. Les voir ainsi tous intéragir de façon homogène, offrant des passages de franche complicité d'où se dégage une réelle cohésion, cela fait plaisir à voir. Chacun est à sa place, personne ne sort du lot, et tout ce petit monde remplit pleinement son rôle.

Certes, cela renforce aussi l'impression que le temps est compté. Par certains côtés, cette dimension humaine ainsi mise en avant prend des allures de discret hommage à ces personnages qui ont donné une âme à la série. C'est sans doute cet aspect que je retiendrais en priorité au sein d'une enquête policière qui ne démérite pourtant pas. Loin de là. A l'ingrédient récurrent du policier corrompu, s'ajoute la référence à Manchester... La modernisation des méthodes policières et l'introduction d'un nouveau cadre règlementaire plus rigide demeurent une des thématiques fil rouge de la saison. Comment ne pas mettre en parallèle le sort de l'officier supérieur et ce qui attend Gene si Keats réussit dans la croisade qu'il mène actuellement ?

Ce qui frappe désormais, c'est que la police ne propose plus le cadre manichéen des débuts, où la ligne jaune était perceptible entre ripoux et officiers ayant à coeur un certain intérêt public, la fin justifiant parfois les moyens pour ces derniers. Désormais, au-delà du problème de la corruption, se dégage un mouvement de fond, de remise en cause d'une certaine conception de ce métier. Comme si l'échiquier qui se jouait sous nos yeux avait acquis une nouvelle dimension. C'est d'autant plus intriguant d'assister à cette complexification progressive que tout cela doit être relié d'une façon ou d'une autre à la mythologie même de la série.

D'ailleurs, aussi prudent soit-il, l'épisode nous offre cependant quelques ouvertures mythologiques. Mon attachement aux personnages fait que j'apprécie toujours les associations inhabituelles que les scénaristes peuvent imaginer, permettant de découvrir sous un nouveau jour certains des protagonistes. En l'espèce, l'épisode rapproche Ray et Shaz. Il y a tout d'abord la vision de Ray d'un champ d'étoiles à perte de vue. Troublé, il a eu l'impression, durant un bref moment, qu'il n'y avait plus rien, le néant s'étendant devant lui. Or ces étoiles tracassent Shaz depuis plusieurs épisodes déjà.

Sans que nous en comprenions pour le moment la signification, cette "hallucination" commune n'est pas seulement un indice mythologique ou métaphorique sur la nature de cet univers des années 80, elle souligne également que Shaz et Ray partagent une situation similaire, quel qu'elle soit. Instinctivement, on est porté à voir une réponse possible dans la chanson qu'ils délivrent, ensemble, au gala de police, formant un duo improvisé des plus touchants. La symbolique des paroles du titre y résonnent d'une façon très particulière, offrant matière à spéculer au téléspectateur :

"If I am dead, as dead I well may be
ye'll come and find the place where I am lying
And kneel and say an "Ave" there for me.
And I shall hear, tho' soft you tread above me
And all my grave will warmer, sweeter be
For ye shall bend and tell me that you love me
And I shall sleep in peace until you come to me.
Oh Danny boy, oh Danny boy, I love you so."

Que cela ait un lien avec les visions de policiers morts d'Alex, ou qu'il s'agisse d'une référence plus générale et directe au coeur de la mythologie, c'est en tout cas un élément très concret.

Reste, toujours sur cette voie, que quelques alarmes se sont allumées dans ma tête au cours de l'épisode, notamment lorsque Ray, évoquant sa vision des étoiles, emploie un mot qui fait instinctivement penser, pour ceux qui l'ont vue, à la résolution d'une autre déclinaison de la franchise : la version américaine de Life on Mars.  Ashes to Ashes va-t-elle s'orienter dans cette même direction ? Disons honnêtement que j'ai quand même eu beaucoup de mal à admettre la fin proposée par la collègue américaine. Les indices distillés pour le moment n'exclut pas la possibilité d'une telle conclusion, et j'ai un peu peur que ce type de dénouement me déçoive. Certes, je veux des réponses, mais je commence à craindre que la démystification du mystère qui entoure encore la version anglaise ne soit pas à la hauteur des attentes.

Bilan : Un bon épisode de Ashes to Ashes, qui trouve un équilibre convaincant entre enquête du jour et mythologie, distillant des indices en prévision du final à venir et nourrissant efficacement la curiosité du téléspectateur. Plaisant à suivre, doté d'une dimension humaine très bien mise en valeur, il donnerait envie de voir se prolonger un peu plus cette ambiance indéfinissable à laquelle la série parvient par intermittence.

NOTE : 8,5/10

(Pilote UK) Luther : une nouvelle figure policière, surdouée et ambivalente

BBC One proposait ce mardi soir, en prime-time, le premier épisode d'une nouvelle série policière, Luther. En m'installant devant mon petit écran, ma principale interrogation était de déterminer si le show allait offrir d'autres raisons que son casting de prestige (pas seulement pour Idris Elba), pour donner envie de poursuivre plus avant la découverte.

Au terme de  ce pilote plaisant, qui, sans pour autant être dépourvu d'excellentes scènes, ronronne sur des sentiers convenus, la série laisse entrevoir un potentiel bien réel. Sans que l'on sache précisément quelle sera l'orientation future de la série - suivra-t-elle ce mélange de ressorts scénaristiques conventionnels et de twists plus atypiques, comme elle le fait durant sa première heure, ou bien s'enfermera-t-elle dans un formula-show classique ? -, les promesses introduites par le "fil rouge" installé, ainsi que par la performance des acteurs, ont suffisamment aiguisé ma curiosité et mon intérêt pour je veuille découvrir la suite.

Certes Luther ne révolutionne pas la fiction policière. Nous sommes face à un personnage principal qui s'inscrit dans la mouvance très actuelle des héros "anti-héros", surdoués dans leur métier, adoptant une méthode de travail atypique très personnelle. Leurs impulsions ou encore leur fort caractère les placent souvent en porte-à-faux de leur hiérarchie, loin du moule traditionnel et propret que l'on attendrait a priori d'eux. Charismatiques, souvent fascinants, mais loin d'être exempt de tous reproches, ils jouissent d'une latitude plus importante que la normale, leur personnalité façonnant généralement la série dans laquelle ils opèrent, pour le plus grand plaisir du téléspectateur.

John Luther s'impose immédiatement dans ce créneau apprécié par la télévision moderne. La scène d'ouverture du pilote donne d'ailleurs tout de suite le ton, soulignant l'atmosphère volontairement sombre et ambiguë (autant qu'un prime-time drama de BBC1 puisse l'être) que la série va essayer d'instaurer. Le DCI y poursuit un meurtrier en série, qui kidnappe et tue de jeunes enfants. Par le biais d'une mise en scène maintes fois vue, mais qui demeure efficace, Luther lui fait avouer le lieu de la cache où il a entreposé sa dernière victime : suspendu dans le vide après qu'il ait glissé d'une balustrade, le criminel lui donne toutes les informations souhaitées dans l'espoir que Luther l'aide à remonter. Seulement, emporté par sa colère, par une révulsion qui le submerge, le DCI s'emporte, manifeste son soulagement d'apprendre par ses collègues que la fillette enlevée est bien vivante, mais ne fait finalement rien pour sauver le meurtrier. La prise précaire de ce dernier finit par lâcher et il chute de plusieurs étages. En un passage, en assistant au conflit interne qui se joue en Luther, le téléspectateur a ainsi un aperçu direct de la complexité du personnage, et du fragile équilibre qui se maintient chez l'homme de loi, entre réactions instinctives et raisonnements logiques,  éthique professionnelle et rage incontrôlable.

Suite à cet évènement, Luther est logiquement suspendu, le temps de l'investigation par la police des polices. Tandis que le kidnappeur d'enfants, qui n'est pas mort dans la chute, git, plongé dans le coma, à l'hôpital, le policier, désoeuvré, flirte avec la dépression. Son hyperactivité ne trouvant plus un exutoire dans son métier, au cours de cette parenthèse douloureuse, il est logique que l'inactivité se révèle la plus dangereuse des façons de perdre son temps, pour un homme qui - tout l'épisode va le souligner - ne sait pas s'arrêter et a un besoin viscéral de s'investir dans des défis dignes de son intérêt pour parvenir à fonctionner normalement. Finalement blanchi de tout soupçon, guéri de cette période d'apathie qui lui a presque été fatael, Luther peut redevenir le policier particulièrement intense, dont les capacités de déduction, le sens de l'observation et la compréhension psychologique des gens, sont autant d'outils précieux au cours d'une enquête.

Ce premier épisode de la série va adopter un schéma, à la fois très classique, mais aussi assez particulier dans le paysage policier moderne. L'affaire du jour va être également l'occasion pour Luther de rencontrer son archnemesis, une jeune femme brillante tout autant que sociopathe, avec laquelle il va entamer une étrange relation. La spécificité de l'épisode tient à sa construction : nous sommes face à un "cop-show" où il n'y a pas réellement d'enquête, ni même d'interrogation sur qui pourrait être l'auteur du terrible double meurtre qui constitue le premier cas sur lequel Luther est assigné. Alice Morgan appelle la police en état de choc, venant de découvrir ses parents abattus à bout portant dans leur maison. Aucune effraction pour pénétrer dans les lieux, aucune méfiance de la part des victimes qui n'ont rien vu venir... Serait-ce un de ces mystères insolubles, proche du "crime parfait" ? Des assassinats atroces perpétrés au hasard ? Aucun élément matériel ne donne le moindre indice.

Mais la série n'occupera pas le créneau de la police scientifique, où les résidus et autres bouts de tissus s'envisagent et s'agencent, pointant le coupable presque indépendamment des êtres humains. Dans Luther, c'est par une désarmante logique, déduction implacable confirmée par l'observation, que l'enquête va être résolue. Une approche résolument psychologique qui replace la dimension humaine au coeur de la dynamique du scénario. Si personne ne semble avoir pénétré les lieux, si aucune trace n'a été trouvée, il faut cesser de retourner ces interrogations apparemment insolubles pour se rabattre sur l'explication la plus simple. La logique du principe posé par le rasoir d'Ockam conduit ainsi Luther à suspecter la fille des victimes, qui a découvert les corps. Il n'y a aucune preuve matérielle ; rien qui puisse être reçu par un tribunal. Mais il n'y aucun doute qu'Alice est la coupable. Ses formes de dénégation sont aussi criantes que des aveux.

L'épisode tourne ainsi à un face-à-face entre Luther et la jeune femme, chacun trouvant en l'autre un adversaire à sa hauteur, venant inconsciemment nourrir un certain narcissisme propre à ceux qui se détachent de l'anonymat de la masse. L'absence de suspense n'est pas préjudiciable à l'intrigue (ce n'est pas pour rien que le scénariste évoquait dans les médias une filiation avec Columbo). Certes tout se déroule selon une mécanique bien huilée, peut-être un peu trop même. Tout est calibré, s'enchaînant sur des bases très convenues. Pas de surprise, ni de moments où le sénario s'écarte de ce sentier bien balisé. En fait, l'enquête policière s'efface progressivement derrière la confrontation entre deux personnalités qui écrasent l'intrigue et pour lesquelles elle devient un prétexte leur permettant de partager le haut de l'affiche.

Ce schéma ne devrait sans doute pas être suivi par tous les épisodes, car cette première affaire pose, en même temps, les bases d'un affrontement récurrent entre Luther et Alice, même si les scénaristes ne semblent pas encore avoir pleinement décidé dans quelle direction l'orienter. Pour le moment, la jeune femme s'en tire ; mais elle conserve sa fascination pour le policier, son "nouveau projet", ce qui promet un fil rouge des plus intrigants, dans la droite lignée de ces face-à-faces classiques, mais souvent efficaces, entre homme de loi et sociopathe, suffisamment brillants pour évoluer sur un terrain qui leur est propre.

Ce schéma particulier du premier épisode semble ainsi indiquer que nous ne sommes pas face à un simple formula-show, même si le principe sera une affaire principale par épisode. La présence de fils rouges, qu'il  s'agisse d'Alice ou du meurtrier plongé dans le coma suite à la chute que Luther n'a pas empêchée, mais aussi l'introduction d'éléments plus feuilletonnants, devraient nous faire éviter une déclinaison trop invariable d'enquêtes policières calquées sur une même construction narrative. De plus, Luther est bel et bien un one-man-show, l'ensemble de la série et de ses protagonistes tournant autour de la figure centrale du détective, lequel conditionnant souvent leurs réactions. Le côté plus obscur du personnage, que l'on entrevoit par intermittence, marqué par des explosions de violence, tranche avec le caractère excessivement propret qui se dégage de la série, permettant de contrebalancer un peu son côté très conventionnel.

De manière générale, il faut d'ailleurs reconnaître que les ingrédients, aussi classiques et parfois convenus soient-ils, prennent bien. Le rythme est posé, pourtant l'attention ne fait jamais défaut. Le téléspectateur rentre progressivement dans la série. Sans déclencher immédiatement une étincelle chez lui, elle propose plusieurs scènes qui se détachent clairement du lot et lui donne cette tonalité ambivalente, mélange indéfinissable d'intensité et de déroulement ronronnant qui fonctionne auprès du téléspectateur. Cependant, l'attrait de l'épisode tient également à l'opposition offerte par le personnage fort d'Alice ; il faudra voir quelle est la pérennité de cette ambiance face à d'autres criminels moins atypiques, dans des affaires moins sordides.

Si John Luther a ses ambivalences au travail, c'est pourtant surtout dans sa vie privée que son absence de maîtrise des évènements lui fait beaucoup plus rapidement perdre son sang froid. Elle fait ressortir cette part sombre du personnage évoquée dès la scène d'ouverture ; cette rage intérieure difficilement contrôlable s'exprime pleinement dès lors qu'une situation paraît lui échapper en le touchant personnellement. Or, sa femme n'a pas su ou pu attendre qu'il se remette des évènements de ces derniers mois. Lassée de ces écarts, de cette hyperactivité qui, sur le long terme, l'épuise, elle a trouvé le réconfort dans les bras d'un autre. Leur mariage semble n'exister plus qu'en pointillés. Les sentiments sont toujours là ; mais les besoins de chacun ont changé. Offrant un équilibre avec le volet policier dominant, cet angle privé permet de mettre en lumière une autre facette du personnage de Luther, soulignant ses limites et touchant une partie plus sensible de l'homme.

Sur la forme, Luther rejoint ces dramas à la réalisation particulièrement soignée que l'on peut croiser à la télévision anglaise. Les plans sont rarement centraux. Il y a une volonté de la part de la caméra d'investir et d'utiliser tout l'espace, accentuant la profondeur des images. Cela donne un rendu visuel intéressant et très esthétique, volontairement un peu froid et distancier.

Enfin, cette série attire - et a initialement fait parler d'elle - en raison des membres de son casting. En tête d'affiche, pour supporter le poids du scénario, on retrouve rien moins qu'Idris Elba, revenu au pays de son périple à Baltimore (The Wire / Sur Ecoute). Il se coule progressivement dans la peau de son personnage, mettant en exergue, avec une force qui en impose à l'écran, les paradoxes et les énergies contraires qui l'animent. Si Idris Elba parlera donc aux téléspectateurs habitués du petit écran américain, il est entouré de valeurs sûres britanniques, qui seront très familières à qui suit un petit peu les fictions d'outre-Manche. Steven Mackintosh (Criminal Justice l'été dernier) incarne le DCI Ian Reed, un ami de Luther. Leur compréhensive supérieure, Rose Teller, est jouée par Saskia Reeves (au sujet de laquelle je me suis torturée les neurones tout l'épisode, avant de réussir à me rappeler qu'elle incarnait Jessica dans la mini-série Dune). Pour son retour, Luther est associé au jeune DS Justin Ripley (Warren Brown, omni-présent ces dernières années dans le petit écran, avec son actif des séries aussi diverses qu'Occupation ou encore Dead Set). Concernant le volet non policier, la femme de Luther, Zoe, est incarnée par Indira Varma (qui reste dans mon esprit associée à Rome) ; avocate spécialisée dans les droits de l'homme, elle s'est éprise d'un collègue, Mark North (Paul McGann, vu dans Collision l'année dernière et qui fut Eight dans le téléfilm de 1996 de Doctor Who). Enfin, Ruth Wilson (croisée dans Le Prisonnier version AMC, ou encore Jane Eyre) incarne de façon glaciale et assez fascinante, la troublante Alice Morgan.

Bilan : Usant de ficelles narratives très conventionnelles qui peuvent un peu frustrées, ce premier épisode n'en demeure pas moins plaisant à suivre. Doté de plusieurs scènes se détachant clairement du lot, le scénario se déroule sans anicroche. Luther apparaît être une série très calibrée, particulièrement soignée tant sur la forme que sur le fond. Tous les ingrédients sont bien en place, dans une ambiance somme toute très proprette que viennent faire vaciller par intermittence les explosions de colère de Luther. La relation entre Luther et Alice constituera sans doute le fil rouge majeur ; il faudra voir si les scénaristes sont capables de lui insuffler la consistance et la cohésion des grandes confrontation similaire.

Si Luther ne révolutionnera pas le genre policier, elle montre un potentiel qui mérite qu'on lui laisse une chance de pleinement se réaliser. A suivre.

NOTE : 6,5/10

La bande-annonce de la série :

Le générique de la série :

(J-Drama / Pilote) Sunao ni Narenakute : du virtuel à la rencontre IRL, portrait d'une socialisation moderne

Un "mercredi asiatique" original aujourd'hui : ce n'est pas en Corée du Sud mais au Japon que je vous emmène pour explorer cette saison 2010 et ses nouveautés. Car ma téléphagie a connu un nouveau tournant, parmi les cycles qui l'animent. Cela devait faire plus d'un an que je n'avais plus regardé de j-dramas. Et bien, je vous annonce qu'après de longs mois d'hibernation, il semblerait que mon intérêt pour le Japon se soit soudain réveillé au cours de la semaine passée. En somme, il est fort probable que ce pays ne soit plus une destination si exceptionnelle que ça, dans le cadre du mercredi asiatique (même si la Corée du Sud demeure privilégiée).

Il faut dire que je passais trop de temps à lire des reviews de séries japonaises, en quête de la petite étincelle, pour échapper éternellement au prosélytisme d'un internaute qui me convaincrait de sauter le pas et de rompre cette distance prise avec le petit écran du pays du Soleil Levant. Le tournant s'est donc produit la semaine passée : sur le blog Ladytelephagy (une mine d'or, notamment en découvertes de pilotes de tous les horizons, que je soupçonne constituée grâce à l'utilisation d'une machine à voyager dans le temps pour réussir à regarder tout cela en le reviewant), la critique proposée sur un des nouveaux dramas de ce printemps a aiguisé ma curiosité : elle concernait Sunao ni Narenakute. Série présentée a priori un peu comme la rencontre improbable de classiques comme Last Friends et Densha Otoko, je suis ressortie très satisfaite de cette découverte.

Sunao ni Narenakute est un drama diffusé depuis le 14 avril 2010 sur Fuji TV. Projet assez ambitieux à la base, disposant d'un casting accrocheur, la série a la particularité d'avoir choisi comme concept de départ, un outil très actuel : twitter. Cette inspiration n'est pas le propre du Japon, puisque des scénaristes aux quatre coins de la planète (aux Etats-Unis, par exemple) commencent à s'intéresser au potentiel narratif se cachant derrière ces micro-messages du quotidien  et leurs frustrants 140 caractères. Cependant, plus qu'un drama sur cet outil de communication particulier, Sunao ni Narenakute s'empare d'une thématique relativement générale : celle de la place du virtuel dans la construction du lien social au sein de nos sociétés modernes, initiant par ce biais une réflexion sur ses rapports avec la vie réelle. La représentation de twitter dans ce drama le rapproche d'ailleurs un peu d'une forme d'ersatz de chat privé, tant les différents followers paraissent former une communauté fermée (même si la suite du drama nous montre que ce n'est, malheureusement peut-être pour certains, pas le cas).

Sunao ni Narenakute nous introduit donc dans les vies compliquées de plusieurs jeunes adultes, habitués à échanger leurs dernières réactions sur leur vie via internet. Un quotidien personnel qu'ils présentent évidemment sous un jour biaisé, cédant facilement à la tentation de l'embellir ou de ne sélectionner que certaines informations à partager avec leurs followers. Cependant, le maintien facile de cette fiction, générée par la distance, va voler en éclat le jour où l'un d'entre eux propose une rencontre IRL ("in real life"). La série va alors explorer cette composante spécifique des relations humaines entretenues sur internet, la présentant avec une sobriété et une justesse qui sonnent profondément authentiques. Ne perdant pas de temps en introduction inutile, le pilote présente immédiatement les enjeux. S'y déroule ainsi la première réunion, dans la vraie vie, entre Nakaji (Keisuke), Haru (Tsukiko), Doctor (Seonsu), Linda (Kaoru) et Peach (Hikaru), une amie de Haru se laissant entraîner par l'enthousiasme de cette dernière.

Le premier attrait de ce drama réside dans la mise en valeur de sa dimension humaine. Signe de la maturité de son écriture, la série aborde des thèmes adultes, n'hésitant pas à traiter de sujets difficiles. Si l'amour demeure invariablement une dynamique centrale, il se place loin d'une présentation fleur bleue idéalisée. Et, surtout, viennent s'y greffer des maux modernes, entravant bien plus sûrement que le jeu des sentiments, le quotidien de chacun des personnages. Certes les premiers épisodes n'évitent pas toujours le recours aux accents du mélodrame. Pour autant, la série ne verse jamais dans un pathos excessif dans lequel l'ambiance se ferait trop pesante. Agrémentée de scènes plus légères, où le collectif soudé permet d'alléger l'ensemble en se tournant résolument vers l'avenir, Sunao ni Narenakute se révèle souvent touchante, voire émouvante. Elle propose une exploitation pleine et entière de toute la large palette d'émotions humaines. Le mélange de ces différents ingrédients fonctionne : il se dégage de l'ensemble une véritable vitalité communicative.

Les scénaristes parviennent instinctivement à un équilibre fragile, mais convaincant, pour le moment, entre les diverses tonalités, réussissant à alterner le drame et les moments d'éclaircie marqués par ce besoin irrépressible d'aller de l'avant. Dans cette perspective, une des forces de Sunao ni Narenakute, qui assoit sa portée, reste d'avoir choisi une approche frontale et explicite pour nous relater les problèmes rencontrés par ses héros. Car, au sein de cette galerie de personnages très différents, rapprochés par une solitude que les rapports virtuels ne peuvent pleinement compenser, leur point commun semble être la façon dont la vie a pu, ou continue de, les abîmer. Nous sommes en effet face à des individus plus ou moins brisés, plongés dans des situations difficiles, voire intenables, pour lesquels cette rencontre IRL va peut-être pouvoir être une bouée de sauvetage. Apprendre ou re-apprendre l'amitié, l'amour... Sunao ni Narenakute, c'est aussi une réponse à l'isolement de l'homme moderne dont le salut passe par la force du collectif.

Il faut dire que nos héros ont bien besoin de tirer parti de la maxime suivant laquelle "l'union fait la force". Car ils doivent face fae à de vrais problèmes, à bien des égards insolubles. Ainsi, Haru est une jeune professeur qui découvre son métier. Son absence de confiance en elle, qui se manifeste par un manque d'assurance chronique, rejaillit dans sa vie professionnelle, mais aussi personnelle. Nakaji, lui, se rêve artiste-photographe ; mais il navigue pour le moment entre un rôle d'assistant et réalisateur de photos de charme. Plus précaire encore, Doctor a immigré de Corée du Sud il y a quelques années. S'étant créé une identité de médecin dans le monde virtuel, il se heurte en réalité à l'environnement professionnel hostile des commerciaux, subissant quotidiennement humiliations et brimades de la part de ses supérieurs (une forme de racisme ?). Dans cette catégorie "très compliquée", il est également possible d'y classer la vie de Peach, laquelle semble avoir perdu tout sens. Mal dans sa peau, la jeune femme a l'impression d'être cernée de toute part. Entretenant une liaison sans futur possible avec un homme marié, elle pense être enceinte. Cherchant un exutoire dans l'automutilation, c'est un appel au secours qu'elle lance à ses nouveaux amis. Enfin, prouvant que les apparences peuvent être trompeuses, Linda paraît avoir la vie professionnelle la plus épanouie. Mais le jeune homme est confronté aux avances de plus en plus pressantes de sa supérieure hiérarchique. Une situation de harcèlement qui n'arrange pas ses problèmes physiques rencontrés lors de l'acte sexuel lui-même.

En somme, nous voilà donc aux prises avec des personnages bien écornés, parfois de façon irrémédiable. Le flirt avec une issue tragique est continuel. Le flashforward d'ouverture du premier épisode, spoiler dispensable mais qui pose un enjeu majeur, ne fait que souligner une évidence, que Peach mettra la première en acte. En dépit de ce cadre guère festif, Sunao ni Narenakute évite l'écueil de l'apitoiement : c'est un message où perce l'espoire que véhiculent les premiers épisodes de la série, posant finalement les bases optimistes d'une possible amitié. Le drama est d'autant plus dense qu'aucun de ses personnages ne se réduit à ses seules difficultés. Chacun présente plusieurs facettes, que le pilote ne permet que d'entre-apercevoir. Il esquisse des personnalités complexes, très loin d'être unidimensionnelles. Conservant ainsi l'attention du téléspectateur, ce sont autant de promesses pour les épisodes à venir, et de développements potentiels que l'on attendra avec curiosité.

L'autre grande problématique évoquée par Sunao ni Narenakute correspond à ce portrait de socialisation moderne que le drama introduit. Sa description du passage du virtuel à la rencontre IRL sonne d'ailleurs très juste : sont exposés les différents stades de ce processus, au sein desquels le téléspectateur familier d'internet s'y retrouve aisément, des hésitations initiales jusqu'aux petits flottements et nécessaires ajustements à réaliser lorsque l'on se côtoie ensuite dans la vraie vie. La série est une occasion de permettre l'initiation d'une réflexion sur les rapports nés des réseaux sociaux. Plus globalement, elle traite de la socialisation des générations actuelles, mais aussi de la solitude engendrée par le rythme de vie d'une société qui s'agite autour de chaque individu, sans se préoccuper des sorts particuliers. A ce titre, il faut souligner certains dialogues particulièrement bien écrits, aux accents très authentiques, notamment les moments où les personnages exposent les raisons pour lesquelles chacun a éprouvé le besoin d'échanger sur twitter, puis de se rencontrer dans la réalité. Ces passages intéressants touchent une fibre sensible.

Au-delà des lourds problèmes individuels introduits, Sunao ni Narenakute met en exergue des maux plus profonds dont souffrent les sociétés modernes, soulignant cette déstabilisante perte de repères, conséquence d'une rupture du lien social au sein de milieux pourtant surpeuplés comme l'espace des grandes villes. Chacun s'y croise, mais personne ne se voit, en témoigne la scène du début où Haru et Nakaji traversent le même pont sans échanger un regard. Instinctivement, l'être humain recherche des palliatifs, pour corriger ce sentiment d'isolement. La série est aussi une invitation pour découvrir jusqu'où nos outils de communication et toute cette technologie peuvent nous conduire et nous aider sur cette voie, peut-être aussi à double tranchant.

Sur un plan formel, la série se révèle des plus solides. La réalisation reste classique, mais offre quelques bons plans. A l'occasion, le découpage de l'écran et les balayages de changement de scènes s'insèrent sans souci dans la narration globale. La bande-son est plutôt sympathique et plaisante, collant bien à l'ambiance générale ; il faut cependant noter la forte présence de chansons anglophones.

Enfin, si tous ces arguments déjà énoncés ne vous ont pas encore convaincu de laisser sa chance à Sunao ni Narenakute, son casting devrait lui attirer les faveurs de quelques téléspectateurs supplémentaires, au vu des têtes connues qui s'y pressent. On retrouve en effet à l'affiche un couple phare composé de Eita et Ueno Juri (ce qui ne fait, certes, que renforcer la tentation du téléspectateur de faire des parallèles avec Last Friends). Pour assurer une touche d'international, le chanteur coréen Hero JaeJoong (membre de DBSQ) est venu pratiquer son japonais. Tamayama Tetsuji et Seki Megumi complètent ce casting assez homogène et plutôt solide.

Bilan : Série aux premiers abords assez sombres, Sunao ni Narenakute dresse le portrait désenchanté du quotidien d'une génération plongée dans une société où le lien social s'est dilué. S'intéressant à un nouvel outil de socialisation (twitter), elle esquisse une réflexion sur ces réseaux sociaux capables de faire naître des relations qui, à terme, peuvent devenir tout aussi tangibles et solides. Fable sur l'amitié, tout autant que questionnement sur les rapports et la place du virtuel et du réel, ce drama se rélève très riche en émotions les plus diverses, alternant scènes poignantes et instants d'éclaircie salvateurs. Ses premiers épisodes remplissent efficacement leur office, permettant de s'attacher aux différents protagonistes et donnant envie au téléspectateur de s'investir.

NOTE : 7,5/10

Une brève présentation de la série :

(UK) Doctor Who, series 5, episode 5 : Flesh and Stone (2)

Cette deuxième partie du double épisode nous confrontant de nouveau aux Weeping Angels aura finalement pris un tournant beaucoup plus mythologique qu'attendu, réunissant cette intrigue au grand fil rouge de la saison qui est désormais posé explicitement au grand jour. Assez dense, plongeant le téléspectateur dans les paradoxes des courbes temporelles qui se croisent et se re-écrivent, ce double épisode aura constitué tout autant une grande aventure, cocktail détonant d'action et de frisson, assaisoné d'une pointe d'humour, qu'une étape décisive dans l'installation de la mythologie de la saison.

En guise d'entré en matière, le Docteur propose une superbe petite astuce très Whonesque afin de se sortir d'une situation bien difficile, en s'amusant avec les lois de la gravité. Non dépourvue d'originalité et de cette petite touche de folie indispensable à tout twist de la série, c'est une résolution expéditive, mais adéquate, dans la tradition de Doctor Who, qui permet de clôre le cliffhanger et d'enchaîner sans temps mort sur la suite des aventures. Depuis le début de l'année, les médias britanniques ont souvent évoqué les coupes budgétaires imposées par la BBC ; on pouvait se demander ce que cela donnerait pour la nouvelle saison de Doctor Who. Sur un plan visuel, il faut constater, devant un tel épisode, que l'on ne ressent aucun changement notable dans le cadre proposé pour cette aventure. Le décor et les effets spéciaux ne sont pas ostentatoires, mais ils ne dépareillent pas et sont à la hauteur.

Réussir à réintégrer le vaisseau n'était, pour le Docteur et ses compagnons, qu'un moyen de retarder l'inévitable assaut des Anges. Si ces derniers vont se retrouver plus en retrait au fil que cet épisode progresse, laissant place à un autre mystère, plus grand et plus important encore, Steven Moffat va cependant réussir à exploiter ce potentiel de frayeur inhérent à ces créatures, incontournable et nécessaire pour des téléspectateurs qui n'ont jamais pleinement dépassé le traumatisme engendré par Blink.

La tension va ainsi aller crescendo dans le premier tiers de l'épisode, au cours duquel la course-poursuite avec les Anges se transforme en un bref huis-clos qui les conduit finalement dans une improbable forêt à bord du vaisseau. C'est d'ailleurs très intéressant de voir l'utilisation habile qui est faite du changement d'environnement. Si le fait d'être cerné, à bord du vaisseau, avait un caractère particulièrement oppressant, huis-clos un peu étouffant, la fuite dans les bois offre un changement de perspective et ouvre de nouvelles possibilités pour jouer avec les peurs du téléspectateur. A nouveau, c'est Amy qui va nous faire partager ses frayeurs. Il était déjà établi que le fait qu'elle ait regardé un Ange droit dans les yeux allait avoir des conséquences importantes. Un peu de la même façon qu'avec la reproduction par l'enregistrement vidéo, un Ange se développe dans son esprit. On a ici une déclinaison intéressante de l'aspect mystique attaché à ces créatures : l'Ange a en quelque sorte capturé son âme, et son corps par la même occasion.

Amy va assurément nous offrir les scènes les plus inquiétantes de l'épisode : cette traversée de la forêt, portée par un petit thème musical sobre comme il faut, les yeux fermés, avec une faille spatio-temporelle qui grignote la réalité et des Anges tout autour d'elle, restera dans les mémoires. Plus que les jeux de lumières auxquels l'épisode s'était essayé plus tôt pour illustrer l'assaut des Weeping Angels, c'est cette marche qui va occasionner les moments les plus glaçants de l'épisode. Il faut à ce titre saluer l'imagination des scénaristes, car le cadre y joue pour beaucoup : cette ambiance particulière, entourée d'arbres, on pourrait une nouvelle fois l'associer aux images d'Epinal renvoyées par les passages les plus sombres des contes de fées de notre enfance. C'est la forêt inhospitalière où le héros s'égare et fait des rencontres inquiétantes. La traverser les yeux fermés est une action chargée d'une symbolique particulière. Et au cours de ces scènes, il faut saluer la prestation de Karen Gillan. Elle correspond parfaitement à ce qu'on attend d'elle : fraîche, apeurée, authentique.

Cependant, l'enjeu réel de l'épisode se déplace progressivement. Si l'intrigue des Weeping Angels s'étire en longueur jusqu'aux deux tiers de l'épisode, prenant le temps d'exploiter les thématiques angoissantes qui s'y rattachent, elle n'est plus l'enjeu central, laissant place, de façon assez inattendue, au fil rouge de la saison. Ce dernier s'installe ainsi sur le devant de la scène : les craquelures dans l'univers et les failles spatio-temporelles qui s'ouvrent ne sont plus cantonnées à un clin d'oeil de fin d'épisode. Doctor Who ne nous avait pas habitué à un développement aussi conséquent, de ce qui devrait occuper l'arc du season finale, aussi tôt dans une saison. Jusqu'à présent les petits indices peu subtiles, disséminés au gré des aventures, s'inscrivaient dans une certaine tradition d'introduction de fil rouge ; avec Flesh and Stone, Steven Moffat passe résolument à la vitesse supérieure... pour mieux perturber le téléspectateur en suscitant surtout de nouvelles questions, sans apporter de réelles réponses.

Cependant, la gestion de ce mystère, dont le danger est toujours plus grandissant et devient concret, se révèle assez prenante, même si certaines évidences mettent un peu de temps à être énoncées à voix haute. L'importance d'Amy, figure centrale sans que l'on en comprenne les raisons, s'impose rapidement. Il faudra quand même au Docteur tout l'épisode pour reconnaître la place spéciale de la jeune femme, au coeur du processus en marche. Le schéma ainsi choisi n'est pas sans rappeler celui de la saison 4, avec une Donna, assistante destinée à avoir un rôle déterminant dans l'Apocalypse de fin de saison à éviter. Encore une fois, ce n'est pas le hasard qui a placé Amy sur la route du Docteur. Leur rencontre, comme le fait qu'elle soit devenue son assistante, ne sont pas des coïncidences. Le sort d'Amy reste encore inconnu. Mais j'apprécie le fait que tout soit relié à des destinées plus larges qui dépassent la simple vie quotidienne de nos héros. Cela confère un sens supplémentaire à la présence d'Amy aux côtés du Docteur, qui jète une lumière nouvelle sur l'ensemble.

Flesh and Stone est donc un épisode fondamental, mythologiquement parlant, mais qui pose surtout les bases d'une storyline/fil rouge d'une complexité presque déstabilisante. Je ne suis d'ailleurs pas certaine d'avoir pleinement compris toutes les implications de ce qui est en train de se produire, même si on devrait avoir de nouvelles précisions dans le futur. En résumé, c'est le temps, la réalité qui s'effondre, et avec cela, les évènements se re-écrivent, l'Histoire change... au fil de ces craquelures. Les êtres qui disparaissent dans ces failles voient leur vie effacée comme s'ils n'avaient jamais existé. Seules des personnes déjà arrachées à leur ligne de temps, des voyageurs temporels, ne sont pas affectés par ce phénomène auquel il est assez glaçant d'assister.

Tout se met en place pour l'explosion finale. Le moment clé est d'aileurs déjà fixé : le 26 juin 2010. Il s'avère que le Docteur aura entraîné Amy loin de son époque, la veille de ce jour qui apparaît comme une date fatidique pour l'Univers tout entier. C'est en effet le 25 juin au soir qu'il est revenu et a emmené Amy dans ses aventures, l'éloignant de la ligne temporelle qu'elle aurait dû suivre. Le 26 juin 2010, c'est le jour où est aussi prévu son mariage. La prise de conscience du Docteur, à la fin de l'épisode, sur l'importance d'Amy et sur cette date, était attendue du téléspectateur ; reste désormais à comprendre ce qui relie la jeune femme à tous ces évènements. Accessoirement, le 26 juin 2010 est également la date de diffusion du season finale de cette saison 5. Le fil rouge de la saison est désormais clairement tracé.

Signe de sa richesse, Flesh and Stone ne se contente pas de soigner la mythologie apocalyptique en prévision de la fin de saison. Il est nécessaire de parler du personnage de River Song. Après avoir été particulièrement mis en avant au cours de la première partie, elle se retrouve plutôt en retrait dans ce second épisode, comme pour équilibrer l'impact de son personnage avec la présence d'Amy. Moins déterminante dans la résolution de la problématique des Anges, la jeune femme se voit surtout attribuer la fonction de distiller une pointe de mystère supplémentaire, à un épisode qui n'en manque déjà pas. Les craquelures temporelles achèvent d'embrouiller un téléspectateur déjà un peu égaré au milieu de tous ces paradoxes et qui en est bientôt réduit à dresser des schémas sur un brouillon, à côté de sa télévision, pour s'y retrouver dans ces différentes lignes temporelles et ces relations qui se construisent à l'envers.

Reste que River délivre un "au revoir" qui appelle des retrouvailles prochaines. Outre cette mention récurrente à Pandorica, elle révèle également un autre secret, ambivalent dans son contenu, mais assorti d'une étrange sérénité dans la tonalité avec laquelle il est présenté. Si River était en prison, c'est parce qu'elle a tué un homme. Qui ? "The best man I've ever known", répond-elle sans donner son identité. Je suppose que chaque téléspectateur peut comprendre cette phrase comme il le souhaite. Mon premier réflexe a été de me dire qu'il s'agissait tout simplement du Docteur lui-même. Même si les ecclésiastiques ne semblaient pas le connaître, le ton et le regard de River m'amènent instinctivement à cette première interprétation. Ce qui n'empêchera de toute façon pas d'autres aventures d'avoir lieu. Faut-il s'attendre à des retours récurrents de River à travers les prochaines saisons ? Le prochain rendez-vous est en tout cas pris, "when Pandorica opens" (un élément du futur du Docteur et de la saison ; mais du passé de River, donc).

Achevant (déjà) le cinquième épisode la saison, le téléspectateur dispose désormais d'un peu plus de recul pour apprécier ces nouveaux héros quotidiens qu'il suit chaque samedi soir. Sur le plan de la caractérisation des personnages, je dois dire que je suis très satisfaite de la performance de Matt Smith, ainsi que de la façon dont Eleven voit sa personnalité s'affirmer peu à peu. Flesh and Stone s'avère être, une fois encore, un épisode où la versatilité du Docteur est mise en exergue et pleinement exploitée. Tour à tour conciliant, compréhensif, arrogant, particulièrement direct, ou même vraiment en colère, il y a quelque chose de particulièrement intense, mais aussi de très ambivalent chez Eleven, un investissement qui se mêle d'une certaine prise de distance avec les évènements  qui l'entourent : il est assez difficile de le traduire en mots, mais cela engendre un ressenti très intéressant à l'écran.

Je suis en revanche un peu plus mitigée en ce qui concerne Amy Pond. Il y a des moments où je la trouve juste parfaite, pleinement épanouie dans un rôle de Wendy sur les traces de Peter Pan qui lui sied à merveille. Ainsi, dans cet épisode, durant la traversée de la forêt, Karen Gillan était excellente. Elle ramène à la vie, de façon très naturelle, nos peurs enfantines les plus enfouies, le tout mise en scène avec une fraîcheur étonnante. Cependant, comment interpréter cette scène finale, où accompagnant une chute brutale d'adrénaline, toute la tension et la peur se relâchent pour se transformer en une "explosion hormonale" (le qualificatif restant encore à arrêter), au cours de laquelle elle poursuit sa fuite en avant par rapport à son mariage, en jetant son dévolu sur le Docteur. Il y a une part en moi qui rejète en bloc toute idéee d'intimité entre nos deux héros. Amy n'a certes pas l'infatuation pesante que pouvait manifester Martha. C'est aussi rassurant de voir que le Docteur la repousse sans y réfléchir à deux fois, tandis qu'il commence à mettre en ordre les pièces du puzzle qui prend place sous ses yeux depuis le départ et à comprendre l'importance d'Amy Pond. Mais cette scène m'a paru assez artificielle, comme si les scénaristes avaient maladroitement jouer sur un degré de comédie, sans que la tonalité prenne vraiment. Ca reste anecdotique pour le moment, mais ce sont des sujets sensibles sur lesquels Steven Moffat doit être prudent.

Bilan : Flesh and Stone est un épisode particulièrement dense qui clôture une aventure, tout en posant des bases mythologiques déterminantes pour le reste de la saison. On y retrouve beaucoup d'ingrédients très différents, de l'exploitation de l'angoisse liée aux Anges jusqu'aux paradoxes temporels dans lesquels la série plonge sans retenue, et avec un plaisir évident, le téléspectateur. Mené à un rythme prenant, l'épisode est vraiment plaisant à suivre grâce à cette diversité et à cette richesse. Il n'évite cependant pas quelques maladresses dans la gestion de certains aspects des fils rouges qu'il pose. Mais dans l'ensemble, même s'il part dans des directions un peu inattendues après la tonalité de la première partie, il est à la hauteur des attentes des téléspectateurs.

NOTE : 8,5/10

A noter la très belle réalisation de l'épisode qui nous aura proposé une certain nombre de plans vraiment superbes, tel celui-ci :

 

La bande-annonce du prochain épisode (Direction Venise... et l'exploration d'un mythe très terrien : les vampires) :